Montana (Live at the Roxy 1973)
In copertina un disegno di Jim Mahfood
Puoi portare la musica con te ovunque tu vada?
“E’ dentro la mia testa. In genere, non ascolto niente, preferisco suonare. Riesco a sentire la musica tutto il tempo. Riesco a sentire cose che le persone non possono suonare”.
(RockBill, novembre 1984)
Lavorando con un sintetizzatore computerizzato, trovi che il vinile non sia più il modo migliore per presentare la tua musica? Pubblicherai registrazioni solo su CD?
“Il vinile non è mai stato un mezzo così eccezionale. Alcune persone si aggrappano alla convinzione che il vinile suoni meglio. Non so, non al mio orecchio. Mi piace la musica su nastro digitale. Molti pensano che il vinile sia più ‘caldo’. Analizziamo la parola calore. Il calore significa una mancanza di fascia alta o un ulteriore aumento di frequenza a 300 cicli. Che cazzo è il calore? Come lo quantifichi in termini audio? Puoi dimostrare lo pseudo-calore in modo tecnico in studio usando un equalizzatore a banda larga e aumentando le cose di circa 300 cicli. Diventa solo più ‘grassoccio’. Ti allontani un po’ dall’estremità superiore e le cose iniziano a suonare calde – se questo è il tipo di suono che ti piace. Non mi interessa particolarmente quel suono”.
(BAM – Bay Area Music Magazine, 16 gennaio 1987)
“La mia musica è partecipativa. La musica dovrebbe interagire con la persona che la sta ascoltando. Quello che faccio non è progettato per rafforzare lo stile di vita di qualcuno. Non è un prodotto ma qualcosa di diverso. Alla fine, tutto ciò che viene pubblicato da una casa discografica si trasforma in prodotto, ma l’intento di ciò che faccio non è orientato al prodotto. Ho qualcosa da dire, voglio dirlo in un certo modo e curo molto la presentazione del materiale. Curo tutto il percorso fino al processo di mastering. Mi occupo del packaging, delle copertine degli album, delle pubblicità, faccio le interviste e rispondo a domande specifiche a riguardo, in modo che non si trasformi in prodotto. Mi assumo la responsabilità di quello che faccio, che a qualcuno piaccia o no”.
(FZ, Guitar For The Practicing Musician, maggio 1986).
La capacità di Frank Zappa di integrare arte bassa e alta in un genere ibrido senza soluzione di continuità è ineguagliabile.
Ad esempio, in “Montana” (dall’album “Overnite Sensation”, 1973), fonde casualmente un ponte a 12 toni con una forma di canzone pop, dirigendo i suoi intrepidi vocalist attraverso un allenamento di gruppi di quintupletti e salti intervallari frastagliati in una canzone sul filo interdentale.
Il suo lavoro può variare dal blues puro (“Directly From My Heart to You” in “Weasels Ripped My Flesh”, 1972) alla musica per big band altamente arrangiata (“The Grand Wazoo”, 1972) al delicato jazz da camera (“Twenty Small Cigars” da “Chunga’s Revenge”, 1970) al rock rabbioso della chitarra (“Sheik Yerbouti”, 1979) ai timbri rigorosamente orchestrali (“The London Symphony Orchestra: Zappa Vol. I”, 1983).
Ma anche quando predomina uno stile, in genere sono presenti altri elementi.
(The San Bernardino Sun, 6 giugno 1989)
“Gran parte delle persone non usa i poliritmi ed i ritmi più complessi, non li considera molto naturali ma ci sono stati compositori che hanno lavorato in quel campo. Per me è stato un grande shock quando qualcuno mi ha inviato un album di un gruppo olandese che aveva “Ballet Mécanique” di George Antheil da un lato e dall’altro brani per violino e piano. In quel momento, ho giurato che avrei potuto scriverli per via dei ritmi. Era esattamente lo stesso tipo di cose che avrei fatto io. Non avevo mai sentito questi pezzi prima. Il ritmo è ciò che senti. La maggior parte delle persone nell’Europa occidentale tende ai ritmi in 2, 3 e 4, mentre nell’Europa orientale molte persone si sentono a proprio agio con 5, 7, 9. In India si sentono a proprio agio con tutto, dal 2 al 13”. (Rhythm, luglio 1989)
“I musicisti seri non sono interessati a quello che sto facendo. Ignorano completamente la musica rock. Pensano di essere all’avanguardia nella sperimentazione musicale. Sono sciocchi a pensare questo perché nel mondo rock abbiamo un’attrezzatura che loro neanche conoscono. Sono convinto che molti compositori seri non conoscono gli strumenti a fiato elettrici e tutto ciò che si può fare con questi strumenti come, del resto, la chitarra elettrica. Pensano che la musica elettrica si faccia con un sintetizzatore e che la musica amplificata sia un mondo completamente diverso. Rispetto al compositore serio il nostro ensemble ha aggiunto l’elettricità a fagotto, flicorno, clarinetto, flauto ed altri strumenti. I musicisti ‘seri’ hanno una mentalità troppo ristretta. Dovrebbero assistere ai concerti rock. Questo è uno dei motivi per cui i giovani non hanno un approccio con la loro musica. Il grosso del pubblico è composto da teenager. Noi suoniamo in luoghi dove i compositori seri non vanno mai”. (Frank Zappa)