Questo documentario è stato realizzato oltre 10 anni fa per il London Financial Times dall’allora corrispondente di Arts Peter Aspden.
Rappresenta tuttora un bel pezzo di giornalismo, soprattutto per il legame tra Greggary Peccary e Papa Gregorio XIII (calendario del 1582).
Peter Aspden si chiede perché Zappa venga accolto dalla comunità classica 20 anni dopo la sua morte.
Nel 1963, Zappa aveva iniziato a pubblicare in proprio le sue composizioni: la sua casa editrice si chiamava Aleatory Music.
(dal libro Frank Zappa Domani di Gianfranco Salvatore)
Cos’è la musica aleatoria?
La musica aleatoria (o casuale) è la musica caratterizzata da qualche elemento della composizione lasciato al caso. Il termine è spesso associato a procedure in cui l’elemento casuale implica un numero relativamente limitato di possibilità.
L’idea di base della musica aleatoria riguarda procedimenti compositivi concentrati sull’indeterminazione. La scrittura musicale può essere affidata al caso secondo criteri diversi (imperfezioni della carta, lancio di monete ecc.) oppure ad esecuzioni di volta in volta diverse chiamando gli interpreti a partecipare alle scelte compositive. Compositori impegnati in questo tipo di musica furono M. Feldman, E. Brown, J. Cage, P. Boulez, K. Stockhausen, S. Bussotti, M. Kagel. Il caso può essere un’illusione come il calcolo. Dipende dai risultati che si vogliono ottenere forse. Sperimentazione.
Un errore comune sulla composizione aleatoria è che sia casuale, che possa succedere di tutto, in totale anarchia. In realtà, siamo di fronte ad un’illusione. Spesso, il compositore di musica aleatoria deve creare (come qualsiasi altro compositore tradizionale che detta ogni aspetto di un’opera) perché deve pensare e lavorare su variazioni per ognuno dei possibili esiti derivanti dal caso.
John Cage sosteneva di utilizzare operazioni casuali per rimuovere il suo ego, i suoi gusti personali dalla musica risultante. Probabilmente, si stava illudendo perché tutto ciò che riguardava le sue partiture, compreso l’uso di espedienti aleatori, derivava dai suoi gusti personali e dal suo ego.
Oltretutto, Cage ha notato che erano pochissimi i compositori impegnati in un lavoro veramente sperimentale durante cui non si sapeva cosa sarebbe successo quando si avviavano i processi.
In gran parte dei casi, resta più l’intenzione che l’effettiva sperimentazione. E’ difficile vedersela con il caso senza contaminarlo con il proprio ego.
Cage ha precisato che, per lui, Varèse non era sperimentale perché sentiva che c’era troppo ego. Sempre secondo Cage, seppure Zappa esplorasse diversi approcci alla composizione, neanche lui si poteva definire un compositore sperimentale.
In un articolo pubblicato su All About Jazz, Mario Calvitti ha sottolineato che la prima esecuzione pubblica di composizioni orchestrali di Zappa (1963) al Mount St. Mary College di Los Angeles comprendeva alcuni lavori di musica aleatoria con parti improvvisate, e un pezzo per orchestra e musica elettronica registrata su nastro che fa da accompagnamento ad una proiezione di filmati sperimentali in 8mm realizzati dallo stesso autore.
Random = a caso. Un esempio significativo della sperimentazione random di Zappa è Randomonium.
Zappa ha espresso la sua delusione per il fatto che gran parte delle sue opere non venisse eseguita.
“Ricevo molte richieste per le solite composizioni come ‘Dupree’s Paradise’ ma nessuno è disposto ad affrontare pezzi difficili del mio repertorio. Tranne in Europa, nessuno ha eseguito le mie grandi opere orchestrali. Mi piacerebbe l’idea che pezzi come ‘Sinister Footware’ (presentato una sola volta dalla Berkeley Symphony Orchestra) venissero eseguiti più spesso”.
(Down Beat, marzo 1994)
Uno dei progetti preferiti di Zappa risale a due o tre anni fa: una stravagante colonna sonora orchestrale che si estende su due pesanti tomi manoscritti intitolati “Mo ‘n’ Herb’s Vacation” e “Wøööøl”, “Bob in Dacron and Sad Jane”. Secondo Zappa, richiede circa 110 musicisti, ingenti somme di denaro e un mese di prove, sei ore al giorno, cinque giorni alla settimana. Zappa non l’ha mai sentito. È uno dei pezzi scaturiti dal cervello e apparsi sulla carta. Sono state suonate brevi sezioni della traccia di percussioni, ma ammette che uno dei motivi principali per cui vorrebbe portarlo sul palco è soltanto per ascoltare come suona.
La partitura è immensamente complessa. Sfogliando le pagine, ha tirato fuori una linea di batteria che richiedeva al rompicapo giroscopico di suonare 13 note nel tempo di due. Il resto dei tempi in chiave è altrettanto in tilt.
Zappa dice che la sua scrittura è abbastanza ordinata, ma non ha la pazienza di usare modelli e dettagli precisi come i copisti. Le sue abilità sono state apprese studiando a casa, qualcosa che voleva davvero fare.
(Musicians Only, 26 gennaio 1980)
Frank Zappa ha annotato la partitura di 200 Motel. “Il tour ti fa impazzire” ha detto Frank Zappa riguardo all’ispirazione per il film del 1971 200 Motels. Un budget di $ 600.000, sette giorni di riprese e un periodo di post-produzione di undici giorni hanno contribuito a catturare il tipo di caos che Zappa e le Mothers of Invention volevano rappresentare.
Gran parte della colonna sonora di questo film è stata registrata dal vivo: come il film, l’LP della colonna sonora del doppio album è stato completato in circa una settimana.
Questo lotto è costituito da una grande partitura orchestrale rilegata a pettine con copertina morbida di circa 66 pagine (377 battute), pesantemente annotata. Questa è la suite per la sequenza “I Have Seen the Pleated Gazelle” nel film, una suite di cinque brani orchestrali/coro che è considerata uno dei momenti salienti della carriera di Zappa. E’ stata venduta all’asta il 10 agosto 2013.
Zappa sarà relatore principale alla 19a conferenza annuale del festival dell’American Society of University Composers, che si terrà questa settimana presso la Ohio State University School of Music. Ha ammesso di trovare ‘assurda’ l’idea di parlare davanti a compositori universitari. Ciononostante, lo farà.
“Non si dovrebbe insegnare ai compositori. L’idea di comporre è un po’ come le canzoni d’amore diffuse alla radio: crea un mucchio di sogni che non possono essere realizzati.
È lo stesso con la musica. Il pubblico non vuole che la gente scriva musica classica. Devi sempre chiedere l’elemosina per farla eseguire. La questione è che tutta la vera musica è già stata scritta. Ricordi quando hanno quasi chiuso l’ufficio brevetti perché pensavano che tutto fosse già stato inventato? Ebbene, l’ufficio brevetti sulla musica negli Stati Uniti è chiuso. Scrivere musica è una perdita di tempo… Gropius una volta disse: “Nessuno dovrebbe temere la monotonia”. Oggi in America stiamo rapidamente raggiungendo l’ideale di Gropius”.
(Frank Zappa, Capitol, 1 aprile 1984)
Insieme alla sua massiccia produzione di rock & roll, Zappa ha continuamente scritto brani sinfonici contemporanei, che solo ora iniziano ad essere eseguiti dalle orchestre.
Pierre Boulez ha incaricato Frank di comporre musica per il suo ensemble, che dovrebbe essere eseguito a Parigi all’inizio del 1984. A gennaio, la London Symphony Orchestra ha eseguito un programma della musica di Zappa, diretto dal 31enne Kent Nagano, direttore d’orchestra delle sinfonie di Berkeley e Oakland, California. Zappa ha anche prodotto e progettato un album in studio della LSO eseguendo le sue composizioni, che sarà presto pubblicato su Barking Pumpkin.
Kent Nagano, uno dei massimi paladini della nuova musica, dichiara: “Come compositore, lo classifico al pari degli altri grandi maestri del secolo. È stato uno dei progetti più emozionanti su cui abbia mai lavorato”.
A febbraio, Zappa ha condiviso il testimone con il maestro Jean-Louis LeRoux per una celebrazione del 100° anniversario della musica di Varèse e Anton Webern, eseguita dai San Francisco Contemporary Music Players al War Memorial Opera House della città. Sebbene il concerto sia stato un vero successo, Zappa ha ammesso in seguito: “Era la prima volta che dirigevo composizioni di qualcun altro, abbiamo fatto solo due prove. Non sapevo nemmeno se sarei stato abbastanza bravo da fare Integrales perché è molto più difficile di Ionisation”.
Produrre e progettare un’orchestra sinfonica deve essere drasticamente diverso dagli album che hai prodotto con musicisti rock, strumenti elettrici e sovraincisioni.
“Ci siamo esibiti nella nuova sala permanente della London Symphony Orchestra, il Barbican – un enorme, gigantesco complesso culturale multimilionario, in stile inglese. Una vera sala di merda. L’acustica non è eccezionale e varia drasticamente da un sedile all’altro. Il palco è troppo piccolo per una produzione importante. Era così stretto per il nostro setup che abbiamo dovuto lasciare due viole fuori dall’orchestra perché non c’era posto. Le due sale di Londra dove le orchestre di solito registrano, con una buona acustica, erano entrambe prenotate, quindi abbiamo finito per registrare in un luogo chiamato Twickenham Studios Stage One, che è il palcoscenico di un film. Un’acustica davvero scadente, che all’inizio pensavo sarebbe stato un disastro. Ma dopo aver recuperato il nastro e aver scoperto cosa posso fare con diversi tipi di riverbero aggiunti a sezioni diverse, è risultato migliore rispetto ad una sala dal vivo. Quindi l’abbiamo microfonato con i PZM, il 90% dell’orchestra, inoltre avevamo un [n Edcor] Calrec [microfono] sopra la testa del direttore. I microfoni erano 62. Ho usato 24 tracce digitali per fare il montaggio nel mio studio, un sogno: il Sony PCM 3324”.
Registreresti mai la tua band in digitale?
“Sì, se mai potessi permettermi una di quelle macchine, che costano 150.000 dollari”.
Il problema è che il nastro digitale suona alla grande, ma quando lo trasferisci su un supporto analogico ottieni un suono completamente diverso.
“Ottieni cose diverse perché la gamma dinamica del nastro digitale è di 90 dB e la gamma dinamica di un disco è di circa 45-50 dB. Quindi, non puoi lasciare che tutti i picchi vadano dove andrebbero normalmente: devi comprimere. Ma se hai intenzione di pianificare per il futuro, penso che alla fine i dischi verranno pubblicati su compact disc, piccoli dischi laser da 90 dB. C’è un modo per farlo. Compenserò per averlo su un pezzo di vinile e in digitale”.
Questa è stata la prima volta che hai ascoltato la maggior parte dei tuoi pezzi eseguiti. Qualche sorpresa?
“Poche sorprese. Le sorprese sono arrivate in termini di cose che pensavo fossero facili da interpretare, in realtà è stata una tortura per i musicisti. Non voglio essere critico nei confronti della LSO, perché hanno davvero dato il massimo e hanno lottato valorosamente con i problemi che ci sono stati. Ma c’era una certa irregolarità da una sezione all’altra, in termini di qualità e stile dei musicisti della sezione. Gli archi erano generalmente abbastanza buoni, specialmente per quanto riguarda l’insieme. Buon violinista, fiati grandiosi tranne il primo flauto, hanno avuto enormi problemi con Mo ‘n’ Herb’s Vacation. Ma a parte questo, è stato meraviglioso. Negli ottoni, un piccolo problema con le trombe. Bene con tromboni e corni francesi, percussioni (tranne un ragazzo), pianoforte fantastico, arpa grandiosa. Quando Kent è andato a togliere tutto, alcune cose sono state eseguite più lentamente di quanto mi sarebbe piaciuto solo per convincere le persone a recitare le parti. C’era questa corsa in Mo ‘n’ Herb’s Vacation che stava facendo impazzire il suonatore di flauto”.
Quanto sono diversi i processi creativi per scrivere un pezzo orchestrale rispetto a una melodia per la band?
“Sei di uno, mezza dozzina dell’altro. Alcuni sono così semplici, basta canticchiarli a tutti. Certo, per un pezzo orchestrato non hai il tempo di canticchiarlo a cento ragazzi e non lo ricorderanno comunque. Sono tutti composti in modi diversi. Faccio schizzi di alcune cose mentre aspetto in un aeroporto e torno da un tour, ho una valigetta piena di schizzi. Il testo di “Dumb All Over” è stato scritto su un volo Lufthansa di ritorno dall’Europa. La marcia alla fine di “Sad Jane” è un’ambientazione orchestrale di una trascrizione di un assolo di chitarra dallo Shrine Auditorium nel 1968, trascritto da Ian Underwood”.
Quindi un’intera orchestra sta suonando il tuo assolo di chitarra improvvisato.
“Sì, ma armonizzato e orchestrato. Non sapresti mai che è uscito da una chitarra. Il motivo per cui l’ho scelto è che suonava così composto. Il terzo movimento di “Sinister Footwear” è una trascrizione esatta di un assolo (trascritta da Steve Vai). È diabolicamente difficile, probabilmente la cosa più difficile su carta che ho”.
Una cosa che manca nella maggior parte degli artisti rock è pensare in modo astratto.
“Il mio segreto è che so quello che sto facendo. Ero in grado di proiettare le cose in modo astratto già da adolescente”.
Questo ha causato qualche stranezza nei primi gruppi rock in cui hai suonato?
“Beh, è un po’ difficile convincere la gente che una marimba può avere un posto in una band rhythm and blues. Nella mia band al liceo, ero il suonatore di marimba. Ho sempre pensato che quel tipo di suono sarebbe stato buono per le chitarre boogie e così via. Un approccio non tradizionale”.
Sei uno dei pochi artisti che assorbe praticamente tutti i costi di produzione per tutti i tuoi progetti, invece di essere sovvenzionato da un’etichetta o da qualcuno.
“Lo faccio per una giusta causa, per l’intrattenimento speciale. Nessun altro investirà in questo, sono tutti troppo stupidi e spaventati. Ora, se ho soldi da investire in qualcosa, pensi che mi divertirei ad investire in un dannato condominio da qualche parte, come fanno gli altri? Non voglio possedere un condominio né essere un partner in un centro commerciale. Se guadagno dei soldi, mi giro e li reinvesto nel lavoro che faccio. Non ho condomini né azioni: ho progetti incompiuti dappertutto, ecco quello che ho. Ho anche una moglie con un grande senso dell’umorismo”.
(Mix, giugno 1983)
“Sto ancora cercando di portare a termine la musica dell’orchestra. Ho un’esclusione nel mio contratto quando si tratta di musica per orchestra. È facoltativo; hanno il diritto di rifiutarlo”.
(Record Review, febbraio 1980)
“L’ho fatto perché volevo ascoltare la mia musica” ha detto Frank Zappa “Nessuno è venuto da me chiedendomi di fare un concerto”.
Il concerto in questione, che si terrà il 17 e 18 settembre alla Royce Hall dell’UCLA, svelerà una bizzarra creazione di Zappa chiamata Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra. È composta da 37 elementi: include fiati, ottoni, percussioni, un’arpa a grandezza naturale e, occasionalmente, lo stesso Zappa alla chitarra.
Questo progetto speciale di Frank è la conseguenza del desiderio di ascoltare alcune delle sue musiche più ambiziose e creative.
Sta pagando il conto e le entrate dei biglietti nell’accogliente Royce Hall non saranno affatto sufficienti per recuperare le spese.
“Il costo totale è compreso tra $ 50.000 e $ 70.000. Servono $ 10.000 solo per pagare il copista per aver composto le partiture. Ogni volta che abbiamo una prova completa dell’orchestra, il costo è di circa $ 5.000. È una vera follia”.
Questo concerto presenterà alcune delle sue musiche più sorprendenti. “Faremo arrangiamenti sinfonici di The Dog Breath Variations, Duke of Prunes, Bogus Pomp, Yellow Snow, Brown Clouds e un nuovo pezzo chiamato Pedro’s Dowry”.
L’unico altro compositore americano che ha realizzato una cosa del genere è stato Charles Ives, il quale ha fatto fortuna con le assicurazioni, cosa che a me non è successa” conclude ridendo.
(Los Angeles Free Press, 12 settembre 1975)
Zappa ha riferito che il concerto dell’UCLA e le costose apparecchiature audio sono stati finanziati dai guadagni di “Don’t Eat the Yellow Snow”.
(Advance News, 19 ottobre 1975)
Nel 1983, quando il Barbican ha reso omaggio per l’ultima volta alla sua musica orchestrale, Frank Zappa la dichiarò un disastro.
Odiava l’acustica del locale, chiedeva che l’orchestra fosse rigorosamente divisa per assistere il processo di missaggio, criticò il direttore Kent Nagano, accusò i membri della London Symphony Orchestra di essere ubriachi e affermò di aver commesso centinaia di errori.
Ragazzi, stiamo parlando di una performance che ha ricevuto una standing ovation di 20 minuti, il che suggerisce che il noto perfezionista Zappa potrebbe essere stato il suo peggior critico.
Allo spettacolo serale della Barbican Hall, in genere, partecipavano 90 membri della BBC Symphony Orchestra: questo ensemble delle dimensioni di Mahler richiedeva un palco più grande che comprendesse le prime sei file di sedili dell’auditorium, e le sue dimensioni gli consentivano di oscillare dal pianissimo all’assordante al fortissimo ricco di percussioni.
In un concerto pomeridiano al più piccolo Milton Court, giovani studenti della Guildhall dell’Ubu Ensemble hanno lavorato su estratti dell’ultima opera orchestrale di Zappa, The Yellow Shark, del 1993.
Accanto ad alcune intriganti oscurità dei suoi idoli Stravinsky, Webern e Varèse, le composizioni argute, impressionistiche e macchiate di jazz di Zappa sono entrate nella storia della musica.
(Fonte: The Guardian)