Frank Zappa's mustache - Music is the Best

Categoria: FZ Topix

  • Frank Zappa, Underground Freak Out Music + Freak Out Zilofone: freak & hippy, due mondi opposti

    Frank Zappa, Underground Freak Out Music + Freak Out Zilofone: freak & hippy, due mondi opposti

    Underground Freak-Out Music (You Can’t Do That On Stage Anymore, Vol. 5, 1992)

    Freak Out Zilofone (The MOFO Project/Object, 2006)

    Zappa una volta ha detto a un intervistatore che Freak Out è nato dopo che ha realizzato “registrazioni di ricerche sul comportamento di ragazzi di 17 anni in Ontario, California” e sembra proprio così.
    È un aspro commento sul mondo dei centri commerciali delle autostrade della California meridionale, la società che incoraggia il fiorire del cemento e del neon e sulle vittime della grossolana mega-crescita di Los Angeles: i giovani. (BAM, gennaio 1978)

    “Ascolterai ‘Freakout’ finché non ti uscirà dal culo” ha detto Frank sul palco celebrando il 10° anniversario dei Mothers a Chicago.
    “Oggi ‘Freakout’ mi sembra un mucchio di demo. Ma devi ricordare che i nostri primi tre album sono stati registrati su una macchina a quattro tracce. Allora non c’erano 16 tracce. L’amplificatore più grande che potevi comprare era il Vox Superbeatle: non avevano nemmeno i Marshall!”
    (Frank Zappa, New Musical Express, 25 maggio 1974)

    “Freak Out! è stato un grande album degli anni Sessanta e rimane attuale. L’idea era quella di mostrare una visione diversa della cultura americana. Se lo ascolti oggi, vedi che non è cambiato molto”.
    (“Talking with Frank” by Fabio Massari, Los Angeles/Sao Paulo, 1991)

    Numerosi critici musicali attribuiscono a Frank Zappa e ai Mothers of Invention la nascita del concept album. Si riferiscono all’album “Freak Out” pubblicato il 27 giugno 1966, che fu anche uno dei primi album doppi della storia ed il primo album d’esordio contenente 2 dischi.
    Il precursore del concept album è anche l’album d’esordio dei Mothers of Invention, band nata 2 anni prima dalle ceneri dei Soul Giants a cui si unì il chitarrista Frank Zappa.
    Da un’idea di Frank nasce il tema centrale di questo concept album: una visione satirica della moderna cultura americana da parte della cultura dei ‘fricchettoni’, gli anticonformisti, gli eccentrici, i tipi ‘strani’, i ‘mostri’.
    Il motivo per cui viene considerato il primo concept album della storia lo spiega proprio Zappa nella sua autobiografia “The Real Frank Zappa Book”:
    “Ogni canzone parlava di qualcosa in particolare. Non avevamo un singolo di punta a cui dover costruire attorno brani di riempimento. Ogni canzone aveva la sua funzione ed un messaggio satirico”.
    Con un totale di 14 brani, i due dischi che compongono l’album “Freak Out” hanno segnato la storia della musica.

    Il primo doppio album di debutto “Freak Out” includeva un intero lato, “Return of the Son of the Monster Magnet”, che era un omaggio a Edgar Varese. (The Washington Post, 7 dicembre 1993)

    I suoi primi album, a partire dal 1966 con “Freak Out” e “Absolutely Free”, furono acquistati più per curiosità che per quello che dicevano; qualcosa con cui terrorizzare i genitori. Frank si è impegnato a indirizzare le persone verso l’auto-riflessione e la consapevolezza del loro ambiente.
    Canzoni come “Plastic People”, “America Drinks and Goes Home”, “I’m Losing Status At The High School” erano alcuni dei suoi numeri più noti di orientamento sociologico. (The Echo, aprile 1970)

    “Ho portato Freak Out! di Frank Zappa in Inghilterra e l’ho suonato ai Beatles. Mi hanno detto, ‘Wow! Da dove viene, amico? È incredibile!’ Non vedevano l’ora di incontrarlo. Quindi ho fatto un sacco di spedizioni avanti e indietro, cercando di coinvolgere le persone”. (Eric Burdon)

    I Beatles erano certamente a conoscenza dell’album Freak-Out dei Mothers quando stavano progettando Sgt. Pepper. (IT, 9-24 aprile 1970)

    “Freaking Out (andare fuori di testa) è un processo in base al quale un individuo abbandona gli standard di pensiero, abbigliamento ed etichetta sociale antiquati e restrittivi per esprimere in modo creativo la sua relazione con l’ambiente circostante e la struttura sociale nel suo insieme” (Frank Zappa)

    “Gli hippy indossavano una specie di uniforme, avevano un uso uniforme della lingua e una mentalità da gregge. I freak erano più individualisti. (Frank Zappa, Humo, dicembre 1993)

    “Odiavo gli hippy. Per me erano un’altra manifestazione del conformismo nordamericano, della tendenza a raggrupparsi in tribù che accettano un vangelo che li fa sentire superiori agli altri. La mia gente erano i “freaks”, i mutanti che avevano uno stile individuale che li separava radicalmente dal resto della comunità. “Freaks” in senso fisico, sessuale o mentale, emarginati per necessità, non per seguire l’ideologia alla moda”.
    (Frank Zappa, El Europeo, maggio 1990)

    “C’è una differenza tra freak e hippy. Agli hippy non importa davvero che aspetto hanno, ai freak importa moltissimo. La loro confezione e la costruzione dell’immagine sono una parte molto importante del loro stile di vita. L’aspetto di un gruppo è collegato alla musica nello stesso modo in cui la copertina di un album è collegata al disco. Dà un indizio di cosa c’è dentro.”. (Frank Zappa)

  • Frank Zappa e lo strano odore del jazz (parte 2): Dupree’s Paradise (Live 1988)

    Frank Zappa e lo strano odore del jazz (parte 2): Dupree’s Paradise (Live 1988)

    Dupree’s Paradise – Live 1988 (dall’album Make A Jazz Noise Here, 1991)

    “Uno dei motivi per cui i Mothers non sono mai stati associati al jazz è questo: gran parte dei recensori non ha mai ascoltato jazz. Non indovinerebbero a meno che non venisse riportato sulla copertina di un album che siamo stati influenzati dal jazz. Se avessi dichiarato in uno dei primi album di essere stato influenzato da Eric Dolphy o Archie Shepp, negli ultimi cinque anni avrebbero scritto di influenze jazz piuttosto che influenze di Stravinsky… Il gruppo è sempre stato incoraggiato nell’improvvisazione di tipo jazz all’interno di una cornice di musica atonale. Il problema è che la maggior parte del pubblico pensa che il jazz vada da Louis Armstrong a Blood Sweat and Tears”. (Frank Zappa, Sounds, 7 novembre 1970)

    La sua musica non è pop, non è beat, “è per i boyscout” pare abbia detto Frank. Non è nemmeno jazz: “il jazz è troppo etico”. La sua musica è un’altra invenzione.
    (Interviu 8-14 marzo 1979 – estratti dall’intervista rilasciata a Parigi, un giorno prima degli spettacoli a Barcellona e Madrid del 13-14 marzo 1979)

    I MOI costituivano la prima band di jazz elettrico. Ciò non significa, tuttavia, che Zappa utilizzi un tempo costante o uno schema ritmico come fa la maggior parte del jazz. È incline, come Miles Davis, a spezzare i passaggi oscillanti dopo un po’, spostare il tempo, utilizzare accelerazioni e rallentamenti e cambiare tutto in termini di schema e ritmo. (Datebook, 8 dicembre 1968)

    Hot Rats era jazz alla portata di tutti e, allo stesso tempo, un rock per le masse che ti faceva sentire sofisticato, una spanna al di sopra degli altri dischi di successo di quell’anno (Led Zeppelin, Allman Brothers, Santana, Stooges e Mott The Hoople). (Classic Rock, luglio 2015)

    Durante il concerto i Mothers suonano diversi lunghi brani in cui tutti hanno la possibilità di suonare. Poiché molti dei musicisti hanno un vasto background jazzistico (Preston, i fratelli Gardner e Underwood) il loro modo di suonare in questo contesto chiarisce le differenze tra improvvisazione jazz e rock.
    Una qualità essenziale dell’assolo jazz è il senso che trasmette di movimento in avanti attraverso il tempo, che è il risultato (credo) del ruolo del solista jazz anche nei contesti più semplici: stabilire e rivelare la sua identità.
    Nel tipico assolo rock questo tipo di movimento in avanti si verifica raramente. C’è, invece, una quantità di spazio da decorare con la curva emotiva, una conclusione scontata. Ecco perché molti ascoltatori di jazz trovano noiosi gli assoli rock, non importa quanto ben suonati. (Down Beat, 30 ottobre 1969)

    Air Sculpture
    Lo stile chitarristico di Zappa era completamente originale nel mondo del rock. A differenza della maggior parte dei chitarristi che usavano modelli in scala o forme collaudate sulla chitarra, Zappa creò quella che fu chiamata “Air Sculpture”. Non aveva bisogno di fare affidamento su dispositivi e trucchi musicali collaudati perché aveva la capacità di suonare qualsiasi nota (tutti i dodici toni / scala cromatica) sulla chitarra, su qualsiasi tasto. Questo stile di improvvisazione era usato anche dai chitarristi jazz (senza dubbio cervelloni dall’udito immacolato, barbe e banjo…). Il trucco sta nel sapere in quale ordine suonare le note.
    Zappa era famoso per suonare assoli di chitarra smisurati e autoindulgenti. Laddove altri chitarristi perdevano la concentrazione e rimanevano bloccati in cliché e riff per mancanza di immaginazione, Zappa guadagnava slancio dopo sei o sette minuti dall’inizio dell’assolo. (Sun Zoom Spark, gennaio 1994)

    “Non chiamatela musica jazz – insiste Zappa – la stampa rock ci ha attribuito l’etichetta jazz ma non è mai stata concepita come jazz né è mai stata eseguita come jazz”.
    Non cercate fan del jazz ai suoi concerti. “Credo che non siamo ben accolti dalla comunità jazz”.
    (City Life, 25 luglio 1984)

    Il pubblico jazz, abituato ad ascoltare prima di saltare alle conclusioni, ha lodato Zappa come il più interessante compositore e arrangiatore rock. (High Times, marzo 1980)

  • Frank Zappa e lo strano odore del jazz (parte 1): The Black Page (New Age Version, Live 1988)

    Frank Zappa e lo strano odore del jazz (parte 1): The Black Page (New Age Version, Live 1988)

    The Black Page (New Age Version) – Live 1988 (dall’album Make A Jazz Noise Here, 1991)

    Zappa e il jazz avevano davvero un odore strano, Frank?
    Il libro di Geoff Wills pubblicato nel 2015 è un’escursione cronologica di come il jazz abbia giocato una parte importante nella musica di Frank Zappa.
    Iniziando prima del freak out! e terminando con la band dell’88, vengono annotati tutti i musicisti con cui ha suonato, che hanno avuto qualche legame con il jazz, insieme a conversazioni selezionate o corrispondenza che l’autore ha avuto con alcuni di loro, le loro credenziali jazz prima e dopo i loro concerti in studio o sul palco e la loro opinione su Zappa.
    L’autore tenta di mettere in relazione molte composizioni di FZ o anche poche battute in una sua canzone con brani jazz oscuri, familiari, diretti, fusion, avantgarde.
    Conclude che Zappa aveva un’ammirazione fondamentale per il jazz nonostante la sua negatività sull’argomento.
    Frank Zappa preferiva far credere che il jazz non gli piacesse. Nel suo album “Roxy & Elsewhere” del 1974 dichiarò notoriamente che “il jazz non è morto… ha solo uno strano odore”.

    Nel 1969, mentre Miles Davis era impegnato ad “abbattere le barriere” nel jazz incorporando il rock nel suo repertorio, Zappa aveva già messo a punto l’idea anni prima con esibizioni dal vivo di lunghe escursioni jazz-rock come “King Kong”. (Music, 2-15 luglio 1987)

    Zappa non si considera un appassionato di jazz. Tuttavia, non nasconde la sua simpatia per un certo gruppo di musicisti jazz come Eric Dolphy, Wes Montgomery, Charles Mingus, George Russell e Albert Ayler.
    Il flirt jazz inizia già dai primi album, in particolare su “Uncle Meat” del 1968, dove Zappa cerca di penetrare il linguaggio del free jazz (riferimenti ad Aylrey e Dolphy). Momenti simili si ritrovano anche in “Weasels Ripped My Flesh” uscito due anni dopo, contenente, tra gli altri, Eric Dolphy Memorial Barbecue – un meraviglioso tributo al grande strumentista. Echi liberi compaiono anche nell’album “200 Motels”, che però non rientra più nel filone “jazz” di Zappa.
    L’anno 1972 porta altri due album che sviluppano idee da Hot Rats: “Waka Jawaka” e “The Grand Wazoo”. Entrambi, specialmente il secondo (che tanto piaceva a Berendt), sono un importante contributo allo sviluppo del jazz-rock e un tentativo di espanderlo con elementi di big-band jazz; su “Grand Wazoo” si respira la grande tradizione dell’orchestra jazz, soprattutto sotto il segno di Gil Evans e George Russell.
    È discutibile se il jazz in quanto tale sia presente nella musica di Zappa. Se è così, è soprattutto grazie ai musicisti di jazz puro che lavorano o hanno collaborato con lui (Roland Kirk, George Duke, Pete Jolly, Shelly Manne, Sugarcane Harris, Jean-Luc Ponty, Don Preston, Buzz Gardner, Gene di Novi ed altri). Generalmente, però, lo stesso Zappa non prova a suonare jazz; privandolo (forse deliberatamente) di un certo tipo di emozione, tratta il jazz piuttosto come uno stimolo artistico, un materiale o un tipo di espressione musicale desiderato in un certo momento. Da un lato si riferisce chiaramente al genere, dall’altro ne prende ostinatamente le distanze. Estende questo “metodo” a tutta l’area della musica completamente diversa. Pertanto, il jazz è importante per lui fintanto che adempie a compiti specifici definiti dal progetto attuale.
    (Jazz Forum, dicembre 1993)

    Il controverso rapporto all’insegna dell’odio-amore tra Frank Zappa e il jazz è cosa ben nota, tanto da essere entrato da tempo nella più ricorrente aneddotica musicale. E’ comunque vero che l’amore abbia più di una volta prevalso sul suo opposto, ricambiato anche da più di un jazzista. Qualche esempio: il sassofonista statunitense Ed Palermo con la sua orchestra, gli inglesi Colin Towns (con la tedesca NDR Big Band), John Etheridge con i suoi Zappatistas, i transalpini LeBocal con Glenn Ferris e Rita Marcotulli e, in Italia, Stefano Bollani, Riccardo Fassi, Glauco Venier, Roberto Gatto con i Quintorigo e la violinista Anais Drago. Moltissimi europei, dunque.
    Forse, non è un caso che il primo jazzista ad essere attratto dall’orbita zappiana sia stato un francese: Jean-Luc Ponty. King Kong è l’album che cementa la collaborazione tra Ponty e Zappa: resta un punto di riferimento negli incontri ravvicinati tra mondo jazz e rock ma non solo, in un’ottica diversa da quella davisiana. Nel caso di Ponty e Zappa si potrebbe azzardare la definizione di westcoastiana e non solo in senso geografico, se non addirittura di bianca.
    (Roberto Valentino, Musica Jazz, dicembre 2020)

    continua nella seconda parte
    https://www.youtube.com/watch?v=N2u5qQOiGSI

  • PROG-LOG 2 – xenocronia Frank Zappa, John Cage, Van der Graaf Generator, Gong, Keith Emerson, Yes

    PROG-LOG 2 – xenocronia Frank Zappa, John Cage, Van der Graaf Generator, Gong, Keith Emerson, Yes

    xenocronia realizzata da Roxa con musiche di Frank Zappa, John Cage, Van der Graaf Generator, Gong, Keith Emerson, Yes

    FAIR USE

    L’opera in copertina è di Krzysztof Dziamski, un artista eccezionale, un membro speciale del gruppo FB What’s Zappa. Un artista ispirato, da tenere d’occhio…

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    Frank Zappa si può considerare il precursore, fondatore, maestro e massimo esponente del progressive rock. Per ‘rock progressivo’ s’intende quel genere musicale che si è sviluppato soprattutto in Inghilterra a partire dalla seconda metà degli anni ’60, in cui alla struttura di base elettrica confluiscono (in sintesi di vario tipo) moduli classici, elettronici, sperimentali, jazz e di ogni altro genere possibile.
    L’elemento forse più caratterizzante del genere è la struttura complessa, la ritmica incalzante e l’uso frequente dei tempi dispari (5/8, 7/8 e simili), gli stessi che si trovano nei primi “Soft Machine” e in tutta la cosiddetta “Scuola di Canterbury”, il cui più importante esponente è probabilmente Robert Wyatt, fino agli Hatfield and the North, Henry Cow e National Health, passando per King Crimson, Gentle Giant, Yes, Van der Graaf Generator, Genesis, Jethro Tull, Emerson Lake & Palmer.

    Zappa è stato anche un teorico del progressive rock, anzi, il teorico: affermò che il suo genere musicale preferito consisteva in una “musica complessa e ritmicamente sostenuta” (la definizione stessa di prog).
    Già nel suo primo doppio album, Freak Out (1966), troviamo momenti rock e sperimentali (come The Return Of The Son Of Monster Magnet), poi sviluppati in Absolutely Free del 1967.
    Uncle Meat (1968) rappresenta il primo manifesto compiuto di rock “progressivo”, un pastiche in cui si alternano brani complessamente strutturati, tra marimbe e xylofoni (marchio di fabbrica zappiano), fiati accelerati a mimare trombe elettroniche, assoli free di sax ubriachi alla Albert Ayler, assoli di chitarra inediti, silly songs con vocine in falsetto (altro marchio di fabbrica). Mimesi, travestimento, materia di ogni provenienza, provocazione sperimentale.
    Anche quando Zappa fa sul serio, riesce sempre a mantenere una squisita vocazione melodica.
    Le canzoni contenute in We’Re Only In It For the Money suggeriscono che Zappa ha inventato non solo il progressive rock, ma anche il progressive beat dove abbondano cambiamenti di tempo e di ritmo inaspettati.
    La singolarità di Zappa nel saper coniugare complessità e gradevolezza melodica viene confermata anche in uno dei suoi capolavori: Black Page. Zappa riesce a scrivere su questo ritmo intricato una gradevolissima melodia.

    Negli anni ’80, l’utilizzo del rivoluzionario sintetizzatore digitale Synclavier da parte di Zappa ha avuto un notevole impatto sullo sviluppo ed evoluzione del prog rock. La capacità di campionamento, controllo MIDI avanzato e sintesi wavetable ha consentito di creare suoni nuovi, che i precedenti sintetizzatori non erano in grado di produrre. Con il Synclavier Zappa ha creato di tutto, da trame bizzarre a suoni orchestrali realistici e ultraterreni. Lo usò anche per la sperimentazione di nuove tecniche compositive di poliritmia e microtonalità.

    Tutte le band prog rock storiche iniziarono ad usare il Synclavier (come King Crimson, Yes, Rush) inaugurando una nuova era del prog rock elettronico.
    La musica di Frank Zappa, ancora oggi, ispira i musicisti rock progressive spingendoli ad usare il Synclavier.
    Con il Synclavier Zappa era non solo il compositore ma il direttore d’orchestra: poteva orchestrare le dinamiche del pezzo, risincronizzare, modificare, aveva il controllo totale sulla composizione. Poteva mescolare percussioni orchestrali con rumori industriali (trapani, martelli, seghe, serbatoi sottovuoto), combinarli e farci cose meravigliose. Poteva utilizzare un nuovo metodo di sintesi musicale chiamato ‘timbri parziali’.
    Civilization Phase III è un’opera per Synclavier che utilizza ogni suono impiegato da Zappa in un continuum denso: la musica è inesorabilmente astratta, la più ambiziosa che abbia mai intrapreso.

    Una delle cose più intriganti del Synclavier riguarda il ritmo, ciò che interessava particolarmente a Zappa: il Synclavier consente di produrre esecuzioni ritmiche impossibili per l’essere umano.
    Zappa fu il primo ad adottare i ritmi irrazionali, a formulare concetti come quello di ‘armonia percussiva’ o di ‘dissonanza ritmica’ (sue personali teorizzazioni), a perseguire soluzioni ritmiche realizzabili solo attraverso il Synclavier.

    “Quando compongo, la mia idea principale spesso parte da varie teorie musicali e mi chiedo cosa succede se faccio questo o quello, quali sono i limiti fisici di ciò che un ascoltatore può comprendere in termini di ritmo. Quanto è grande l’Universo dei Dati che le persone possono assorbire e percepire ancora come una composizione musicale? Questa è la direzione in cui sto andando con il Synclavier”. (Frank Zappa, Sound On Sound, febbraio 1987)

  • PROG-LOG 3 PsychedeliRIUM – xenocronia Frank Zappa, John Cage, Gong, Hendrix, Syd Barret, Pink Floyd

    PROG-LOG 3 PsychedeliRIUM – xenocronia Frank Zappa, John Cage, Gong, Hendrix, Syd Barret, Pink Floyd

    xenocronia realizzata da Roxa con musiche di Frank Zappa, John Cage, Gong, Jimi Hendrix, Syd Barret, Pink Floyd

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    Immagine di copertina: opera di William Wright

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD3PgG5Ppuv8OEPfVKRvyWm7

    “Il modo in cui la musica psichedelica viene utilizzata negli Stati Uniti è puramente fraudolento, un imbroglio. Il termine “psichedelico” è una merce da imballaggio. L’appellativo “psichedelico” rappresenta qualsiasi musica che una casa discografica americana cerchi di rendere commerciale e vendibile per un mercato di giovanissimi adolescenti attratti da una bizzarra forma di rock’n’roll. Qualsiasi musica un po’ strana e che non può essere propriamente classificata sotto l’etichetta rock o R’n’B o folk-rock verrà collocata sotto l’indicazione psichedelica. È semplicemente una frode. . .
    Ora a Londra, sono rimasto molto sorpreso di trovare gruppi che suonano davvero musica psichedelica. Lì ho visto i Pink Floyd e ascoltato i dischi di un gruppo chiamato “Tomorrow”: penso che siano davvero eccellenti. C’è una cosa strana che accade quando gli inglesi si interessano alla musica americana. . . come quando i Rolling Stones iniziarono a suonare rhythm and blues… avevano ascoltato vecchi dischi di rhythm and blues americani e provato a copiare quello stile. Inconsapevolmente hanno così portato a un modo di suonare che è diventato tipico dei Rolling Stones. Troviamo la stessa cosa con la musica psichedelica; i gruppi inglesi credevano che negli Stati Uniti esistesse la musica psichedelica; ci credevano, cercavano di imitare quello che sentivano sui dischi e alla fine sono stati loro, non gli americani, a trovare il vero linguaggio psichedelico. . . Questi due gruppi – Pink Floyd e Tomorrow – sono davvero eccezionali”.
    (Frank Zappa, Rock & Folk, novembre-dicembre 1967)

    “Il rapporto di Frank Zappa con la psichedelia era molto ironico. Ha sempre detestato e combattuto l’uso delle droghe, un comportamento molto anomalo in quegli anni. Era un laico, predicava l’espansione della coscienza in un modo del tutto personale, dal punto di vista culturale, né mistico né psichedelico. Poi, dimostrò un gran carattere nel ridicolizzare da subito le pose delle rockstar. Metteva in scena la parodia di una certa prosopopea dello strumentista e del virtuosismo tecnico, un immediato controcanto alla retorica di quegli anni”.
    (Gino Castaldo, critico musicale, Mangiare Musica giugno 1994)

    Lumpy Gravy è un’opera che possiede i contorni dei paesaggi sonori di John Cage. Il disco fu registrato con un’orchestra di 50 elementi. Visto allora, quel disco sembrava l’antitesi del rock progressivo. Era, in effetti, pura psichedelia. (Rockstar, febbraio 1994)

    DA UN’INTERVISTA del 1967
    “Non approviamo nessuna droga o mezzi artificiali in grado di alterare la coscienza di un singolo individuo”.

    Ma la tua immagine è psichedelica…

    “Psichedelico è una parola molto utile, un’etichetta conveniente. Non è qualcosa che applichiamo a noi stessi, ma un’impressione incoraggiata da un gruppo di avidi affaristi disposti a equiparare la non conformità con un po’ di gergo e LSD. Le due cose non coincidono necessariamente. Nel nostro caso non possono”.

    Perché pensi che l’uso di LSD sia aumentato così rapidamente nella nostra società?

    “Non credo che abbiamo una società. Quello che abbiamo è una colonia di animali. Non credo che ci siano esseri umani in giro. Noi semplicemente immaginiamo di aver raggiunto un livello umano di realizzazione. La bomba, la guerra, il pregiudizio sono, tuttavia, solo prodotti di sub-umani”.

    “Il nostro genere non è psichedelico. Ho chiesto al proprietario di una discoteca cosa fosse la musica psichedelica. Mi ha risposto: ‘È una musica pazzesca, stonata, ad alto volume. Non puoi capirla’.
    La nostra musica è abbastanza logica. I nostri sfoghi spontanei sono pianificati, devono esserlo. Se prendi una band di 8 elementi e non la dirigi, avrai musica ‘psichedelica’.
    Proviamo una media di dodici ore per ogni canzone. C’è la parte anteriore, poi l’interludio A, l’interludio B e così via, e la band deve ricordare alcuni segnali.
    Ogni set che realizziamo è concepito come un brano musicale continuo, come un’opera. Alcuni dei nostri set durano un’ora e mezza, quando ci lasciamo trasportare. Si tratta della durata dell’opera.
    Ciò che stiamo facendo si potrebbe definire una rappresentazione teatrale con musica”. (Frank Zappa)

    Frank Zappa e The Mothers of Invention (in particolare, “Freak Out!”, 1966) hanno influenzato non poco Syd Barrett.
    In un’intervista, Barrett ha citato questo album affermando che aveva “preso parecchio” da questa band così come dai Byrds e dai Fugs.
    Questo è solo un esempio dell’influenza di Zappa come progenitore della musica rock psichedelica.

  • Frank Zappa e i giovani: For the young sophisticate, The Manchester Mystery live

    Frank Zappa e i giovani: For the young sophisticate, The Manchester Mystery live

    “Il grosso del nostro pubblico è composto da teenager. Noi suoniamo in luoghi dove i compositori seri non vanno mai”. (Frank Zappa)

    Tra uno spettacolo e l’altro, Zappa sedeva a gambe incrociate in un angolo buio dello spogliatoio, parlando con una mezza dozzina di giovani di Kansas City. Hanno fatto domande e sono rimasti sorpresi dalle risposte di Zappa.
    Frank disse loro che non faceva uso di droghe da quando fumava marijuana da adolescente ma beveva un litro di caffè al giorno. Disse di avere poco rispetto per Timothy Leary perché Leary predicava l’uso di una droga (LSD) che era stata dannosa per un amico di Zappa. (Milwaukee Journal, 5 dicembre 1971)

    “Negli Stati Uniti, ma anche nelle altre parti del mondo, la maggior parte dei giovani che ascoltano musica pop non hanno mai visto un’orchestra. A malapena sanno cos’è. E se mai ne hanno vista una è stato in televisione, in formato 45×35 cm. Non conoscono le orchestre, non conoscono il jazz né la musica sinfonica. Conoscono solo il rock ‘n roll. Ora visto che combiniamo musica sinfonica, jazz e brani parlati del teatro dell’assurdo, trasportando il tutto su una base rock ‘n roll, possiamo dare a questi giovani un mucchio di informazioni nuove”.
    (Frank Zappa, Popster, aprile 1978)

    Zappa una volta ha detto a un intervistatore che Freak Out è stato realizzato dopo che “ho realizzato registrazioni di ricerche sul comportamento di ragazzi di 17 anni in Ontario, California” e sembra proprio così.
    È un aspro commento sul mondo dei centri commerciali delle autostrade della California meridionale, la società che incoraggia il fiorire del cemento e del neon e sulle vittime della grossolana mega-crescita di Los Angeles: i giovani. (BAM, gennaio 1978)

    “Sono stato invitato a parlare alla London School of Economics. Sono andato lì e ho chiesto: ‘Cosa vuoi che dica?’ Mi trovavo di fronte ad un gruppo di giovani britannici di sinistra che hanno la stessa visione giovanile di sinistra di ogni parte del mondo. È come appartenere a un club automobilistico. L’intera mentalità di sinistra: ‘Vogliamo bruciare il… mondo e ricominciare tutto da capo e tornare alla natura.’ Basano i loro principi sulla dottrina marxista, Mao Tse Tung e tutti i luoghi comuni che hanno letto nelle loro classi. Pensano che questa sia la base per condurre una rivoluzione che libererà l’uomo comune. Ho detto loro che quello che stavano facendo era proprio l’equivalente del flower power di quest’anno”. (Frank Zappa, Down Beat, 30 ottobre 1969)

    Se la critica ha perlopiù rinnegato Zappa, i suoi fan hanno continuato a moltiplicarsi. Diventano sempre più giovani e pare che Zappa sia riuscito a mantenere molti dei suoi fan originali, facendo appello ad ogni nuova generazione di fan del rock. (Berkeley Barb, 27 marzo-2 aprile 1980)

    I Mothers sono riusciti a suonare strane unità di tempo e bizzarri stati d’animo armonici con una facilità così sottile che alcuni credevano che fosse tutto in 4/4 con un “ritmo adolescenziale” sotto. Utilizzando procedure solitamente attribuite alla musica “seria” contemporanea (tecniche di percussione insolite, musica elettronica, applicazione di toni in blocchi, filamenti, strati e vapori), i Mothers sono riusciti ad attirare l’attenzione di molti giovani sulla regia di opere di alcuni contemporanei compositori.
    (Jazz, novembre/dicembre 1974, rivista svizzera)

    “C’è un gruppo di ragazzi che hanno comprato i biglietti per tipo 19 spettacoli. Ci vedono ogni giorno e ne sono affamati – li facciamo entrare nei soundcheck. Lascia che ti faccia un esempio estremo. C’era un ragazzo di 16 anni che è venuto allo spettacolo a Washington, DC. Ha iniziato ad ascoltarci quando aveva 12 anni ed ha cercato di vederci dal vivo quando abbiamo fatto il nostro tour nell’84 ma non ce l’ha fatta. I suoi genitori gli dissero che se mai fossi andato di nuovo in tour avrebbe potuto andare a tutti gli spettacoli che voleva – probabilmente, pensavano che non sarei mai più andato in tour. Quindi eccoci nell’88, ha 16 anni adesso, è un batterista, conosce tutte le canzoni e siede tra il pubblico battendosi su una gamba, suonando gli stessi fill di Chad”. (East Coast Rocker, 30 marzo 1988)

    “Tutti i vostri ragazzi sono delle povere sfortunate vittime di sistemi che vanno al di là del loro controllo, una piaga nella vostra ignoranza e nella grigia disperazione della vostra sgradevole vita. Tutti i vostri bambini sono delle povere sfortunate vittime delle menzogne in cui credete, una piaga della vostra ignoranza che allontana i giovani dalla verità di cui hanno bisogno”.

    “For The Young Sophisticate” (TinselTown Rebellion) di Frank Zappa esplora i temi del conformismo, della superficialità di chi si concentra sulle apparenze attraverso il giovane sofisticato che disprezza la ragazza di cui è innamorato perché non si depila le ascelle.

  • CENSOR SHEEP! – xenocronia Frank Zappa, Edgar Varèse – xenochrony

    CENSOR SHEEP! – xenocronia Frank Zappa, Edgar Varèse – xenochrony

    xenocronia realizzata da Roxa con musiche di Frank Zappa e Edgar Varèse

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    xenocronia + video Frank Zappa Vs. PMRC

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    Gli album Frank Zappa Meets the Mothers of Prevention (1985) e Joe’s Garage (1979) non potevano che essere protagonisti di una xenocronia dedicata alla ‘censorship’.
    L’impegno di Frank Zappa nel difendere il diritto alla libertà di espressione andando contro la censura (in generale e, in particolare, nell’industria musicale) è un viaggio iniziato nel 1979 con la sua opera rock Joe’s Garage.

    “Pensi di proteggere qualcuno togliendo sette parole?” (Frank Zappa)

    PMRC sta per Parents Music Resource Center ed è un’associazione fondata nel 1985 da Tipper Gore, moglie del senatore Al Gore, allo scopo di controllare e censurare le opere musicali.
    Il 19 settembre 1985, Frank Zappa si è battuto contro il PMRC, in un’audizione presso il Senato degli Stati Uniti d’America durata 5 ore. Un discorso memorabile con cui ha ricordato, in apertura, che il Primo Emendamento della Costituzione Americana difende la piena Libertà di Espressione.

    “Il Parents Music Resource Center (PMRC) ha in mente queste etichette: ‘X’ per testi di sesso o sessualmente espliciti, ‘P’ per volgarità, ‘DIN’ per droghe e alcol, ‘V’ per violenza e “O” per occulto. Cosa dovrebbe succedere se un venditore di dischi inavvertitamente vende un disco classificato O al piccolo Johnny? L’FBI dovrebbe inseguirlo con una pinzetta calda?”.
    “Nella mia testimonianza al Congresso ho suggerito: quanto tempo ci vorrà prima che un altro gruppo di Washington Wives trovi necessario mettere una grande “J” gialla su tutti i dischi scritti o eseguiti da ebrei per proteggere i giovani consumatori incauti da messaggi segreti sionisti nascosti nell’album?”.
    “Penso che il PMRC abbia una linea diretta con il presidente perché se non fossero “Washington Wives” come vengono chiamate, di sicuro i media non presterebbero attenzione al loro piccolo programma. Quello che chiedono è una violazione del Primo Emendamento. È una violazione del diritto alla libertà di religione se possono effettivamente inserire un qualche tipo di legislazione che controlli ciò che qualcuno pensa sia occulto. Qualcuno potrebbe dire che lo yoga è occulto, che l’astrologia è occulta. Una volta che il tuo disco viene classificato “O”, il tuo stesso nome viene classificato O”.
    “Non vorrei intromettermi in quello che sta succedendo nelle loro menti, ma suggerirei che qui c’è un’agenda segreta. Innanzitutto non hanno richiesto alcuna etichettatura sui dischi country e western. Non hanno richiesto una nuova etichettatura sui dischi delle commedie. I dischi comici hanno riferimenti sessuali ed un linguaggio volgare ma non vogliono valutarli. Nei dischi nazionali e occidentali hai sesso, droga, alcol, violenza e il diavolo. Non vogliono valutare questi dischi”.
    “Diciamolo senza mezzi termini: la musica country è una delle principali fonti di entrate dello stato del Tennessee. Quindi, una volta che hanno etichettato gli album rock and roll e li hanno infilati sotto il bancone, cosa resta da mettere sopra il bancone nei negozi di dischi? La buona, vecchia musica country. In realtà, questo programma aiuta i musicisti country e occidentali più di quanto aiuti i bambini o i genitori”.
    “L’altra cosa che non è stata realmente affrontata è l’illegalità di questo gruppo di persone che svolgono una funzione di lobby. I lobbisti a Washington devono essere registrati. Sono un’organizzazione di lobby non registrata che si comporta in modo oltraggioso. Non hanno fatto mistero del legame che hanno con il comitato che ascolta la legislazione sull’industria discografica. Dietro a tutto questo c’è estorsione. Ci sono due progetti di legge importanti per l’industria discografica che devono passare attraverso il comitato Thurmond. Se l’industria discografica non si piega e non fa ciò che vogliono queste mogli, i loro conti moriranno in questo comitato”. (Frank Zappa, Metro Times, 11 settembre 1985)

    “Pensare di poter combattere la violenza sessuale e di altro tipo vietando la musica pop è stupido quanto prevenire la forfora mediante la decapitazione”.
    (Frank Zappa, Humo, dicembre 1993)

    “La censura sta trasformando gli Stati Uniti in uno stato di polizia, per quanto riguarda le idee. Si tratta di mettere un coperchio alle idee. Le persone che vogliono censurare non si preoccupano di salvare i tuoi figli. A loro interessa una cosa: essere rieletti. Ammettiamolo, gente: i politici negli Stati Uniti sono la feccia della terra. Dobbiamo inseguirli individualmente perché sono parassiti”.
    (Playboy aprile 1993)

    “Metterò il mio cervello contro chiunque, in qualsiasi giorno della settimana. Non indosso un abito tutto il tempo, ma posso indossarne uno quando devo”.
    (Frank Zappa, The Baltimore Sun Magazine, 12 ottobre 1986)

  • PROG-LOG 1 – xenocronia Frank Zappa, Edgar Varése, Gong, Mike Oldfield, Soft Machine, Aristocrats

    PROG-LOG 1 – xenocronia Frank Zappa, Edgar Varése, Gong, Mike Oldfield, Soft Machine, Aristocrats

    xenocronia realizzata da Roxa con musiche di Frank Zappa, Edgar Varése, Gong, Mike Oldfield, The Soft Machine, The Aristocrats

    FAIR USE

    Prog-Log è traducibile in linguaggio progressive.

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD3PgG5Ppuv8OEPfVKRvyWm7

    “Per me, nessun artista riassume un approccio progressivo alla musica più di Frank. Ha tracciato una strada che resiste ancora alla prova del tempo con il suo catalogo incredibilmente vario. Alcuni dei musicisti più famosi e talentuosi del pianeta hanno suonato nelle molte incarnazioni delle sue band e parla con umiltà dell’esperienza”. (James Moore, Prog, gennaio 2016)

    “Raramente si pensa a Zappa come a un musicista prog; invece, era molto più progressivo e all’avanguardia di tanti altri intelligentoni del rock a lui contemporanei. Frank era quasi un compositore classico che sperimentava con le sonorità e gli strumenti rock e questo lo mette al di sopra di tutto e di tutti”.
    (Guthrie Govan, chitarrista degli Aristocrats, Prog Italia luglio 2017)

    “Una delle cose che rendevano Frank Zappa un genio era che poteva suonare musica sperimentale e farla arrivare al pubblico introducendo doo-wop o musica pop. Userebbe la vera musica popolare per suonare musica davvero impopolare”
    “Quando adotti o adatti uno stile per raccontare una storia” disse una volta Frank Zappa “tutto va bene. Devi avere la giusta impostazione per il testo. La cosa importante a quel punto è raccontare la storia”.
    Jon Anderson sostiene che la musica progressive è iniziata con Zappa. “È stata una combinazione di cose” sostiene il cantante fondatore del gruppo prog-rock Yes.
    Zappa ha sostenuto che, piuttosto che essere progressive, era più importante che la musica fosse personalizzata. La musica, ha detto, “dovrebbe essere rilevante per la persona che la scrive. Ha più a che fare con il compositore che con lo stile dei tempi o la scuola che potrebbe aver generato il compositore”.
    (guitarplayer.com, 26 gennaio 2023)

    Certi amici di Steve Hackett, ex chitarrista dei Genesis, gli hanno riferito che Frank Zappa “cambiava improvvisamente la tonalità della melodia durante la notte e si aspettava che i suoi musicisti fossero in grado di suonarla”. “Penso volesse che i suoi musicisti lavorassero secondo uno standard molto elevato”.
    Secondo Hackett, il suo contemporaneo prog d’oltremare dovrebbe essere considerato un “impresario e intrattenitore a tutto tondo nel senso migliore del termine”: musica, intrattenimento e filosofia di Zappa dovrebbero essere considerati insieme come un’unica opera d’arte olistica.
    (ultimate-guitar.com, 8 settembre 2022)

    Frank Zappa ha elogiato i Gentle Giant. Ecco un estratto da un’intervista del 6 novembre 1975.
    https://www.youtube.com/watch?v=6gvtLa0R7kQ

    Sebbene l’impatto della sua produzione negli anni ’70 e ’80 sia stato in gran parte dato per scontato, Zappa ha avuto una notevole influenza sulla musica rock sperimentale e progressive di quelle decadi. Gruppi come gli art-rocker inglesi Henry Cow, personaggi come il rumorista newyorkese John Zorn e il maestro del funky George Clinton hanno contratto un grosso debito con Frank Zappa. Lui è stato anche un fine scopritore di talenti, aprendo la strada ad artisti come i batteristi Chester Thompson e Terry Bozzio, i chitarristi Steve Vai e Adrian Belew, il pianista George Duke e il famigerato Captain Beefheart.
    (Frank Zappa un tributo by Bill Milkowski, Guitar Club, maggio 1994)

    Nel giugno del 2015 la rivista Rolling Stone ha collocato l’album One Size Fits All di Frank Zappa alla diciottesima posizione dei 50 migliori album progressive di tutti i tempi.

    Nel 1973, il rock progressivo era in fermento quando arrivò l’album “The Grand Wazoo” – tra teatralità e intellettualismo. King Crimson, Yes e Genesis erano i protagonisti. I Pink Floyd sono in affari. Zappa è l’apolide. All’apice della sua carriera, Peter Gabriel, leader dei Genesis, ha rivelato l’umile gerarchia: “Zappa ha toccato ogni campo musicale immaginabile. È un genio” (Zap Magazine, 1985). Ma solo “Dark Side Of The Moon” entusiasmerà le masse – i piccoli trucchi di “Money” e il suo rigido riff in 7/8. Il grande pubblico non è disposto all’eccesso orchestrale e all’atonalità maliziosa. Frank Zappa non ha alcun desiderio di rivolgersi a un pubblico marginale. (grazie Laurent Cadiou)

  • Frank Zappa – The Dangerous Kitchen: il compositore è un cuoco

    Frank Zappa – The Dangerous Kitchen: il compositore è un cuoco

    The Dangerous Kitchen (The Man From Utopia, 1983)

    Nella prima foto Frank Zappa taglia una torta lunga 20 piedi a forma di serpente fuori da un cinema di Times Square dove il suo film “Baby Snakes” era stato presentato in anteprima a New York City, nel dicembre 1979.

    Zappa aveva intuito le enormi potenzialità creative di due tecniche compositive tra le più derelitte: la semplice modularità e la semplice stratificazione.
    Era consapevole che qualsiasi continuum musicale polifonico, in qualsiasi linguaggio e grado di speculazione teorica, è dato da due dimensioni elementari: linearità e simultaneità degli eventi sonori.
    Per costruire un oggetto musicale di questo genere, bastano pochissime formule giustapposte in una sequenza orizzontale e, allo stesso tempo, sovrapposte in un agglomerato verticale. Con un sistema così elementare e compatto si può fare di tutto.
    Più che orientarsi verso un determinato laboratorio esoterico di eccelse sperimentazioni, il modo in cui Zappa mise progressivamente a punto la sua idea aveva molto a che fare con la cucina.
    Lui stesso, quando gli è stata chiesta una definizione del suo metodo compositivo, mostrava di prediligere il côté gastronomico. Paragonava la composizione ad una ricetta, il compositore ad un cuoco:

    “Se sei un cuoco veramente bravo e hai molto denaro per procurarti ingredienti eccellenti e ottime attrezzature, puoi cuocere qualsiasi cosa. Se, invece, non hai tutti gli utensili e tutti i migliori ingredienti, e magari non possiedi neppure un libro di cucina ma vuoi comunque mangiare e nessuno cucina per te, è meglio che trovi qualche altro modo di improvvisare quel piatto. Questo è un modo in cui la roba si mette assieme”.

    Anziché usare termini come lessico, grammatica e sintassi, potremmo definire la sua concezione modulare come una specie di menù per tutte le tasche dove convivono cibi precotti e pietanze à la carte.
    Per avvicinarsi al modo in cui il compositore e leader metteva in opera il suo meccanismo, si può provare ad immaginare un repertorio fatto di precotti immediatamente disponibili (ostinati ritmici, sezioni di temi classici, sezioni di temi popular, gli stessi temi zappiani) e piatti su ordinazione (a quest’ultima specie appartengono le improvvisazioni deliranti di Estrada, quelle corali dei Mothers, quelle strumentali e solistiche servite, a richiesta del Maestro, in questo o quello stile). Insomma, Zappa faceva sia ma maitre che da chef: serviva i piatti in tempo reale avvalendosi dei suoi materni camerieri ma anche creazioni estemporanee distribuendovi all’istante aromi e sapori”.

    (Tratto da libro “Frank Zappa Domani” di Gianfranco Salvatore)

  • Frank Zappa e l’ecologia – Planet of my dreams

    Frank Zappa e l’ecologia – Planet of my dreams

    Frank Zappa, Planet of my dreams (dall’album Them or Us, 1984)
    L’ecologia è un tema che stava molto a cuore a Frank Zappa.
    Ho già pubblicato Outrage at Valdez, la colonna sonora per il documentario della Cousteau Society sulla fuoriuscita di petrolio della nave cisterna Exxon Valdez in Alaska – 1990.

    https://www.youtube.com/watch?v=I8_wz-UmMec

    Un altro brano significativo in tema di salvaguardia dell’ambiente è Planet of my dreams il cui testo è inequivocabile:

    “La Terra, la mia Terra ha le giunture gonfie. E’ piena di intrighi e sotto i raggi del Sole, quando splende, la gloria delle nostre scienze e le nostre alleanze militanti rivelano la loro quintessenza lungo i mucchi di elettrodomestici rotti. La Terra, la mia Terra… sento le sue grida soffocate… anche se spesso sembra dai raggi della televisione che laggiù l’ignoranza sia endemica e che i lacchè del governo se ne freghino…”.

    Originariamente, “Planet of My Dreams” faceva parte di un musical mai realizzato (Hunchentoot, la cui sceneggiatura è stata pubblicata nel libro “Them or Us”). Parti di questo spettacolo teatrale sono state inserite nell’album Sleep Dirt.
    Planet of my dreams affronta temi ambientali, tecnologici e socio-politici. La Terra ‘rigonfia’ suggerisce ecosistemi compromessi, il rischio di esaurimento delle risorse del nostro pianeta. Gli interessi in gioco li conosciamo tutti: politici, economici, scientifici, militari. Il danno ambientale provocato dall’uomo è la conseguenza di una mancanza di responsabilità in ambito politico e governativo, ignoranza diffusa, indifferenza, corruzione ai vertici del potere.
    Il cantante Bob Harris ripete ‘Non posso farlo”: si rifiuta di venire meno ai suoi principi nonostante tutto, di agire come gli altri rinunciando ai suoi valori. E’ l’idea stessa di Frank Zappa, della sua preoccupazione per la salvaguardia ambientale.

    Nel 1990, Frank Zappa aveva proposto la Magnetoidrodinamica in Cecoslovacchia.
    Ecco un estratto da un articolo del 19 marzo 1990 pubblicato su The Nation.

    Frank Zappa sta collaborando con il governo cecoslovacco come emissario per la cultura.
    Zappa, che è stato coinvolto in joint venture USA-sovietiche, si è recato a Mosca a gennaio per il Financial News Network per aiutare a mettere insieme un programma televisivo in cui imprenditori sovietici e americani avrebbero discusso di potenziali opportunità di business.
    Mentre era in Unione Sovietica, decise di andare a Praga per girare alcuni brevi servizi giornalistici per la FNN. Subito dopo il ritorno dalla Cecoslovacchia, Zappa ha parlato con l’editore di Washington David Corn.

    “Václav Havel e i suoi consiglieri vogliono l’industria, ma non vogliono importare imprese che aggraveranno i problemi ecologici lasciati dai comunisti. Poiché la Cecoslovacchia brucia ancora molto carbone, ho suggerito al governo di esplorare la magnetoidrodinamica (MHD). Questo è un processo in cui il carbone di bassa qualità viene bruciato ma le emissioni vengono pulite, messe in un circuito e utilizzate per aumentare la produzione di elettricità come un turbocompressore. Come faccio a saperlo? Nel 1986 mi sono seduto su una rete di aerei per un lobbista di TRW che ha sviluppato MHD. Il mio socio Jim Nagle sta ora raccogliendo informazioni su MHD da inoltrare a Praga. Quasi tutte le compagnie telefoniche dell’impianto sono state a Praga offrendo di riparare il sistema telefonico inefficiente del paese. Come c’era da aspettarsi, il prezzo è enorme. L’anno scorso, ad esempio, AT&T ha annunciato un accordo con il governo italiano per ricablare i telefoni lì al costo di $ 30 miliardi. Nessuna di queste società aveva suggerito al governo cecoslovacco, come ho fatto io, di passare al cellulare. Salti il ricablaggio e distribuisci telefoni cellulari a tutti. Ciò renderà superflua la tesatura di cavi attraverso edifici antichi con nove secoli di storia”. (Frank Zappa, The Nation, 19 marzo 1990)