Frank Zappa's mustache - Music is the Best

Categoria: Zappa’s Style

  • L’universo zappiano è una mentalità

    E’ impossibile descrivere l’Arte di Zappa. O apprendi d’istinto la sua musica o non l’apprendi affatto.

    E’ una specie di linguaggio segreto che alcuni riescono a decriptare mentre, per altri, resta ignoto e incomprensibile.

    L’universo zappiano è una mentalità, è osservare il mondo con occhi e orecchie diversi. E’ sapere che per ogni tour e per ogni serata tutto cambia a dispetto di chi pretende ai concerti la riproduzione esatta dell’assolo registrato in sala.

    Ogni concerto è speciale, irripetibile, irriproducibile, la musica si muove, evolve di continuo.

    Zappa non ha mai suonato due volte lo stesso assolo: lo stesso hanno fatto i suoi musicisti.

    Esisteva una continuità concettuale di Zappa? Una logica zappiana?

    Probabilmente, con Civilization Phase III, ha cercato la sua continuità musicale.

    (estratto da un articolo scritto da Giancarlo Trombetti l’8 febbraio 2021)

    La musica di Zappa ha un linguaggio unico, sfugge a qualsiasi riferimento. Quando sembra che stai ascoltando qualcosa, l’attimo dopo resti travolto dall’inatteso che spezza l’immagine che stavi creando.

    Frank non può essere capito e vissuto da chi apprezza metriche orecchiabili, esecuzioni lineari, utilizzo convenzionale degli strumenti. C’è da aspettarsi di tutto.

  • Le mitologiche audizioni di Zappa

    Zappa ha cambiato i suoi interpreti usandoli come strumenti di un’orchestra legata a triplo filo ai suoi umori: li ha resi immortali. Ha avuto i più grandi strumentisti al mondo, prima che al mondo fosse noto il loro talento. I racconti sulle audizioni di Zappa hanno del mitologico…

    In cosa consistono le audizioni?

    Consistono in una combinazione. Di solito, le più difficili sono le audizioni di batteria. L’ultima volta, avevamo quaranta concorrenti per il provino della batteria e venticinque per quello del basso. Chad Wackerman è una favolosa scoperta della batteria, Scott Thunes è un buon bassista. Vinnie Colaiuta e Terry Bozzio sono stati provini leggendari, lo stesso vale per Arthur Barrow. Sono facili da individuare. Devi solo aspettare: quando senti il ​​ragazzo giusto, sporge come un pollice dolorante. Arthur Barrow è entrato e ha suonato “St. Alphonso’s Breakfast” al basso, poi ha completato il tutto conoscendo il 75% delle canzoni di tutto il mio repertorio. Era sinceramente interessato a suonare quella musica. Ora lavora con Giorgio Moroder.

    Colaiuta è stato fantastico. Qualunque cosa gli chiedessi di suonare, poteva suonarla. “Tredici in una mano, undici con l’altra, fai qualcos’altro con i tuoi piedi”. Apprezzavo la sua naturalezza. Per i poliritmi, non ho mai visto nessuno che avesse quel tipo di comprensione animalesca di come dovrebbero suonare i poliritmi. È un peccato che abbia finito per fare cose in studio che gli hanno tolto la possibilità di essere il maniaco che è veramente. So che ci sono musicisti favolosi là fuori, persone che amano la musica e preferiscono fare musica piuttosto che qualsiasi altra cosa. Sfortunatamente, non tutti sembrano abbastanza buoni per MTV, quindi avranno problemi ovunque nel firmare un contratto discografico. L’industria discografica è troppo legata al mezzo visivo. Alla fine chi lega il suo prodotto al mezzo visivo, chi si lega a MTV scoprirà che sta trascurando la maggior parte dei consumatori americani a cui piace la musica. Il video impedisce di ascoltare la musica”.

    (Musician, ottobre 1986)

  • FZ: differenze tra improvvisazione jazz e rock

    Durante il concerto i Mothers suonano diversi lunghi brani in cui tutti hanno la possibilità di suonare. Poiché molti dei musicisti hanno un vasto background jazzistico (Preston, i fratelli Gardner e Underwood) il loro modo di suonare in questo contesto chiarisce le differenze tra improvvisazione jazz e rock.

    Una qualità essenziale dell’assolo jazz è il senso che trasmette di movimento in avanti attraverso il tempo, che è il risultato (credo) del ruolo del solista jazz anche nei contesti più semplici: stabilire e rivelare la sua identità.

    Nel tipico assolo rock questo tipo di movimento in avanti si verifica raramente. C’è, invece, una quantità di spazio da decorare con la curva emotiva (eccitazione per l’estasi), una conclusione scontata. Ecco perché molti ascoltatori di jazz trovano noiosi gli assoli rock, non importa quanto ben suonati. Sono come qualcuno cresciuto con Beethoven che ascolta un raga e dice: “Mi piace il ritmo, ma stiamo girando in tondo. Dov’è lo sviluppo?”.

    In molti assoli rock, specialmente quelli di chitarra, c’è una relazione teatrale tra il musicista e ciò che sta suonando; le parti più “emozionanti” si verificano quando sembra che ciò che sta suonando abbia il sopravvento. Il dramma è che ha evocato un mostro musicale urlante, presumibilmente, e ora la bestia minaccia di sopraffarlo. L’eccitazione viene dal vederlo dominare la “bestia”, arrendersi ad essa, o addirittura arrivare del tutto e distruggere o bruciare lo strumento. Quando qualcuno come Jimi Hendrix presenta questa fantasia sessuale, può essere wagneriana.

    I Mothers hanno ridotto abbastanza bene questa configurazione. I solisti eseguono i movimenti esteriori per scaldarsi, ma la loro precisione di accento e la cura che prestano allo sviluppo motivico impediscono qualsiasi effetto di “perdita di controllo”.

    La reazione del pubblico a questo è stata curiosa.

    Zappa calpestava un numero che diceva “Attento! Explosion Ahead!” scritto dappertutto: le persone intorno a me mormoravano “sì” e uno sguardo vuoto di estasi anticipata si posava sui loro volti. Alla fine del pezzo non si era verificata alcuna esplosione, sembravano vagamente sconcertati, anche se ovviamente hanno applaudito.

    (Down Beat, 30 ottobre 1969)

  • FZ: breve storia dei Mothers of Invention

    (estratto da un articolo scritto da Frank Zappa su Hit Parader, n. 48, aprile 1970)

    “Ecco un breve riassunto dei 5 anni di sperimentazione e sviluppo musicale dei Mothers.

    Nel 1965 si formò un gruppo chiamato The Mothers of Invention.

    Nel 1966, i Mothers realizzarono un disco che diede inizio ad una rivoluzione musicale. Hanno inventato la musica underground, l’album rock double fold e il concept album. I Mothers hanno mostrato la strada a dozzine di altri gruppi (tra cui i Beatles e i Rolling Stones) con le loro sperimentazioni in un’ampia gamma di stili e mezzi musicali.

    Le Madri, in termini di pura musicalità, presentazione teatrale, concetto formale e pura assurdità, hanno dimostrato all’industria musicale che era davvero possibile dare alla musica elettrica una valida espressione artistica.

    Nel 1967 (da aprile ad agosto), il Garrick Theatre di Bleecker Street a New York fu devastato da bombe di ciliegie, verdure ammuffite, panna montata, giraffe ripiene e rane di plastica, il tutto ben organizzato in quello che oggi la gente chiamerebbe probabilmente un “musical tribale dai capelli lunghi Love Rock”. I Mothers lo chiamarono “Pigs & Repugnant: Absolutely Free” (un musical off-Broadway). Nel suo terzo mese uscì “Hair”.

    I Mothers sono stati la prima big band elettrica. Hanno aperto la strada all’uso di strumenti a fiato amplificati e/o modificati elettronicamente… suonavano di tutto, dall’ottavino al fagotto. Sono stati i primi ad utilizzare il pedale wah wah sulla chitarra, i fiati e gli strumenti elettrici a tastiera. Hanno gettato alcune delle basi teoriche che hanno influenzato la progettazione di molti dispositivi elettro-musicali prodotti e commercializzati.

    I Mothers sono riusciti ad esibirsi in tempi in chiave alieni e bizzarri climi armonici con una tale facilità che ha portato molti a credere che tutto stesse accadendo in 4/4. Attraverso l’uso di procedure normalmente associate alla “musica seria” contemporanea (tecniche di percussione insolite, musica elettronica, uso del suono in blocchi, fili, fogli e vapori), le Madri hanno saputo indirizzare l’attenzione di un gran numero di giovani al lavoro di molti compositori contemporanei.

    Nel 1968, Ruben Sano alzò la sua immensa mano guantata di bianco, fece “snat!” le sue dita! e subito nacque Neo-Greaser Rock. E’ stato pubblicato un singolo dall’album del boss di Ruben (“Cruisin’ With Ruben & The Jets”) chiamato “Deseri”. È stato riprodotto su molte stazioni AM (salendo al numero 39 della Top Forty al KIOA di Des Moines, Iowa) fino a quando non è stato scoperto che Ruben & The Jets erano, in realtà, i Mothers sotto mentite spoglie.

    Nel frattempo, le cosiddette stazioni FM underground potevano vantarsi di riprodurre gli album di The Mothers of Invention sulle loro stazioni lanciando alcuni tagli di “Freak Out” tra il flusso costante di importanti numeri blues.

    E poi, naturalmente, c’era “Uncle Meat”, registrato back to back con “Ruben & The Jets” (una procedura di produzione alquanto insolita). Nonostante la qualità musicale dell’album, ciò che ha attirato l’attenzione è stato il fatto che erano incluse diverse parole di uso comune in sezioni di dialogo schietto.

    E’ in attesa di pubblicazione una raccolta di 12 album completi della musica dei Mothers, una mostra retrospettiva del lavoro più interessante del gruppo, che copre un arco di tempo da due anni prima della formazione effettiva dell’ensemble fino all’agosto 1969. La raccolta include documentari dalle prime prove fino alle più recenti esibizioni dal vivo del gruppo negli Stati Uniti e in Europa, alcune delle quali diventate leggendarie. Per le persone che hanno a cuore le esplorazioni musicali dei Mothers (e anche per coloro a cui non importa e che desiderano essere semplicemente intrattenuti), questa raccolta si rivelerà di grande interesse”.

    Lo stesso articolo compare nella rivista IT, 9-24 aprile 1970 con la seguente aggiunta:

    Nella pubblicazione di cui sopra, Zappa ha mostrato la sua delusione per aver dovuto chiudere la band. Mostra la sua tristezza per il fatto che il suo vecchio slogan “nessun potenziale commerciale” si sia alla fine rivelato vero e la sua rabbia per la totale mancanza di sostegno pubblico alla sperimentazione musicale (il termine ‘musica underground’ ora è solo una campagna pubblicitaria per banalità prodotte da gruppi trash che possono fare un blues di 12 battute). Zappa ha ragione: nessun gruppo veramente underground è diventato grande né ha avuto il sostegno e l’incoraggiamento del pubblico ovunque su larga scala o ha avuto una casa discografica comprensiva.

    Le Madri sono andate. È estremamente improbabile che si riformino e Frank lo sa. Anche se lo facessero, i rigori delle prove e la quantità di tempo necessaria per rimetterli in forma renderebbero impossibile raggiungere il vecchio standard. Ora sono separati, l’onere finanziario di un gruppo di 8 elementi più i gestori di attrezzature è troppo grande per il loro reddito (concerti e vendite di dischi). Tuttavia, i nastri esistono e sono nastri meravigliosi. Memorizzati nel suo studio nel seminterrato, Frank ha nastri di se stesso con Captain Beefheart registrati nel 1964 (cantando canzoni sporche e suonando numeri alla Rolling Stones, ma strani). Ha incredibili nastri dal vivo dei Whisky-A-Go-Go, incluso quello della notte in cui sono stati “scoperti” da Herb Cohen. Nastri di concerti in Florida dove una groupie è salita sul palco con loro e ha fatto una gara di ballo con i Motorhead per un premio di 20 dollari, nastri da tutta Europa, non solo in concerto ma dialoghi in camerini, registrazioni in viaggio, in pullman, sale d’attesa aeroportuali, prove, ecc. Alcune cose sono davvero fantastiche.

    Gran parte di questo materiale Zappa non può effettivamente usarlo a meno che Warner Bros e MGM non abbiano fatto un accordo o un rilascio congiunto perché il contratto dei Mothers con MGM specificava l’esclusività del materiale, il che significa che Zappa non può pubblicare altre versioni di canzoni che sono sugli album MGM e sugli album della Warner Bros. Quindi è improbabile che alcune delle incredibili versioni live di “Brown Shoes Don’t Make It” raggiungano le tue orecchie (a meno che i fan non scrivano molte lettere alla Warner Bros.).

    Alcuni dei nastri sono stati assemblati in un magnifico album incontaminato appena pubblicato chiamato “BURNT WEENIE SANDWICH”. L’album abbraccia l’intera gamma del genio musicale di Zappa ed è il collage di nastri più complesso mai pubblicato, Zappa ha passato centinaia di ore a montare insieme i pezzi del nastro (dissolvenze, sovraincisioni, backup di due diverse esecuzioni, ecc.) per creare due lavori molto lunghi e alcuni più brevi, letteralmente inseriti tra due successi degli anni ’50. La musica degli anni ’50 rappresenta ancora per Zappa il massimo della musica ghiandolare dinamite. Iniziamo con una versione di WPLJ e finiamo con un numero rock di combo per adolescenti suonato per la prima volta da Jackie & the Starlites, chiamato ‘Valerie’.

    ‘Theme from Burnt Weenie Sandwich’, ‘Igor’s Boogie, Phase 2’ fino ad ‘Aybe Sea’ rappresentano una visione caleidoscopica in continua evoluzione di colori, riferimenti temporali, stati d’animo, emozioni, sfumature. . . E’ una fusione quasi alchemica dei frammenti per rendere il tutto qualcosa di molto più grande dei pezzi originali tagliati.

    Zappa suona deliberatamente stonato per ottenere il feeling anni Cinquanta. In tutto questo album, la pura brillantezza della musicalità dovrebbe accenderti anche se (per qualche strana ragione) non come la musica.

  • Frank Zappa padre della fusion?

    Per molti critici, Frank Zappa è il padre della fusion insieme a Miles Davis. Le prime incisioni completamente fusion sono state “Hot Rats” di Zappa (1969), “In a Silent Way” (1969) ed il doppio album “Bitches Brew” (1970) di Miles Davis.

    A seguire, Weather Report di Wayne Shorter e Joe Zawinul (1970) è uno dei gruppi più rappresentativi del genere fusion che combina elementi di jazz, rock e funk.

    L’adozione ufficiale del termine ‘fusion’ si deve al tastierista statunitense Jeff Lorber che l’ha inserito nel 1977 nel nome della sua band “The Jeff Lorber Fusion”.

    Tuttavia, sono in molti ad ammettere che Larry Coryell è arrivato prima di Miles Davis e Frank Zappa.

    C’è, poi, chi è convintissimo che il padre della fusion sia Tony Williams.

    “Per essere fusion, per corrispondere a quel concetto di marketing di ciò che la gente pensa sia fusion, deve SUONARE fusion. Questo ha poco a che fare con il fatto che si stia effettivamente fondendo qualcosa insieme. Significa solo che il tastierista deve suonare come Jan Hammer, il chitarrista, il batterista e il bassista devono suonare tutti in una certa vena musicale. Dopo che ogni musicista si è modellato in quella certa sindrome, l’intero evento musicale da eseguire deve essere ulteriormente modellato nella sindrome. Quindi cos’hai? Niente. È musica da sega. Il problema è che le persone poi iniziano a guardare dall’alto in basso la musica a tre accordi o la musica a un accordo o la musica a due accordi. E con la musica fusion, cosa hai? In parte è musica a tre accordi, è solo che gli accordi contengono più parziali. Invece di essere uno, quattro, cinque, stanno suonando uno due bemolle sette o qualche altra semplice progressione che consente loro di eseguire una serie di schemi facilmente riconoscibili su di esso. È tutto meccanico. Vedi, parte del problema è il modo in cui i consumatori usano la musica per rafforzare la loro idea di quale sia il loro stile di vita. Le persone che si considerano giovani moderni, in ascesa, preferiscono la fusion o la disco, quel tipo di musica brillante, pulita, precisa e meccanica. Tendono a non gradire tutto il resto perché non ha i ‘capelli pettinati’. La musica fuzztone a tre accordi non è esattamente il genere di cose a cui ti aspetteresti che un giovane dirigente sia interessato. Vuole qualcosa che suoni ‘giusto’, da ascoltare in giro su una Maserati. Quindi, alla fine, che sminuisce la musica… Ma è una buona cosa che tutta quella musica sia lì per quelle persone perché, senza di essa, al loro stile di vita mancherebbe qualcosa”. (Frank Zappa)

    (Down Beat, 18 maggio 1978)

    Una volta hai descritto il suono della musica “fusion” che, secondo alcune persone, hai contribuito ad ispirare seppure non intenzionalmente. L’hai definita una “tecnica su una base da discoteca”. Perché questa musica è diventata così popolare?

    “Non mi sento in alcun modo responsabile di questo. Credo che qualsiasi cosa a cui puoi dare un’etichetta alla fine troverà aderenti; il pubblico americano è fatto così. Per le persone a cui piace, è divino come succede per il country ed il western. Se un certo tipo di musica fa parte dei tuoi gusti, nessuno può farti cambiare idea. Credo che tutti abbiano il diritto di provare questa gioia, nel loro piccolo. Non è la mia idea di divertimento, ma le persone hanno il diritto di godersi questa gioia”.

    (Record World, 21 gennaio 1978)

    “Con le sue melodie spigolose, i ritmi rapidi e gli arrangiamenti eccentrici, gli Hot Rats hanno sostanzialmente inventato quel genere musicale peculiare noto come fusion.”

    (Matt Groening, Introduzione a Frank Zappa: Hot Rats – tavolatura per chitarra).

    “Quando suoni con Zappa, molta gente dà per scontato che tu sia un batterista ‘fusoide’ che sa solo suonare molto velocemente. Io non voglio essere identificato come un batterista fusion perché la maggior parte della musica chiamata ‘fusion’ non mi interessa”.

    (Chad Wackerman, Modern Drummer, dicembre 1988)

  • Frank Zappa: Hand Signals (Hand Jive)

    Frank Zappa e i segnali della mano
    Frank Zappa e i segnali della mano

    Ognuno di questi 10 fotogrammi rappresenta un particolare anno della carriera di Frank Zappa. Immortala il suo marchio distintivo in termini di linguaggio del corpo.

    Ecco cosa significano i dieci segnali della mano;

    1. Saluto italiano

    2. Suonare in 7/8

    3. Smettere di suonare e muoversi sul palco

    4. Grattarsi la testa e guardare ad un lato quando si osserva questa foto

    5. Suonare in 5/8 o 5/16

    6. Produrre rumori predefiniti. Toccando i capelli ad entrambi i lati, suonare l’intera sequenza. Toccando la parte destra, suonare la prima sequenza. Toccando la parte sinistra, suonare la seconda sequenza. La sequenza è costituita da 12 bars divertenti chiamate “the works”

    7. La posizione di Claude Nobbs quando cerca di scoprire qualcosa

    8. Smettere di suonare e poggiarsi al più vicino microfono per dire ‘molto interessante’ facendo uno spelling perché è così che fa Bruce Fowler

    9. Fare un breve grugnito basso come un punto esclamativo durante un assolo

    10. Questo è un gesto oscuro. Frank l’ha usato in uno o due concerti. Ficcare un dito nell’orecchio destro durante un assolo significa essere pronti. Frank dà loro il downbeat per poi riprogrammare o le parole o l’azione fisica.

    (Creem, settembre 1974, foto di Emerson Loew)

  • FZ: concept art al di sotto e al di sopra della coscienza umana

    Frank Zappa e la concept art

    “Quello che facciamo e abbiamo fatto fin dall’inizio è concept art. Sai? Ad esempio, il vero valore artistico di ciò che facciamo non esiste necessariamente sul disco. È come la differenza di toni. Ho cercato di spiegare questo concetto in una lezione che ho tenuto a un gruppo di emittenti radiofoniche. Conosci il pezzo di Pauline Oliveros per l’etichetta Argosy? Ha realizzato un brano musicale in cui i suoni sono generati in questo modo: due suoni, uno al di sotto della gamma udibile dell’udito e uno al di sopra della gamma udibile dell’udito e da essi vengono prodotti i ‘toni di differenza’.

    Sono abbastanza udibili ma accadono tra le due cose reali. Se modifichi leggermente questi due toni puoi creare un pezzo da inserire in un sistema di riproduzioni di nastri e, così, quando vengono riprodotti uno sopra l’altro creano un certo spessore, una larghezza di banda di follia inesistente.

    Alcune delle cose che facciamo funzionano secondo un principio simile. Alcune idee sono al di sotto del livello della coscienza umana, altre sono al di sopra del livello della coscienza umana. Nel mezzo c’è questo particolare sottoprodotto, che è la manifestazione di ciò che sono quelle idee. Ti sembra un po’ troppo astruso?”.

    (Frank Zappa, LA Star, 119-1969)

  • FZ: “facciamo musica contemporanea, non siamo una band rock…

    “Facciamo ‘musica contemporanea’, vale a dire una forma artistica legata al nostro ambiente sociale attuale. Quello che suoniamo difficilmente può essere classificato come rock’n’roll; se dobbiamo essere definiti, penso soprattutto che siamo non-rock. Il nostro materiale musicale è principalmente dada, il resto include tutte le cose strane e inspiegabili che accadono sul palco durante lo spettacolo. Ci sono una serie di eventi che non potremo mai registrare perché, per capirli, abbiamo bisogno di testimoni oculari di prima mano. Eseguiamo gesti e movimenti fisici sul palco che a volte assomigliano a coreografie, a volte avvengono volontariamente, a volte sono puri incidenti e talvolta comportano la partecipazione del pubblico. Sul palco del Garrick Theatre di New York sono successe cose molto strane; l’altra sera è salita sul palco una ragazza, alta circa 1,50 mt, aveva i capelli totalmente arruffati. Una ragazza di circa diciotto anni con occhiali scuri, sandali, con in mano due borse della spesa e un flauto… Sale sul palco, posa le borse della spesa, si infila il flauto in bocca ed ha un attacco epilettico davanti a spettatori assolutamente sbalorditi. Non l’abbiamo fermata, è stato davvero straordinario. È rimasta lì per circa mezz’ora : quando ha finito ci siamo augurati la buonanotte, se n’è andata e nessuno tra il pubblico sapeva cosa fare…

    La nostra musica è sempre un evento. Ogni spettacolo è diverso. Le canzoni rimangono relativamente le stesse, ma il loro ordine è costantemente sconvolto, si incastrano l’una nell’altra o si susseguono senza tempi morti. A volte suoniamo tre quarti d’ora consecutivi senza sosta. Spesso il pubblico rimane ipnotizzato e alla fine dei brani si dimentica di applaudire. . . Personalmente, ho preso parte ad un solo happening; è stato all’Ucla in California. Avevo portato alcune delle mie registrazioni private”.

    (Rock & Folk, novembre-dicembre 1967)

  • FZ: musica volutamente dissonante e ritmi esasperanti perché…

    Frank Zappa ha scelto lo stile che meglio gli ha permesso di raggiungere i suoi obiettivi. La sua musica è volutamente dissonante, i suoni sconvolgenti, quasi insopportabili, i ritmi esasperanti (in certe composizioni si alternano misure di 8/8, 9/8, 4/4, 4/8, 5/8 e 6/8!). Utilizza anche collage, nastri inversi, voci fuori campo e altre ricerche sonore. A volte il canto assume un certo aspetto teatrale sul palco.

    Tutto questo ha un solo obiettivo: impedire all’ascoltatore di lasciarsi cullare da belle armonie, farlo uscire a tutti i costi dal suo torpore, renderlo consapevole dell’assurdità del mondo.

    Zappa è un logico e gli piacciono le persone come lui. Tuttavia, nulla è più divertente per lui dell’illogico e del bizzarro.

    Zappa ci ha parlato della decristallizzazione della società in cui vivevamo; la sua soluzione sta nel fascino magico di parole come “Muffin” e “Pumpkin”. Sarebbero secondo Zappa la chiave della saggezza. Infatti il ​​simbolismo è evidente nei testi di Zappa che ricordano ad esempio quelli di Artaud.

    (Extra, febbraio 1971)

  • L’Air Sculpture di Frank Zappa

    Lo stile chitarristico di Zappa era completamente originale nel mondo del rock. A differenza della maggior parte dei chitarristi che usavano modelli in scala o forme collaudate sulla chitarra, Zappa creò quella che fu chiamata “Air Sculpture“. Non aveva bisogno di fare affidamento su dispositivi e trucchi musicali collaudati perché aveva la capacità di suonare qualsiasi nota (tutti i dodici toni / scala cromatica) sulla chitarra, su qualsiasi tasto. Questo stile di improvvisazione era usato anche dai chitarristi jazz (senza dubbio cervelloni dall’udito immacolato, barbe e banjo…). Il trucco sta nel sapere in quale ordine suonare le note.

    Zappa era famoso per suonare assoli di chitarra smisurati e autoindulgenti. Laddove altri chitarristi perdevano la concentrazione e rimanevano bloccati in cliché e riff per mancanza di immaginazione, Zappa guadagnava slancio dopo sei o sette minuti dall’inizio dell’assolo.

    (Sun Zoom Spark, gennaio 1994)