“The Return of the Son of Monster Magnet “, incluso nell’album di debutto dei MOI “Freak Out!” (1966), è un collage sonoro sperimentale d’avanguardia di 12 minuti sottotitolato “Unfinished Ballet in Two Tableaux”.
Fu concepitocome una composizione molto più complessa, ma venne pubblicato come una semplice traccia ritmica di percussioni.
La MGM aveva sborsato 500 dollari solo per il batterista ingaggiato, ma decise di fermarsi quando interruppe le sessioni di registrazione di “The Return of the Son of Monster Magnet”. Zappa, a quanto pare, non tornò mai più sul brano per ampliarlo o realizzare la sua visione originale per questa bizzarra opera. Lo lasciò nel suo stato grezzo e sperimentale.
Il brano è essenzialmente un viaggio caotico di musica concreta, concepito per rappresentare un personaggio che impazzisce. È caratterizzato dall’assenza di melodie tradizionali a tutto vantaggio di una sezione ritmica pesante, canti urlanti, grugniti e voci manipolate tramite nastro magnetico.
In Weasels Ripped My Flesh , l’intero ensemble dei Mothers of Invention è di nuovo presente, con l’aggiunta del violinista Don Sugar Cane Harris. Questa perfetta unificazione di elementi disparati in un’altra dimensione zappiana trova qui il suo esempio più straordinario.
È un incontro unico tra i mondi di Varèse o Ligeti e quelli di Dolphy e Coltrane nel regno della musica seriale: attrito e tintinnio, nastri riprodotti al contrario si fondono con l’estetica dell’urlo del sassofono o degli ululati del wah-wah.
Per Zappa, c’è un costante movimento di ritiro e apertura: una dualità continuamente presente in ogni fase della creazione, che spiega la singolarità dell’uomo, della sua opera e i fraintendimenti che essa genera. È al contempo impegnato e riservato, un artista bohémien e un astuto uomo d’affari, laborioso ma non serio…
Sogni segreti, melodie, un desiderio di immensità per soddisfare colui che divide sempre più la sua attività musicale in due parti, trovando equilibrio tra questi due percorsi: il lavoro di compositore e arrangiatore – che gli permette di tradurre le idee più audaci, una messa in scena di suoni – e il desiderio di ampliare il campo della sperimentazione e quindi rinnovare le possibilità di combinazioni sonore.
Ciò non elimina, tuttavia, il bisogno di Zappa di suonare la chitarra, questo contatto diretto con l’oggetto musicale elettrificato che può far parlare con l’aiuto del pedale wah-wah, utilizzato al massimo delle sue potenzialità: variazioni di intensità sonora, espansione di toni, profondità di echi.
Le Madri dell’Invenzione non sono forse un’impressionante galleria di ritratti, testimonianza di un desiderio di distinguersi, di spaventare e di ‘caricaturare’ di fronte al sistema delle star papali? Musicalmente: definire, possedere, diventare l’espressione distorta della musica dell’American Way of Life e della sua progenie – un teatro dell’assurdo, una realtà fittizia che ricreeranno sul palco – una serie di collage che Zappa ha sintetizzato e che definisce ciò che la sua musica diventa. Questa musica non è un apostolato politico, ma un tentativo sonoro di descrivere, di distruggere un universo mentale plasmato e pervertito da ciò che rappresentano gli strumenti della cultura, i media: radio, televisione, stampa. Un universo che è concentrato, compresso per essere reso più distruttivo, ma che, attraverso la sua elaborazione consapevole e meticolosa, tende verso una nuova dimensione poetica. Senza saperlo, Zappa entrerà nel Dadaismo e nel mondo di Artaud. Per convincersi di ciò, basta leggere i testi dei primi album, alcuni dei quali censurati (come quello di Absolutely Free ), o assistere ai primi concerti: l’inserimento della teatralità, della vita sul palco, provoca una serie di psicodrammi giocando su una successione di esplosioni, contrasti e rotture, in modo da non permettere mai all’ascoltatore di cullarsi nella sonnolenza delle armonie o nel fascino dei suoni. Le sonorità saranno necessariamente sporche, sgranate, frastagliate e lacerate. Così, i sistematici cambiamenti di ritmo vengono elevati al livello di arte: “Ci abbiamo messo un anno”, disse Zappa, “per imparare a suonare ‘Son of Suzy Creamcheese’. Sapete perché? Il metro, il ritmo, è fantastico. Ci sono dieci battute in 4/4, una battuta in 8/8, una battuta in 9/8, capito?” E poi inizia, 8/8, 9/8, 8/8, 9/8, 8/8, 9/8, poi diventa 8/8, 4/8, 5/8, 6/8 e si ritorna di nuovo al 4/4. Ma questo teatro musicale è intriso di reminiscenze del passato, degli “acapella” – ovvero musicisti poveri che cantano per strada – degli accenti del rock e delle esplorazioni acustiche, dei paesaggi sonori che introducono il mondo di Stravinsky ma anche di Varèse: ” In Memoriam Varèse “.
Negli ultimi mesi della sua vita, l’uomo che aveva trascorso decenni a infrangere le regole musicali, a deridere il potere e a smascherare l’ipocrisia dell’industria stava lentamente scomparendo dalla scena mondiale. Frank Zappa, una delle menti più audaci della musica moderna, non combatteva più contro la censura, i politici o le case discografiche. Combatteva contro il proprio corpo.
Il fumetto è concepito come una sorta di favola, la cui storia è raccontata da una scultura di Frank Zappa che Østvold incontra per caso in un parco durante una visita alla capitale lituana Vilnius. Østvold inizia una conversazione con il busto in bronzo…
“Frank era un pensatore indipendente, un’esplosione di libertà. Creava costantemente. Frank non si limitava ad ascoltare le tue parole. Si concentrava sull’intento dietro le parole. Quindi dovevi stare molto attento, perché riusciva a sentire l’odore della merda a un miglio di distanza. Se qualcosa che dicevi sapeva di ego o ignoranza, te la lasciava davvero intendere.”
