Frank definisce la sua musica “intrattenimento facoltativo per l’individuo discriminante. Fornisce un’alternativa a ciò che fanno tutti gli altri. È uno stile completamente nuovo”.
“Le persone hanno la tendenza a perdersi” quando si tratta della sua musica, ha detto Zappa. “Questo perché a loro piace avere tutto in una piccola scatola. Tutto ciò che disturba quell’equilibrio è pericoloso”. Quindi, la sua musica diventa “opzionale”.
“Non chiamatela musica jazz – insiste Zappa – la stampa rock ci ha attribuito l’etichetta jazz ma non è mai stata concepita come jazz né è mai stata eseguita come jazz”.
Non cercate fan del jazz ai suoi concerti. “Non credo siamo ben accolti dalla comunità jazz”.
“Ero pronta a dedicare tutta me stessa alla musica di Frank. Lui sapeva veramente quali pulsanti premere, da un punto di vista sia emozionale che musicale, sapeva come sintetizzare le personalità e il talento singolo dei suoi musicisti, il che per me è una dote davvero rara. Non era soltanto un direttore d’orchestra che se ne sta sul palco ad agitare le braccia: ci suonava come fossimo strumenti! Anch’io divenni una perfezionista perché – suppongo – dovevo esserlo.”
“Fu la più grande esperienza della mia vita e anche la più difficile. Frank divorava musica; era l’unica cosa alla quale pensasse. Ascoltavamo la sua musica sull’autobus, durante i soundcheck la provavamo, alla sera la suonavamo e il giorno dopo la analizzavamo: tutto era musica.”
(Ruth Underwood)
“Quest’uomo era solo una massa ambulante di contraddizioni eppure ora io mi contraddirò dicendo che è stato molto coerente con queste sue contraddizioni”.
“Spesso, Frank sembrava freddo e distaccato, non coinvolto personalmente con le sue scimmie addestrate… una volta scherzando ha detto che siamo tutti scimmie addestrate e lui è il capo del circo… ma lui provava grandi sentimenti per noi. Era umano, c’erano momenti in cui non pensavo fosse così grande e sentivo che era crudele a volte, ma era un uomo appassionato e ha sviluppato un vero amore non destinato a tutti”.
1. Supernaut: Black Sabbath. Credo provenga da Paranoid. Mi piace perché penso sia il prototipo di un certo stile musicale ed è ben fatto. Mi piace anche il lick di chitarra che viene suonato in sottofondo.
2. After The Gold Rush: Neil Young. L’intero album perché è molto diretto, molto melodico e suona come un mucchio di demo.
3. Between The Buttons: Rolling Stones (la versione americana). Non mi piace molto la versione inglese perché contiene una serie di brani completamente diversi. Rappresenta un pezzo importante di commento sociale del momento. Ricordo di aver visto Brian Jones molto ubriaco allo Speakeasy una notte e di avergli detto che mi piaceva e che lo ritenevo superiore a Sergeant Pepper… dopodiché ruttò discretamente e si voltò.
4. La versione americana di Abbey Road che non ha nulla a che fare con il materiale dell’album. Penso sia probabilmente il disco rock’n’roll meglio masterizzato ed ingegnerizzato che abbia mai sentito.
5. Il primo album di Muddy Waters perché è meraviglioso.
6. The Devils Of Loudon: Krzysztof Penderecki. E’ un album ben prodotto e penso sia un eccellente brano di musica drammatica. Tatiana Troyanos, che interpreta la suora principale, suona in modo assolutamente meraviglioso durante la scena del clistere. La storia racconta di una suora gobba che è posseduta dal diavolo e deve essere sottoposta ad un esorcismo. L’esorcismo prevede che alla suora venga somministrato un clistere caldo alle erbe. Nelle esibizioni dal vivo l’esorcismo si svolge dietro uno schermo e si sente Tatiana cantare e strillare mentre un’orchestra suona musica per clistere. Si sente anche il diavolo ridacchiare dall’interno delle viscere della suora.
7. Le opere complete di Edgar Varèse vol. 1. E’ stato il primo album che ho ascoltato di Varèse e mi ha aperto gli occhi su molte possibilità.
8. Three Hours Past Midnight: Johnny ‘Guitar’ Watson. E’ uno dei migliori assoli di chitarra su un vecchio disco R&B.
9. Story Of My Life: Guitar Slim. Un altro dei migliori assoli di chitarra su un vecchio disco R&B.
10. Who Will Be Next?: Howlin’ Wolf. E’ musicalmente molto grave, basso.
Da non dimenticare…
Recentemente ho ascoltato Mott The Hoople dei Mott The Hoople; mi piacciono tutti i tagli tranne ‘The Golden Age Of Rock ‘n’Roll’.
Newly Weddegli Orchids è uno dei miei brani R&B vocali di gruppo preferiti.
My White Bicycle – Tomorrow è stato uno dei singoli migliori dell’epoca e probabilmente ha anticipato un po’ i tempi. Mi piace anche l’altro lato, Claramount Lake (l’assolo di chitarra di Steve Howe).
Can I Come Over Tonight dei Velours. Qualsiasi musicologo che riesce a trovare quel disco può ascoltare i quintupli e sette gemelli del cantante. Considerando da dove viene e quando è stato realizzato (l’etichetta era East Coast Onyx), è fantastico.
Let’s Start All Over Again – The Paragons, un altro prototipo. E’ audace, ha la sezione di pianoforte più idiota che abbia mai sentito su qualsiasi disco e lo ripete abbastanza spesso da convincermi che è intenzionale.
Qualsiasi cosa abbia fatto Richard Berry. Ha reso possibile ciò che è successo nel R&B: tante persone non sarebbero state lì senza di lui. Era una delle più importanti fonti segrete dietro l’R&B della West Coast negli anni Cinquanta e ora va in giro cercando di ottenere un contratto. L’ho intervistato quando ho scritto un pezzo per la rivista Life e mi ha detto che ha venduto i diritti di Louie Louie per 5.000 dollari. Stava lavorando con una band latina in un posto chiamato Harmony Park Ballroom e la band aveva uno strumentale: ha scarabocchiato il testo di Louie Louie su un tovagliolo di carta nel camerino.
“Penso che la definizione migliore (di Frank Zappa) sia quella che lui dava di se stesso: ‘compositore’. Un precursore che ha aperto strade in modo geniale, sia nella concezione della musica che nelle tecniche di registrazione. Ha anche plasmato, scoperto tanti fuoriclasse, penso a Steve Vai, ma in generale tutti quelli che hanno lavorato con lui ne sono usciti arricchiti. Allo stesso modo, è stato un polemista formidabile, l’uomo che l’America amava odiare. Un autore talmente complesso, e difficile dietro una maschera di allegra follia, un creatore rigorosissimo: la musica di Zappa è anzitutto una lezione etica. Per questa stratificazione di contenuti, ritengo che dovrà passare ancora parecchio tempo, prima che questo gigante venga accreditato del posto che gli spetta nell’arte. Un posto in prima, primissima fila”.
“Ho imparato tantissimo da Frank Zappa. Era sempre corretto con tutti i membri della sua band, non fregava mai nessuno ed era sempre chiaro. Ti chiamava e ti diceva: ti posso dare questi soldi, e devi fare questo. Accetti?”
“Mi ha insegnato ad essere sempre indipendente e a mantenere la mia integrità”.
“Frank mi diceva sempre: trascrivi le canzoni esattamente come devono essere, non fare una versione più facile che può essere rifatta da tutti. Non è il modo giusto di fare i soldi. Non lo dimenticherò mai”.
Steve Vai con la sua Ibanez JEM-JEM2K DNA n.20, è stato il primo a mettere parte di sé in uno strumento: realizzata nel 2000 in Giappone in soli 300 esemplari, conteneva nella vernice multicolore tracce del suo sangue.
Zappa’s Universe è un album tributo a Frank Zappa del 1991. Contiene una serie di concerti di 4 notti consecutive al The Ritz di New York City, tutto filmato per un video omonimo.
La cover di Steve Vai della canzone “Sofa” tratta dall’album ha vinto un Grammy Award per la migliore performance strumentale rock nel 1994.
Inizialmente, Frank Zappa avrebbe dovuto far parte del progetto Zappa’s Universe, ma era troppo malato per partecipare agli spettacoli. I giornalisti hanno cercato di scoprire perché non poteva partecipare al progetto e fu allora che i figli Dweezil e Moon furono spinti ad esporre pubblicamente la malattia del padre durante una conferenza stampa nell’autunno del 1991.
Pubblicato prima della scomparsa del maestro, Zappa’s Universe è la testimonianza su cd di un evento ideato da Joel Thome, compositore e direttore d’ochestra, per celebrare i venticinque anni di carriera del geniale musicista americano. Naturalmente, Frank Zappa era d’accordo con Thome e, come dicono le note del libretto, era “ovunque e in nessun luogo” in questo bizzarro universo, “abitato da polli di gomma, personaggi pittoreschi, freaks affamati, musicisti arrapati, politici disonesti, pazzi frenetici e sporchi amori”.
La big band radunata da Thome per il concerto era zappiana al cento per cento e comprendeva Mike Keneally (vocalist camaleontico), Scott Thunes, Mads Öberg, Morgan Ågren, i Persuasions, i Rockapella, l’Orchestra Of Our Time e tre ospiti prestigiosi come Dale Bozzio, Steve Vai e Dweezil Zappa.
Il cd ripropone una parte delle registrazioni effettuate il 7 e l’8 novembre al Ritz di New York ed è la testimonianza di uno dei pochissimi successi nella collaborazione tra un’orchestra classica e un gruppo rock. La musica di Zappa, colta e ricchissima di influenze eterogenee, si presta perfettamente ad essere arrangiata da un personaggio come Thome. La scelta dei brani è talvolta curiosa, ma anche in questo è in linea col volere del maestro: spazia da Absolutely Free (con Brown Shoes Don’t Make It) a Jazz From Hell (con Night School), passando per Waka/Jawaka e Over-Nite Sensation (con Dirty Love). Assolutamente necessario agli onnivori collezionisti di Zappa, il cd può essere un modo per accostarsi’ all’opera imponente e complessa del mitico Frank.
Questo programma dell’evento “Zappa’s Universe” illustrato da Cal Schenkel è stato realizzato in edizione limitata numerata.
E’ stato originariamente venduto durante i 3 giorni di evento nel 1991.
Contiene un libretto con tutti i testi dei brani selezionati per l’evento Zappa Universe, una lista dei brani, un set di carte gengivali, volantini e simili, ritagli, ‘spazzatura’ d’arte ed altro ancora.
Il Souvenir Program include anche un pezzo dello sfondo della tela incompiuto, note criptiche, schizzi, facsimile, informazioni interne.
E’ l’arte inconfondibile di Cal Schenkel.
1980: – Joel Thome su Frank Zappa
“Ricordo di aver lavorato a Zappa’s Universe e di aver detto a Frank cosa volevo fare con “Oh No”, che sentivo come un pezzo d’orchestra a pieno titolo. Ho detto: “Lo ambienterò in modo webernesque” e, dopo aver spiegato di più, lui ha detto: “Sembra la Sinfonia da camera di Webern, opus 21. “Credimi, pochi musicisti lo avrebbero saputo. Quando gli ho detto che avrei chiuso in modo mahleresco, ne fu lieto. Le sue composizioni divennero più articolate con il passare degli anni; c’erano alcuni problemi compositivi che stava risolvendo. C’è stato un periodo in cui ha detto: “Non scriverò più per gli esseri umani” – a metà degli anni ’80, forse prima. Non sopportava la mancanza di tempo per le prove, gente che arrivava impreparata, esibizioni insoddisfacenti. Sapevo cosa intendesse dire. Non fece quella dichiarazione perché non voleva che gli umani sentissero la sua musica, ma per il fatto che il suo lavoro elettronico stava diventando sempre più in sintonia con quello che sentiva nella sua testa. Con il Synclavier poteva fare cose con suoni strumentali che non riusciva ad ottenere con strumenti dal vivo; tecnicamente non avrebbero avuto la gamma. Ricordo che una sera mi chiamò tardi e suonò un passaggio su Synclavier che sembrava realizzato con strumenti tradizionali, ma ad una velocità che non sarebbe mai stata umanamente possibile. Ha parlato con il cuore dei modi in cui è stato derubato dal cancro. “Una volta potevo lavorare 22 ore al giorno, e ora potrò lavorare solo 18”. Ha lavorato fino alla fine. La sua anima creativa è sempre stata piena di musica. Il silenzio della voce di Frank è assordante; il suono della sua musica vivrà per sempre. “
– Joel Thome in Frank Zappa, musicista, febbraio 1994.
Frank Zappa non ha partecipato alla realizzazione di questo brano. Ha semplicemente ispirato in parte Steve Vai.
Fu Steve a scrivere il pezzo registrandolo alla fine degli anni ’90, qualche anno dopo la morte di Frank Zappa.
Il brano lanciato nel 1998 proviene dal CD di Steve Vai intitolato “Flex-Able Leftovers”. In sostanza, non è una canzone da attribuire a Zappa e non è mai stata intesa come un tributo a Frank. Il tributo di Steve Vai a Frank s’intitola semplicemente “Frank”. A giudicare dal testo, di sicuro l’ispirazione di Frank c’è.
Il brano è decisamente provocatorio, rappresenta il disprezzo dell’artista verso l’autorità, le strutture sociali e la situazione nel mondo. L’intenzione di Vai è stata quella di scrivere una canzone che non tenesse conto di alcuno standard morale, sociale o letterario, è rivolta alle persone stanche di sentirsi dire cosa fare e come comportarsi.
Il testo suggerisce che gli individui dovrebbero prendere in mano la situazione ed esplorare liberamente i propri desideri senza temere giudizi o persecuzioni.
Le critiche di Steve Vai alla religione organizzata, alla politica e al governo suggeriscono una significativa disillusione nei confronti delle figure autoritarie e delle istituzioni. Il brano suggerisce che le persone dovrebbero mettere in discussione l’autorità e le norme sociali, piuttosto che conformarsi ciecamente ad esse.
Fuck Yourself è una forma estrema di commento sociale, che incoraggia gli ascoltatori a pensare criticamente al mondo che li circonda, ad abbracciare la propria individualità e sessualità senza paura o vergogna.
“Dopo il primo spettacolo con Frank, l’ho incontrato al mattino nel ristorante dell’hotel mentre faceva colazione e gli ho chiesto: ‘Allora, come sono andato?’.
Lui mi ha risposto: ‘Sai, Steve, penso che tu sia davvero un bravo musicista, ma il tuo tono suona come un panino al prosciutto elettrico. Frank raramente entrava nei dettagli ma esprimeva concetti inequivocabili. Mi ha detto ‘Il suono non è negli amplificatori, è nella tua testa.’
All’inizio, non capivo cosa intendesse dire, pensavo che quella frase avesse un significato esoterico ma più tardi ho capito. Sì, il suono è nella testa e in nessun altro posto. Nella testa suonerà come ti aspetti che suoni. E’ un po’ difficile da spiegare… Una volta captato il tuo suono nella testa, potrai manipolarlo a tuo piacimento”.
Dave Murray e Steve Harris degli Iron Maiden 1982 Maglietta Dental Floss Nella copertina del loro CD The Number Of The Beast (1982) c’è una foto dei chitarristi Steve Harris e Dave Murray, che indossano magliette con la scritta: “NO! Non siamo un gruppo rock inglese… siamo venditori di filo interdentale del Montana!” Il 9 aprile 1982 Steve Newton intervistò il batterista Clive Burr su earofnewt.com e gli chiese quali artisti musicali ascoltassero i membri della band nel loro tempo libero. Burr rispose: “Dave adora i Deep Purple e Hendrix, e anche ad Adrian piace ascoltare quel tipo di musica. Bruce è un uomo Rainbow e Steve adora gli UFO, i Judas Priest e Todd Rundgren. Il mio preferito è Frank Zappa. È Dio per quanto mi riguarda.”
