Frank Zappa's mustache - Music is the Best

Tag: Frank Zappa

  • SATIEsfaction – xenocronia Frank Zappa, Erik Satie – xenochrony

    SATIEsfaction – xenocronia Frank Zappa, Erik Satie – xenochrony

    Xenocronia realizzata da Roxa con musiche di Frank Zappa & Erik Satie

    FAIR USE

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    Una xenocronia strana… Treacherous Cretins mi trasmette un’emozione particolare: il rimpianto. Ogni volta che l’ascolto, rimpiango di non aver potuto assistere neanche ad un concerto di Zappa. Lo cerco tra le pagine dei giornali… ho il rumore di una macchina da scrivere in testa, affascinante antenata della tastiera, che fa da ponte tra me e lui. La stessa che ha usato Erik Satie in una sua composizione. Questa xenocronia non vi piacerà ma la lascio così, random… è un bel gioco per me, che solo io conosco… un rimpianto dissonante.

    Erik Satie, nelle sue composizioni, usa molto umorismo, molti piccoli commenti verbali scherzosi per la sua musica. L’ha fatto come difesa, a causa della sua mancanza di fiducia in se stesso, e mi chiedevo se tu…
    “Non so nulla della vita di Satie e non credo che questo sia il motivo per cui ha messo dell’umorismo nella sua musica. Ci sono stati altri compositori che hanno messo l’umorismo nella loro musica in vari modi e, a dire il vero, non mi piacciono le idee sui meccanismi di difesa. In effetti, la cosa più coraggiosa che puoi fare è riuscire a divertire un pubblico che non ha senso dell’humour come, ad esempio, un pubblico di musica classica. Esistono tre audience con meno umorismo di un pubblico classico: il pubblico country/occidentale, rock and roll e jazz”. (Frank Zappa, Iconoclast, 15-22 marzo 1974)

    Zappa ha più volte sottolineato il suo apprezzamento per il dada e, in verità, del dada Frank ha mutuato procedimenti formali (collage, assemblage, gioco di parole, parodia) e modi di pensare (anarchismo, antiautoritarismo, valore eversivo del sesso, esortazione a non farsi infinocchiare dall’establishment, satira rivolta contro il filisteismo, il romanticume, l’intellettualismo, ecc.).
    Tra i musicisti ‘colti’ cui Frank ha guardato e da cui ha attinto, Erik Satie ha un posto di rilievo, non a caso vicino al dada. Satie, come Zappa, riempie la sua musica di citazioni ironiche di musiche popolari (in Satie sono quelle del circo e del luna-park, delle bande, delle danze di moda) usando in modo stilizzato modi del cabaret: l’uso del rumore, in Zappa come in Satie, è dissacratorio e ironico. (Ciao 2001, 3 luglio 1990)

    Frank Zappa e Erik Satie sono stati entrambi due autodidatti convinti che l’unico scopo delle regole sia superarle.

    Éric Alfred Leslie Satie (detto Erik), compositore e pianista francese, è stato un protagonista della musica e dell’ambiente artistico francese tra la fine dell’800 e l’inizio del 900. Il suo interesse artistico non si è limitato alla musica ma anche alla pittura, letteratura, teatro e cinema. Impressionismo, simbolismo, cubismo, dadaismo, neoclassicismo: nella sua arte è confluito tutto questo, ma ha mantenuto un’individualità netta e coerente in tutte le sue composizioni. Altri punti in comune con Zappa.
    Nel 1886, Satie compose le quattro Ogives per pianoforte nella cui partitura non compare alcun segno di misura. Sviluppò anche un proprio stile di annotazioni sul modo di interpretare le sue opere.
    Intorno agli anni ’20 compose ‘musica da tappezzeria’ (come la definì lo stesso Satie): rappresenta una satira contro la musica dotta e l’accademismo. La scrittura musicale di Satie era assolutamente originale: in Parade, ad esempio, usa suoni molto innovativi come sirene, macchine da scrivere e altri effetti sonori non tradizionalmente musicali; scrive brani difficilmente inquadrabili nei generi conosciuti come le celebri tre Gymnopédies e sette Gnossiennes. Sperimenta nuove forme del suono e inventa di fatto la tecnica del ‘piano preparato’ inserendo, per la prima volta, oggetti nella cassa armonica dello strumento nell’opera Le Piège de Méduse.

    Erik Satie fu un personaggio originale, stravagante, bizzarro.
    Visse in un appartamento da lui chiamato “l’Armadio”, composto da due stanze, di cui solo una utilizzata pienamente. L’altra stanza era chiusa a chiave ed il suo contenuto fu scoperto solo alla morte dell’artista: conteneva una collezione di ombrelli di vari generi a cui lui teneva così tanto che non li usava. Amava passeggiare sotto la pioggia e proteggeva l’ombrello sotto la giacca per non sciuparlo. Satie adorava i completi in velluto: ne possedeva tantissimi, tutti uguali. Quando suonava il pianoforte nei cabaret di Montmartre, indossava sempre un cappello a cilindro ed un’estrosa cravatta Lavallière. Lo scrittore Alphonse Allais lo definì “Esoterik Satie”.
    Il numero 3 era un chiodo fisso per lui, un’ossessione mistica, forse una reliquia del simbolismo trinitario associato all’Ordine cabalistico dei Rosacroce, di cui Satie aveva fatto parte in gioventù. Molte delle sue composizioni sono raggruppate in cicli di tre: tra queste, le Trois Gymnopédies del 1888.

  • Frank Zappa, Son of Orange County: something about, review

    Frank Zappa, Son of Orange County: something about, review

    Live 1974 (Roxy & Elsewhere)
    Live al KCET, Los Angeles, California, 27 agosto 1974 (A Token of His Extreme)

    “E nei tuoi sogni ti puoi vedere come un profeta che salva il mondo, con le parole che vengono dalle tue labbra: ‘Io non sono un truffatore’. Non posso credere che tu sia così stupido…”.

    Frank ha usato “Son of….” in molte canzoni o versioni di canzoni o titoli di album da lui realizzati.
    Ad esempio, “Return of the son of Monster Magnet”, “Son of Cheap Thrills”, “Son of Mr. Green Genes”, “Son of Suzy Creamcheese”. ‘Son of…’ è una parodia dei titoli dei film di mostri.
    In questo senso, Son of Orange County è una versione successiva di Orange Country Lumber Truck.
    Questo brano è stato inserito in due album: Roxy & Elsewhere e Bubble Cream Cheese (in Oh no/Son of Orange County). Il brano di Roxy & Elsewhere fu registrato all’Edinboro State College in Pannsylvania il 5 agosto 1974 in tandem con More Trouble Every Day.
    La canzone è composta da tre parti:
    – Versione riarrangiata di Oh no (testo incluso) tratta dall’album Lumpy Gravy (MGM, 1968);
    – Assolo di chitarra;
    – Tema di The Orange County Lumber Truck (dall’album Weasels Ripped My Flesh, Bizarre/Reprise, 1970).
    Il titolo è riferito a Richard Nixon, nato a Yorba Linda, Orange County, California. Zappa ha spostato il bersaglio polemico dai Beatles a Richard Nixon. Il testo cita anche l’affermazione di Nixon ” Non sono un truffatore ” in un’intervista televisiva del 18 novembre 1973.
    Son of Orange County e Dickie’s Such An Asshole sono le due canzoni che fanno riferimento a Richard Nixon e allo scandalo Watergate.
    Nixon pensava di poter salvare il mondo dal comunismo e dalla tirannia; in realtà, era corrotto e pronunciò la famigerata frase: “Non sono un truffatore”.
    “More Trouble Coming Everyday” o, successivamente, “More Trouble Everyday” è una risposta diretta di Zappa sulle rivolte che avevano avuto luogo nel quartiere Watts di Los Angeles dall’11 al 17 agosto 1965. Durarono 6 giorni provocando 34 morti, 1.032 feriti, 3.438 arresti e oltre 40 milioni di dollari di danni alla proprietà. Turbato da tutto questo, Zappa scrisse una delle sue più grandi canzoni di protesta, un vero e proprio anti-inno.

    https://www.youtube.com/watch?v=IuJsPBLsJac

    “Ho scritto una canzone su Nixon”.
    Son of Orange County?
    “No, un altro brano. Si chiama “Dickie’s Such An Asshole” o “The History of the San Clemente Magnetic Deviation”.
    Deviazione magnetica?
    “I piloti dell’aviazione stanno lontani dalla zona di San Clemente. C’è una deviazione dal normale campo magnetico terrestre intorno all’isola di San Clemente. In realtà non è lì che vive Nixon, ma è molto vicino”.
    Ci sono speculazioni complottistiche nella stanza 640 su invasori alieni seduti sull’isola di San Clemente.
    Quando i Grand Funk dicono che gli aerosol distruggeranno l’atmosfera, francamente la cosa non ti impressiona più di tanto. Quando Zappa inizia a parlare del campo magnetico terrestre, tendi a dargli un po’ più di credibilità. (New Musical Express, 26 aprile 1975)

    “Penso che tu debba provare il desiderio di essere là fuori ed avere la forza di affrontare le conseguenze nello scoprire quello che c’è là fuori. La maggior parte delle persone ha l’orribile sospetto – fondato, in realtà – che scoprire cosa c’è là fuori non piacerebbe. Una volta che vai oltre la tua esistenza quotidiana e inizi a realizzare fatti che non hai affrontato prima, il tuo rapporto con la tua esistenza precedente cambia. Se ti presentassi la prova assoluta che c’erano tre persone al mondo che gestivano tutto e pianificavano di farti gassare domani, pensi che potresti relazionarti con la tua vita di tutti i giorni? Il fatto di essere in grado di contemplare seriamente che tali atti sono proprio dietro l’angolo cambia il tuo rapporto con l’ambiente quotidiano. La maggior parte delle persone preferisce bere una birra, andare a una partita di calcio e dimenticarsene, perché è più divertente. Non è bello pensare ai tre tizi con il gas. Tutto ciò che diventa una suddivisione della sindrome dei tre ragazzi con il gas è minaccioso in vari gradi. Ciò di cui hai paura è scegliere qualsiasi fenomeno che sarebbe la rivelazione definitiva di quanto sia schifoso il mondo. Per sapere, nel profondo del tuo cuore, quanto tutto sia davvero schifoso e che non hai possibilità, non hai futuro. È tutto finito. SEI STATO COMPRATO E VENDUTO. SEI MORTO. OK? Questa sarebbe la cosa che nessuno vorrebbe sapere. Una cosa è sospettarlo. Ma saperlo! Questo ti rovina. Le persone hanno paura di tutto ciò che allude a questo. Non vogliono affrontarlo”. (Frank Zappa, Berkeley Barb, 27 marzo-2 aprile 1980)

  • Frank Zappa & Salvador Dalì: unclassifiable Art

    Frank Zappa & Salvador Dalì: unclassifiable Art

    The Grand Wazoo (Think It Over) (Live, dall’album Zappa Wazoo, 2007)

    In copertina: dipinto realizzato da Nick Twaalfhoven

    Salvador Dalì una volta definì Zappa “l’iconoclasta più intelligente e aspro della storia del pop”.
    (Foro Fono, dicembre 1978)

    Durante una breve visita alla East Coast, Eve Babitz (la ragazza che giocava a scacchi nuda con Duchamp) fece in tempo a presentare Frank Zappa a Salvador Dalí (“il mio gesto preferito”) al King Cole Bar del St. Regis, New York. Anche Alice Cooper conobbe Dalì. Questo aneddoto è riportato nel libro “Frank Zappa: A Biography” di Barry Miles. In quell’occasione, non fu permesso a Zappa di entrare senza cravatta ma Dalì gliene passò una. Zappa spiegò a Dalì chi erano i Mothers e lo informò che stavano per provare in studio. Salvador Dalì intendeva assistere alle loro prove e, così, decisero di incontrarsi al Ballon Farm. Sfortunatamente, Herb Cohen (manager di Zappa), non riuscì a convincere il manager del club a far entrare i Mothers, per cui Dalì e sua moglie Gala tornarono delusi in taxi al St. Regis.
    Eve Babitz è stata un’edonista impenitente, la party girl per eccellenza, prima di diventare disegnatrice, fotografa, artista e infine scrittrice di culto.

    La copertina di Zappa Wazoo utilizza il dipinto di Christopher Mark Brennan, ispirato a ”Slave Market with the Disappearing Bust of Voltaire” di Salvador Dali (1940).

    “Un giorno bisognerà ammettere ufficialmente che ciò che abbiamo battezzato realtà è un’illusione ancora più grande del mondo dei sogni”. (Salvador Dalì)
    “L’illusione della libertà continuerà finché risulterà vantaggioso. Nel momento in cui la libertà diventerà troppo costosa, tireranno giù la scenografia e il sipario, sposteranno i tavolini e le sedie e potrai vedere il muro di mattoni in fondo al teatro”. (Frank Zappa)
    C’è molto di Zappa e Dalì che risulta estremamente diverso. La loro vita privata e le inclinazioni politiche difficilmente potrebbero essere più distanti: Dali dalla sessualità deviante riservata, cattolico rinato e monarchico, Zappa che celebra apertamente il sesso, ‘pagano devoto’ e repubblicano (con la ‘r’ minuscola). In gran parte, questo dipende dalle tradizioni molto diverse in cui sono cresciuti.
    Sorprendono di più le notevoli somiglianze del loro approccio al lavoro, nonostante i diversi mezzi usati.
    Innanzitutto, erano entrambi uomini di spettacolo, coltivavano un’immagine di sé stessi altamente memorabile e distintamente strana. A dire il vero, Dalì ha lavorato sulla sua follia eccentrica con un gusto che Zappa non uguagliava ed a cui non aspirava. La stravaganza di Dalì era spesso fine a se stessa, mentre quella di Zappa era al servizio di qualche obiettivo importante.
    La loro produzione è notevole. Zappa ha più di 1200 composizioni protette da copyright e si suppone che Dalì abbia prodotto oltre 1500 dipinti. Ciò che sorprende è la loro ossessione per la qualità, la perfezione al servizio dell’assurdità.
    L’attenzione quasi fotografica, i dettagli iperreali nel creare assurde fantasie oniriche di Dalì. Anche Zappa trascorreva notti intere per ottenere i migliori dettagli sonori di una produzione senza soluzione di continuità.
    Entrambi erano professionisti, maestri della loro arte, pienamente consapevoli di ciò che realizzavano in anticipo sul loro tempo, spesso riferendosi al lavoro dei maestri del passato.
    Il talento di Dalì sarebbe stato riconosciuto più ampiamente se non avesse scelto di dipingere in modo così audace. Questo riconoscimento non gli interessava come non interessava a Zappa: il loro obiettivo erano le assurdità dietro questi preconcetti, dietro la cosiddetta normalità. Zappa e Dalì dimostrano che è la normalità ad essere assurda: una volta che ce ne liberiamo, tutto diventa possibile.
    Bisogna penetrare dietro la loro follia. Dalì è cosciente di sfruttare i sogni, come Zappa è cosciente del massimalismo del suo lavoro: entrambi hanno sfumature psichedeliche. Suggeriscono un uso massiccio di droghe ma né Dalì né Zappa le hanno mai usate (“Non mi drogo. Sono io la droga”).
    Peccato per l’occasione perduta al Ballon Farm di un incontro tra Dalì e i Mothers durante le prove. Col loro amore comune per il Dada (Dalì è menzionato nella lista delle influenze di Freak Out) sarebbe potuta nascere un’interessante collaborazione creativa. Il lavoro di Dalì e Zappa trascende i generi convenzionali. L’apparente follia era il frutto di un lavoro estremamente duro.
    (tratto dall’articolo “Taking themselves surrealiously: Paralloiac Worlds in FZ and Dalì” di Tom Demonay – The Rondo Hatton Report vol X, 21 marzo 2012)

    Il dipinto “Visage du Grand Masturbateur” simboleggia le ossessioni sessuali ed erotiche di Dalì, tanto che è stato definito da una parte della critica come un’opera a carattere autobiografico e citata nell’opera letteraria The Secret Life of Salvador Dalí (1942).

    Eve Babitz
    Eve Babitz gioca a scacchi nuda
    Due immagini con Eve Babitz mentre gioca a scacchi nuda.
    Alice Cooper e Salvador Dalì
    Alice Cooper e Salvador Dalì
  • Frank Zappa, Baby Snakes: ‘a movie about people who do stuff that is not normal’, review

    Frank Zappa, Baby Snakes: ‘a movie about people who do stuff that is not normal’, review

    Baby Snakes trailer
    Le animazioni di Bruce Bickford per Baby Snakes

    ‘Un film su persone che fanno cose anormali’. Con questo sottotitolo Frank Zappa ha presentato Baby Snakes, un crudo reportage sui suoi spettacoli al Palladium nella tradizione di Halloween, precisamente lo show del 30-31 ottobre 1977.

    Adrian Belew ha raccontato: “Ci siamo divertiti. Seguivo Frank come un cucciolo, non ne avevo mai abbastanza. Era pieno di informazioni, era divertentissimo e quando parlava ti incantava. Una volta, alle prove, stavo spostando la mia pedaliera per lo studio e lui disse: ‘Se hai finito di giocare al trasloco, ti spiacerebbe unirti a noi?’. La sua mente era sempre in movimento. Tirava fuori gli spartiti e iniziava a scrivere musica all’aeroporto o in aereo. L’editing del film Baby Snakes ha richiesto solo tre notti – due show di tre ore a notte senza intervalli tra i pezzi, qualcosa di incredibile. Registrava qualsiasi cosa, anche i soundcheck che potevano durare anche tre ore. Aveva creato un intero Zappaverso, un mondo diverso. Non esisteva nient’altro”.
    (Classic Rock, luglio 2015)

    Con Baby Snakes Zappa ha dimostrato, una volta di più, di frantumare con la partecipazione attiva del pubblico la classica divisione tra artista e spettatori.
    Il film è considerato dalla critica un’opera sociologica di prima mano. Cinema alla Zappa che non rispetta le convenzioni del film rock e neanche le innovazioni del surrealista 200 Motels. E’ ‘un’estensione della mia pratica musicale’ ha detto Zappa (Rock & Folk, 1980).
    E’ la fede incrollabile di Zappa in se stesso, l’oltraggioso senso dell’umorismo (come in “cose che non sono normali”) e la sua indiscutibile capacità di realizzare che gli ha permesso di completare contro ogni previsione progetti come Baby Snakes. Zappa ha fatto tutto da solo, anche il viraggio finale dei colori, tranne l’animazione di Bickford, realizzata sempre sotto la sua direzione.
    “È il tipo di film” ha spiegato Frank ridendo “in cui se ti alzi per fare una pisciata o per prendere dei popcorn, al tuo ritorno riprenderà. Ma non credo che ti alzerai per il Popcorn” (Circus, 19 febbraio 1980).
    Non c’è nessun montaggio cronologico: le sequenze concerto, backstage, prove, animazioni di argilla di Bruce Bickford, preparativi, sala, anomalie comportamentali presenti in ogni scena. Roy Estrada e la sua maschera antigas, il gioco sadico con la bambola gonfiabile Miss Pinky, le battute di Frank sulle mutandine che le signore del pubblico gettano sul palco, ecc.

    Baby Snakes è stato presentato in anteprima il 21 dicembre 1979 (il giorno del compleanno di Frank) al Victoria Theatre di New York City in Dolby Stereo. FZ ha installato uno speciale sistema PA nel teatro in modo che potesse suonare proprio come un vero concerto. Visto che era il suo compleanno, Frank decise di distribuire nell’atrio del locale fette di torta a forma di serpente: indossava un cappello da chef.
    Dopo l’ennesima difficoltà a trovare un distributore, Zappa decise di distribuire il film in modo indipendente attraverso la sua società di produzione Intercontinental Absurdities. Il film andò in onda 24 ore su 24 al Victoria Theatre di NYC e lui realizzò un ottimo profitto. Ha anche ricevuto un premio a Parigi nel 1981, il Premier Grand Prix per il genere ‘film musicale’.
    Il film è stato prodotto interamente da Zappa ed è costato 500.000 dollari. Per finanziarlo, ha lavorato sodo facendo più concerti. In un’intervista rilasciata a Michael Branton per Collage (dicembre 1977), Frank disse: “ci sono questi piccoli serpenti e c’è l’Universo e l’interconnessione tra loro”.
    Oltre alle registrazioni del 30-31 ottobre 1977 (Palladium), il film contiene anche le sessioni di sovraincisione di Sheik Yerbouti dell’estate 1978. L’intervista e il filmato dello shopping furono girati a Monaco (Germania) nel settembre 1978.
    Baby Snakes è stato pubblicato in VHS nel 1987 (versione originale lunga) ed è stato ristampato in DVD il 9 dicembre 2003 dalla Eagle Vision United States con un sonoro rimasterizzato in 5.1 Surround.
    L’album Baby Snakes, colonna sonora dell’omonimo film, è stato pubblicato nel 1983.

  • Stravinsky’s influence in Frank Zappa Music: the ‘stolen’ compositional techniques (part 2)

    Stravinsky’s influence in Frank Zappa Music: the ‘stolen’ compositional techniques (part 2)

    Echidna’s Arf (Of You) (Roxy & Elsewhere)
    Toad of the Short Forest (Weasels Ripped My Flesh)

    https://www.youtube.com/watch?v=O8c5D_PXE2I

    Tecnica compositiva n. 2: Stratificazione
    La seconda tecnica compositiva che Zappa prese in prestito da Stravinsky fu l’uso della Stratificazione, ovvero la separazione delle idee/aree musicali giustapposti nel tempo. Gran parte delle idee presentate sono solo brevi frammenti (che spesso non si risolvono) e questo provoca tensione. Stravinskij incorpora questa tecnica nelle Sinfonie di strumenti a fiato dando aspre dissonanze create dai legni alti e da un corale più bachiano della sezione degli ottoni. L’uso più diffuso della Stratificazione nel lavoro compositivo di Zappa proviene da Echidna’s Arf (Of You) e Don’t You Ever Wash That Thing? (Roxy & Elsewhere e You Can’t Do That On Stage Anymore Vol.2). Un altro esempio di Stratificazione è RDNZL (You Can’t Do That On Stage Anymore Vol. 2).

    Tecnica compositiva n. 3: Polimetro
    L’ultima tecnica compositiva che Zappa prende in prestito da Stravinsky è il Polimetro, caratterizzato da due o più indicazioni di tempo simultanee all’interno di un brano musicale. Stravinskij l’ha incorporato in gran parte
    della sua musica da balletto tra cui “Procession of the Oldest-and-Wisest’ da Rite of Spring.
    Un ottimo esempio di polimetria nella musica di Zappa viene dalla canzone Toad of the Short Forest (Weasels Ripped My Flesh): il brano è stato registrato in studio mentre la sezione del polimetro è stata registrata live e poi inserita nella versione in studio. Nell’introdurre la sezione del polimetro, Zappa spiega al pubblico: “In questo preciso momento sul palco abbiamo il batterista A che suona 7/8, il batterista B suona in 3/4, il basso in 3/4, l’organo in 5/8, il tamburello in 3/4, il sax alto si soffia il naso”.

    Con queste idee di Citazioni musicali, Isomelismo, Polimetro e Stratificazione, senza dubbio Zappa è stato influenzato da Igor Stravinsky nel corso di tutta la sua carriera musicale. Inserendo queste idee nella sua musica, ha dimostrato di rendere onore ad un compositore tanto importante che ha influenzato la sua vita, nella speranza che altre persone iniziassero ad appassionarsi a quella musica che l’ha ispirato.

    (estratto da ‘Stravinsky’s influence in Frank Zappa Music: part 2 & part 2 by John Anthony – The Rondo Hatton Report vol X 21 marzo 2012 e vol XI 21 giugno 2012)

    Hai mai incontrato Igor Stravinsky?
    “No, però ho incontrato il suo postino a Hollywood. In effetti, il suo postino era il mio insegnante di inglese al liceo. Dopo aver lasciato la scuola dove insegnava, ha scoperto che poteva fare più soldi come postino e Stravinsky era sulla sua strada”. (RockBill, novembre 1984)

  • Stravinsky’s influence in Frank Zappa Music: the ‘stolen’ compositional techniques (part 1)

    Stravinsky’s influence in Frank Zappa Music: the ‘stolen’ compositional techniques (part 1)

    City of Tiny Lites (Make A Jazz Noise Here. 1988)
    In-A-Gadda Stravinsky (Guitar, 1988)
    Jumbo Go Away (You Are What You Is, 1981).

    Nel 1944, Stravinsky si recò a Boston per i concerti con la Boston Symphony dove presentò il suo arrangiamento di Star Spangled Banner che un giornalista dell’Associated Press definì uno scandalo nazionale per le armonie strane e un po’ dissonanti. Pare che il pubblico rinunciò ad accompagnare la partitura. La stampa sostenne che il pubblico perplesso accolse l’inno di Stravinsky con un ‘silenzio sbalordito’. Aspettavano di sapere se Stravinsky sarebbe stato arrestato. La sua linea di basso e le voci interiori suggeriscono un accenno al peso russo della “Grande Porta di Kiev”.
    L’immagine di Igor Stravinsky in copertina non è una foto segnaletica ma una foto usata per il visto anni prima, insomma non è stato arrestato per aver profanato l’inno nazionale americano.

    Igor Stravinskij ha avuto un’influenza particolarmente importante nella musica di Frank Zappa.
    Zappa prese in prestito le tecniche compositive da Stravinsky: tra queste, l’Isomelismo, il Polimetro, la Stratificazione e la Citazione musicale.

    Citazione musicale
    Una volta Igor Stravinskij disse: “I buoni compositori prendono in prestito, i grandi compositori rubano”. Frank Zappa deve aver preso a cuore quella citazione.
    Durante tutta la sua carriera musicale, Zappa ha ‘rubato’ molte citazioni musicali a personaggi famosi, compositori e musicisti pop, riproducendo le citazioni alla lettera nella sua musica o prendendo le citazioni per trasformarle in una nuova idea musicale. Alcuni frammenti delle canzoni che ha incorporato nella sua musica includono “Bolero” di Maurice Ravel, “Purple Haze” di Jimi Hendrix, “Theme From Bonanza” e “Theme from Piano Concert No. 3” di Bela Bartòk. Il grosso delle citazioni musicali di Zappa proveniva, però, da Stravinsky.
    Esempi di prestito musicale sono Status Back Baby (Playground Psychotics, 1992) dove inserisce i primi trenta secondi di Petrushka, City of Tiny Lites (Make A Jazz Noise Here. 1988) dove inserisce Royal March da L’Histoire Du Soldat. La band esegue questo brano due volte a ritmo più veloce rispetto al pezzo originale di Stravinsky. In precedenza, nel 1968, Zappa ha usato L’Histoire Du Soldat nella canzone Soft Cell Conclusion (Absolutely Free). Un’altra canzone che contiene una citazione di Stravinsky è In-A-Gadda Stravinsky (Guitar, 1988), probabilmente un’improvvisazione sul palco dove Zappa cita effettivamente la melodia di apertura di Rite of Spring. Un ultimo esempio di citazione musicale è Fountain of Love (Cruising with Ruben & the Jets, 1968) che contiene un finale con Rite of Spring.

    Tecnica compositiva n. 1: Isomelismo
    La prima tecnica compositiva che Zappa prese in prestito da Stravinskij fu l’utilizzo dell’Isomelismo: consiste in una serie di altezze che vengono preservate (o trasposte) mentre i ritmi sono alterati. Brett Clement afferma che Zappa avrebbe potuto trarre l’idea dell’Isomelismo presente in molti dei primi balletti di Stravinskij che lui conosceva molto bene. Esempi di Isomelismo provengono dai brani Oh No (Weasels Ripped My Flesh, 1970) e Jumbo Go Away (You Are What You Is, 1981).

    (estratto da ‘Stravinsky’s influence in Frank Zappa Music: part 1 & part 2 by John Anthony – The Rondo Hatton Report vol X 21 marzo 2012 e vol XI 21 giugno 2012)

    https://www.youtube.com/watch?v=2wg39GZfd_o

  • Frank Zappa & The Mothers Of Invention – Festhalle Mustermesse (Basel, Switzerland, 1974 10 01)

    Frank Zappa & The Mothers Of Invention – Festhalle Mustermesse (Basel, Switzerland, 1974 10 01)

    FZ, Napoleon Murphy Brock, Tom Fowler, George Duke, Ruth Underwood, Chester Thompson, Mike Urso, James “Bird Legs” Youmans, Jeff Simmons (Early Show)

    Tracklist

    Tush Tush Tush
    Stink-Foot
    Inca Roads
    Cosmik Debris
    Approximate Part 1
    Approximate Part 2
    Florentine Pogen Preamble
    Florentine Pogen
    Penguin In Bondage
    T’Mershi Duween
    Dog Meat
    Building A Girl
    Tuning – Preamble
    Camarillo Brillo
    Oh No
    Son Of Orange County
    More Trouble Every Day

    Il 1° ottobre 1974 Frank Zappa si esibì in un doppio concerto insieme ai Mothers of Invention al Festival Mustermesse di Basilea, in Svizzera.

  • Frank Zappa, Orchestral Favorites: Live at Royce Hall, 9-18-1975, review

    Frank Zappa, Orchestral Favorites: Live at Royce Hall, 9-18-1975, review

    Pedro’s Dowry
    Lumpy Gravy – Extract – Improvisation
    The Adventures Of Greggery Peccary

    Dopo aver composto l’intero album “Lumpy Gravy” da solo, Zappa si è avvalso dell’assistenza di un gruppo di musicisti di formazione classica che ha soprannominato Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra.
    L’ensemble musicale era di prim’ordine, considerato la crème de la crème delle sessionier della West Coast: basta citare Victor Feldman (il maestro delle vibrazioni inglesi), Bunk Gardner con i suoi legni, il batterista John Guerin, i suonatori di corno francese Vincent DeRosa, Richard Parissi e Arthur Maebe, l’asso della colonna sonora Pete Jolly, i chitarristi Dennis Budimir e Tommy Tedesco.
    ‘Orchestral Favorites’, oggi ritenuto il primo album veramente classico di Frank Zappa, raccoglie registrazioni preziose tratte dal Live al Royce Hall (18 settembre 1975).

    Un’idea precisa di Zappa se l’è fatta chi, un anno e mezzo fa, era alla U.C.L.A., l’università statale californiana, per l’incisione dal vivo di un album mai pubblicato con l’Abnuceals Emuukha Electric Symphony Orchestra.
    Ci trovammo davanti una specie di piccolo Palazzo dello sport illuminato a giorno.
    L’orchestra sul palco era una di quelle serie. Il maestro, per quanto bizzarro, pure. Perfino Zappa era serio mentre sedeva al centro della sala di fronte a macchinari pazzeschi per la registrazione di questo suo esperimento di musica contemporanea.
    Un’ora è filata liscia così fra una cascata di suoni sconnessi con Zappa che si alternava alla direzione dell’orchestra con il maestro sempre più sudato. Il tutto, per quanto strano, risultava divertente. Alla fine Zappa, quando nessuno sapeva più che pensare e i commenti sussurrati erano cessati per lasciare il posto a una sensazione a metà fra lo stupore e la noia, ha voluto spiegare come aveva composto quella musica.
    “Il motivo per cui siamo qui lo sapete, vero? Da tempo volevo cimentarmi in un lavoro che coinvolgesse una vera orchestra. La musica che avete ascoltato finora è stata composta di getto. Niente scervellamenti a tavolino per riempire gli spartiti. Qualcun altro ha pensato man mano a trascrivere una serie d’improvvisazioni culminate nell’esibizione di questa sera. Ora eseguiremo un pezzo improvvisandolo come abbiamo fatto durante la preparazione io e l’orchestra”.
    A quel punto Zappa introdusse il pubblico alla parte più assurda e interessante di tutta la serata. Cominciò rivolgendosi prima ad un musicista poi all’altro, poi a tutti contemporaneamente. Con la voce e con i gesti chiedeva, ad esempio, al trombone, di ripetere una certa tonalità. Mentre a gesti e parole faceva capire al trombone di continuare così, si rivolgeva al violino; poi, man mano, imitando con la voce i suoni e con le mani i tempi, al clarino, batteria, arpa, trombe, oboe, viole, piano, chitarra, ecc.
    Zappa, scatenato e quasi in stato di trance, conduceva i 37 componenti dell’orchestra, fra un “poh, poh, tzih, tzih, dlen, dlang, tunf, plin, tock, peeh, zum, din, fiuù …” nell’esecuzione più sconvolgente della intera serata. La curiosità del pubblico era stata soddisfatta. Per quanto pazzo possa essere condurre un’orchestra in quel modo, Zappa lo trovava divertente, come i presenti. (Vincent Messina, Popster, settembre 1977)

    “Frank ha scritto Black Page perché, quando facevamo un concerto con un’orchestra di 40 elementi (The Abnuceal Orchestra), continuava a sentire musicisti in studio a Los Angeles parlare con timore delle prove mattutine in cui il ‘lato nero’ veniva messo davanti ai loro occhi. Ecco perché ha deciso di scrivere il suo ‘black side’”. (Terry Bozzio intervistato da Andrew Greenaway, 17 settembre 1992 – Glissando, dicembre 2007)

    A causa delle controversie legali che Zappa stava attraversando, tutta questa grande musica è stata messa da parte per oltre 40 anni. Secondo quanto ha riferito il Vaultmeister Joe Travers, quando Zappa fornì i nastri di Orchestral Favorites alla Warner Brothers come parte degli obblighi contrattuali dell’epoca, non aveva dato loro la “bobina master tone” che viene utilizzata per allineare correttamente i registratori per la riproduzione. Inizialmente, Orchestral Favorites (pubblicato nel 1979) conteneva 5 tracce: Strictly Genteel, Pedro’s Dowry, Naval Aviation in Art?, Duke of Prunes e Bogus Pomp.
    In seguito, i produttori hanno trovato la bobina del master tone con un suono decisamente migliore. I trasferimenti ad alta risoluzione dei nastri originali sono stati masterizzati per il digitale da Bob Ludwig e Bernie Grundman per l’uscita in vinile. La rimasterizzazione su CD è stata realizzata con i mix del 2019 di Craig Parker Adams creati dai master tapes originali da 2 pollici a 24 tracce.
    Il triplo disco rimasterizzato nel 2019 (UMG) include Strictly Genteel, Pedro’s Dowry, Naval Aviation in Art?, Duke of Prunes, Bogus Pomp, Revised Music for Low-Budget Symphony Orchestra, Rollo, Black Napkins, Dog / Meat, Lumpy Gravy (Extract) Improvisation, The Adventures of Greggery Peccary.

  • Frank Zappa & Orchestral Music (part 2)

    Frank Zappa & Orchestral Music (part 2)

    Envelopes – The Mothers 1970 (UMG, 2020)

    “Penso che la principale differenza tra quello che faccio io e la musica classica contemporanea sia che la maggior parte dei suoi creatori non sono “caldi” e non hanno nemmeno il senso dell’umorismo. Sebbene siano persone estremamente istruite, intellettuali, stimolanti e interessanti, la loro musica è di solito terribilmente noiosa” (Frank Zappa, Jazz Forum, settembre 1974)

    Frank Zappa “come musicista era una figura eccezionale perché apparteneva a due mondi: quello della musica pop e quello della musica classica. E non è una posizione comoda”. (Pierre Boulez)

    L’ossessione per l’orchestra perfetta seguì Zappa, con singolare successo, per tutta la vita. The Best Band You Never Heard In Your Life, registrato nel 1988, non è solo uno dei più importanti album live di Frank Zappa, ma anche la conclusione di un vecchio sogno: far suonare una band come un’orchestra.
    Zappa dirigeva in maglietta e con una sigaretta in bocca, una sorta di beffardo monito alla rigidità e alla divisione dei grandi direttori d’orchestra che ammirava.
    (Cuadernos de Jazz, settembre-ottobre 1997)

    Lumpy Gravy (1967) non è un’opera “seria” compiuta, ma un collage unitario di spezzoni varesiani, momenti stile colonna sonora dell’epoca, momenti musical, parti beat, montaggi elettronici e parlato. E’ stato ispirato da Edgar Varése, dal mondo sperimentale della musique concréte, da John Cage, dalla moda per la sperimentazione del nastro tagliato e dall’intera scena avant-garde che si è infiltrata in alcuni filoni del rock intorno al 1966/67.
    Lumpy Gravy è stato l’album in cui Zappa ha diretto una grande orchestra, il primo album da solista: presenta un paesaggio sonoro simile a quello di John Cage, registrato con un’orchestra di 50 elementi.
    Fu pubblicato per la prima volta in una forma diversa, su una cartuccia a quattro tracce, nel 1967, e poi rieditato nello stesso anno per l’uscita in vinile nel 1968.

    Orchestral Favorites è il primo disco veramente classico di Frank Zappa.
    I tour del Grand Wazoo e del Petit Wazoo (1972) danno luogo a importanti momenti orchestrali, da vera e propria big band jazzistica, con partiture curate e al contempo diverse concessioni al free.
    Nel 1982, Zappa aveva i mezzi sufficienti per assumere la London Symphony Orchestra (LSO) e Pierre Boulez gli commissionò di comporre un pezzo per l’Ensemble Intercontemporain. La LSO, orchestra autogovernata, si offrì volontaria per cogliere questa opportunità.
    L’obiettivo di Zappa era quello di ottenere il maggior numero di registrazioni possibile nei circa otto giorni disponibili.
    La LSO ha ricevuto un ampio programma di un’ora e mezza di musica, originariamente pubblicato in due volumi. Il primo del 1983 con nuove composizioni, il secondo del 1987 contenente principalmente versioni per grande orchestra di musica derivante da “200 motels” e “Orchestral Favorites”.

    Pedro’s Dowry è uno dei brani più varesiani ma, rispetto a Varèse, c’è più poliritmia, più scomposizione timbrica, ed è questo il contributo autonomo di Zappa alla musica contemporanea.
    Bogus Pomp, brano appartenente a una fase antecedente della maturazione zappiana (fine anni ’60), fa apprezzare la capacità dimostrata da Zappa di essersi saputo evolvere nel tempo anche nella musica “sinfonica” dando un personale ed originale contributo alla musica orchestrale del Novecento.
    Decisamente riuscito appare Sinister Footwear, noto balletto in tre movimenti, nella versione orchestrale, presente in un raro bootleg (Serious Music, 1983, Berkeley Symphony Orchestra).

    Zappa, affascinato e influenzato da compositori classici come Igor Stravinsky, Varese, Boulez e John Cage, oltre a far eseguire alle sue band arrangiamenti di brani di Bartok, Ravel, Tchaikovsky e Stravinsky sottolinea che scrive principalmente composizioni orchestrali sul suo Synclavier 9600, la tastiera digitale high-tech e il computer di campionamento collegato al suo studio di casa, l’Utility Muffin Research Kitchen.
    È qui che è stata concepita l’ultima gemma di Zappa di un album delle sue opere orchestrali dissonanti, stravaganti e inquietanti, The Yellow Shark.
    Eseguito in concerto dal gruppo di musica classica contemporanea europea Ensemble Modern composto da 25 membri, The Yellow Shark è una raccolta simile a una suite di nuovi arrangiamenti di brani classici di Zappa e nuovi lavori commissionati per il progetto (Pulse! agosto 1993).

    “Con il Synclavier puoi letteralmente sederti e suonare ogni parte di un’orchestra, risincronizzare, modificare e persino riorchestrare ogni parte. Mi dà la possibilità di essere non solo il compositore ma anche il direttore d’orchestra, perché posso orchestrare le dinamiche nel pezzo. Se riesci a pensare in questo modo globale, puoi davvero avere il controllo completo sulla tua composizione”.
    (Stereo Review, giugno 1987)

    https://www.youtube.com/watch?v=ett3jq5iV5M

  • Frank Zappa & Orchestral Music (part 1)

    Frank Zappa & Orchestral Music (part 1)

    Bogus Pomp (Live al Royce Hall, 1975)

    Zappa è stato il primo musicista a portare un orientamento classico nel mondo rock producendo brani che potrebbero essere considerati rhythm and blues sinfonici. Con il suo gruppo, The Mothers of Invention, nell’estate del 1967 Frank Zappa portò una teatralità brutale e spontanea sul palco rock del Garrick Theatre, molto prima che lo facesse chiunque altro.
    Uno dei maggiori contributi di Zappa alla musica contemporanea è aver introdotto la vena melodica anche negli stilemi dell’avanguardia.

    “L’orchestra è il più grande strumento musicale. Suonarlo è un’esperienza incredibile a cui niente è paragonabile, tranne forse cantare un’armonia doo-wop degli anni ’50 e sentire gli accordi uscire bene”. (Frank Zappa, Glissando, marzo 2005)

    “Un’orchestra è molto simile a un dinosauro. La testa è davvero minuscola e il corpo è davvero grande e, quando il pensiero va da lì a qui, la coda è già marcia. Questa è la cosa peggiore dello scrivere per un’orchestra” (Frank Zappa)

    Frank Zappa iniziò a scrivere musica per orchestra da adolescente, dopo essersi ‘innamorato’ di Edgar Varèse, compositore che scrisse intenzionalmente pezzi disarmonici. “Non mi interessavano Beethoven, Mozart o roba del genere, non suonavano in modo interessante. Volevo ascoltare musica strana”.
    A 20 anni Frank Zappa scrisse la prima partitura per large ensemble (Opus 5), una verbosa emulazione di certi lavori di musica per orchestra. E’ la prima musica orchestrale d’avanguardia del giovane Frank Zappa, che presentava come ‘improvvisazione libera’.
    Ha suonato musica ‘seria’ per la prima volta al Mount St. Mary’s College nel 1962. Non aveva mai scritto musica rock and roll fino all’età di 20 anni: scriveva solo musica orchestrale o da camera, che non aveva mai suonato prima del concerto al Mount St. Mary’s College. Il 19 maggio 1963 le composizioni sono state suonate dalla Pomona Valley Symphony Orchestra. Il concerto è stato registrato da Carlos Hagen, impegnato in una produzione radiofonica per la stazione FM underground in forma libera KPFK.
    Da adolescente, Zappa studiò da autodidatta le partiture per orchestra di Webern, Stravinsky e Schoenberg.
    Per lui, il conservatorio imponeva metodi di studio nemici giurati della creatività.
    Zappa dichiarò: “Quelli che oggi definiamo ‘i grandi capolavori della musica’ furono composti per soddisfare i gusti dei sovrani, della Chiesa o dei dittatori, perché erano loro che pagavano. Se un compositore non piaceva a quelle persone era finito, gli tagliavano le dita o la testa, oppure lo mandavano in esilio: non c’erano molte vie di mezzo. Oggi è la stessa cosa. Io non compongo per i re, per la Chiesa o per i governi, ma per i miei amici ed è così che vorrei che si percepisse il mio lavoro: come entertainment”. (Sonora)

    Quando ha formato i Mothers, Zappa aveva scritto molta musica per orchestra e da camera, che non riusciva a far suonare. Gli interessavano certe cose ritmiche non comuni né alla musica popolare né a quella orchestrale e voleva lavorare su quelle. “La band era l’unica cosa che mi avrebbe permesso di farlo”
    (Berkeley Barb, 27 marzo-2 aprile 1980).
    Zappa e i Mothers combinavano musica sinfonica, jazz e brani parlati del teatro dell’assurdo, trasportando il tutto su una base rock ‘n roll, attirando così la curiosità dei giovani. Zappa ha cancellato il confine tra high e pop art, il che ha rappresentato un grande gesto di emancipazione.
    Nel 1968, in una comunicazione ufficiale, Frank Zappa dichiarò che la formazione ideale dei Mothers in quanto “perfetta band di rock’n’roll” sarebbe dovuta consistere in un incrocio tra un’orchestra sinfonica, una big band jazz e un gruppo rock per un totale di 92 strumentisti tra cui, oltre a una marea di archi e fiati, “4 percussionisti che suonino 12 timpani, campane, gong, field drums, tamburi bassi, rullanti, xilofono, woodblocks, lion’s roar, marimba e vibrafono, 4 chitarre elettriche di cui una a 12 corde, un basso e una chitarra elettrica, 2 batteristi e cantanti che suonino anche il tamburello. Non sarò felice finché non avrò tutto questo”.
    (dal libro Frank Zappa Domani di Gianfranco Salvatore)

    “Ero pronta a dedicare tutta me stessa alla musica di Frank. Lui sapeva veramente quali pulsanti premere, da un punto di vista sia emozionale che musicale, sapeva come sintetizzare le personalità e il talento singolo dei suoi musicisti, il che per me è una dote davvero rara. Non era soltanto un direttore d’orchestra che se ne sta sul palco ad agitare le braccia: ci suonava come fossimo strumenti! Anch’io divenni una perfezionista perché – suppongo – dovevo esserlo. Fu la più grande esperienza della mia vita e anche la più difficile. Frank divorava musica; era l’unica cosa alla quale pensasse. Ascoltavamo la sua musica sull’autobus, durante i soundcheck la provavamo, alla sera la suonavamo e il giorno dopo la analizzavamo: tutto era musica.” (Ruth Underwood)

    https://www.youtube.com/watch?v=3M99UvwXQ1k