Frank Zappa's mustache - Music is the Best

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  • Frank Zappa, remarks on Art: quotes, While You Were Out, While You Were Art I & II

    Frank Zappa, remarks on Art: quotes, While You Were Out, While You Were Art I & II

    While You Were Out (dall’album Shut Up And Play Yer Guitar, 1981)
    While You Were Art I (1985, Synclavier)
    While You Were Art II (dall’album Jazz From Hell, 1986)

    “La nostra è un’arte speciale, in uno spazio negato ai sognatori”.
    (Frank Zappa)

    “Non credo ci dovrebbero essere barriere. Penso che l’arte dovrebbe appartenere a tutte le persone e non solo a poche persone che pensano di essere davvero specialisti o qualcosa del genere”.
    (Frank Zappa)

    “Visto che molti musicisti scrivono ed eseguono il loro materiale e lo considerano (che vi piaccia o no) la loro Arte, l’imposizione di una censura li stigmatizzerà come individui”.
    (Frank Zappa, Statement to Congress, 19 Settembre 1985)

    Nell’arte la cosa più importante è la cornice. Nella pittura è letteralmente così, per le arti solo in senso figurato, perché senza quell’utile oggetto non è possibile capire dove finisca l’Arte e dove inizi il Mondo vero.
    (Frank Zappa)

    “Stiamo tornando ai secoli bui. Qualsiasi Paese che decide che l’economia è più importante dell’arte è in grossi guai. Non c’è motivo per cui quel Paese debba continuare ad esistere. Sono solo la musica, l’arte e le cose belle realizzate che contraddistinguono un Paese e gli conferiscono un’identità nel corso degli eoni”.
    “L’antica Grecia è sopravvissuta grazie alle opere d’arte e alle cose belle – anche se viene divorata dall’acido solforico nell’aria – ma chi se ne fotte dell’economia dell’antica Grecia? A nessuno importa. In un modo o nell’altro, sono riusciti a realizzare bellissime statue, bei templi, cose che sono durate, che contano ed anche opere che riguardavano la musica”.
    “La vita è una merda senza arte, senza musica. Senza qualcosa di bello, non c’è motivo di essere qui, una società del genere dovrebbe semplicemente morire”.
    (Music Exchange, settembre-ottobre 1982)

    “Negli Stati Uniti sono disposti ad accettare l’idea secondo cui qualsiasi sostegno all’attività artistica è in qualche modo malsano, quando in realtà se si guardano i numeri economici, è possibile dimostrare che l’investimento nell’arte crea posti di lavoro a vantaggio di persone che non hanno nulla a che fare con l’arte.
    Prendiamo, ad esempio, un’area decadente del centro come SoHo a New York. Prima che gli artisti si trasferissero a SoHo, c’erano solo magazzini: era un’area fatiscente. Quindi alcuni artisti si sono trasferiti, hanno dipinto un po’ e poi hanno aperto una galleria, poi qualcuno ha aperto una caffetteria finché non è avvenuto un cambiamento socioculturale con gente che cerca appartamenti nella zona da 3.000 a 5.000 euro al mese.
    Lo stesso tipo di scenario si è ripetuto in altre città degli Stati Uniti, ma nessuno lo considera mai. Il risultato di pochi dollari spesi per rendere la vita più facile agli artisti alla fine si traduce in profitti per persone che non sono legate all’arte”. (Best of Guitar Player, 1994)

    “Tra vent’anni non credo ci sarà qualcosa che una persona ragionevole potrebbe descrivere come arte. Parlo dell’arte in termini di cose belle e di valore che non vengono realizzate a causa del proprio ego ma solo perché sono belle, solo perché è la cosa giusta da fare. Ci verrà detto cosa è buono e cosa sarà mediocre”.
    (Frank Zappa, The Progressive, novembre 1986)

    “Per me, l’arte della composizione è l’arte di mettere insieme qualunque cosa. L’imballaggio è in certa misura l’estensione dell’opera stessa”. (Popster, aprile 1978)

    La capacità di Frank Zappa di integrare arte bassa e alta in un genere ibrido senza soluzione di continuità è ineguagliabile.
    (The San Bernardino Sun, 6 giugno 1989)

    Frank ha sempre giocato al limite, lì dove l’arte diventa follia e il letame diventa terreno fertile. O vieni coinvolto nella musica di Zappa o lui non ti vuole, e tu non lo vorrai in nessun modo.
    (Sounds, 18 dicembre 1976)

    “While You Were Art II” è una composizione di Synclavier pubblicata nell’album Jazz From Hell del 1986, ma le sue origini si estendono ad un assolo di chitarra eseguito alla fine degli anni ’70 nello studio di Frank Zappa e pubblicato nell’LP Shut Up ‘n Play Yer Guitar con il titolo “While You Were Out”. Quella traccia presenta un assolo di Zappa su un vamp lento fornito dal chitarrista Warren Cuccurullo e dal batterista Vinnie Colaiuta; rientra da qualche parte tra “Seven Types of Industrial Pollution” e “Rubber Shirt.”.
    Zappa ha trascritto e programmato l’assolo e l’accompagnamento nel Synclavier, trasformando un assolo di chitarra rock in un pezzo classico contemporaneo: “While You Were Art I” (non pubblicato ufficialmente, che apparve nel cofanetto bootleg Apocrypha). Poi ha aggiunto variazioni ottenendo “While You Were Art II”. È divertente scoprire come, pur essendo presenti tutte le note, non sia rimasto nulla dell’atmosfera dell’assolo originale.

  • Joe Travers meets Frank Zappa (Zappa Plays Zappa, live Trouble Every Day): review, interview

    Joe Travers meets Frank Zappa (Zappa Plays Zappa, live Trouble Every Day): review, interview

    Zappa Plays Zappa, Trouble Every Day (Live 2008)
    con Dweezil Zappa (chitarra solista), Aaron Arntz (tastiere), Scheila Gonzalez (voce, sassofono, tastiere), Billy Hulting – Mallet Percussion (xilofono, percussioni), Pete Griffin (basso), Joe Travers (batteria), Jamie W. Kime (chitarra)
    Ospiti speciali: Napoleon Murphy Brock (voce solista, sassofono), Steve Vai (chitarra solista), Terry Bozzio (batteria)

    Nel 2008, è stato pubblicato un DVD (una doppia collezione di DVD girata a Portland e Seattle) che documenta il tour del 2006 della tribute band Zappa Plays Zappa guidata da Dweezil Zappa, il figlio maggiore di Frank. Questo filmato è estratto dal suddetto DVD.

    Potrebbe non esserci un altro batterista che conosca la musica e i batteristi di Frank Zappa meglio di Joe Travers. In effetti, la sua conoscenza e il suo amore per tutto ciò che riguarda Zappa gli hanno valso l’incarico di custode e responsabile del restauro della sacra tomba della famiglia Zappa. The Vault contiene oltre trent’anni di inestimabili performance, prove, interviste ed altro di Frank Zappa su videocassette e audiocassette, di ogni tipo e formato immaginabile, situati in una stanza a temperatura controllata sotto la casa di Zappa a Los Angeles. Travers sta celebrando il suo dodicesimo anno come Vaultmeister e, con così tanti filmati archiviati da ripristinare e pubblicare, il lavoro di Travers sembra assicurato per molti anni a venire.
    Travers ora occupa la poltrona di batteria nel concerto dei suoi sogni che fa parte del progetto Zappa Plays Zappa. Nella mente di Dweezil, nessun batterista è più qualificato di Travers per il concerto.

    “Sono il responsabile della conservazione dell’intero deposito dei nastri di Frank Zappa, il mio compito è assicurarmi che continuino a vivere. C’è ogni tipo di formato audio e video immaginabile, che abbraccia l’intera carriera di Frank. Anche se i nastri più vecchi sono stati archiviati correttamente, sopravvivranno solo per un certo periodo. Ci sono delle precauzioni che devono essere prese prima di inserire i nastri nei registratori, per garantire la loro qualità prima di digitalizzarli. Devo trattare termicamente i nastri più vecchi prima di metterli sulle macchine, altrimenti l’ossido se ne va dal retro del nastro, cosa che potrebbe rovinarlo per sempre. Una volta trattato il nastro, riesco a riprodurlo solo per un paio di volte prima che la qualità inizi a deteriorarsi. Poi documento ogni nastro e scopro cosa è già stato pubblicato. Dal restante materiale inedito, aiuto a compilare la musica per le future uscite per Zappa Family Trust. Ho avuto la fortuna di incontrare Frank prima che morisse. Mi sono seduto con lui e l’ho visto fare alcune modifiche digitali su un album chiamato Trance-Fusion. Ho anche osservato il suo ingegnere, Spence Christlu, subentrato dopo la morte di Frank. Stava utilizzando un sistema Sonic Solutions e, dopo averlo osservato lavorare per un po’, sapevo che avrei potuto fare il lavoro di Vaultmeister. Dalla giunzione del nastro al montaggio digitale, ho imparato tutto quello di cui avevo bisogno per portare a termine il lavoro, lo faccio dal 1995 e credo che avrò questo lavoro per molto tempo.
    Ascolto la musica di Frank Zappa da quando avevo dieci anni. Avere l’opportunità di suonarlo ufficialmente con la famiglia e gli amici di Zappa è un sogno diventato realtà. Suonare al fianco di Terry Bozzio è qualcosa che non avrei mai immaginato nemmeno nei miei sogni più sfrenati. Suonare “The Black Page” insieme a Terry e scambiarci riff avanti e indietro è stato assolutamente incredibile per me.
    Ci sono tratti forti in ogni batterista che originariamente suonava la musica di Zappa: ognuno di loro ha influenzato il mio modo di suonare in qualche modo. Ralph Humphrey era così intricato e creativo nell’utilizzare le parti di batteria. Chester Thompson aveva un ritmo incredibile. Aynsley Dunbar era un potente musicista jazz/rock. Jimmy Carl Black era un ottimo suonatore di groove, Chad Wackerman era incredibilmente musicale. Terry Bozzio ha portato il rock implacabile nella musica di Frank. Era un ‘animale’ completo dietro il kit. La sua tecnica del contrabbasso è impressa nel mio modo di suonare. Non c’era nessun altro batterista che potesse identificarsi con Frank in senso ritmico meglio di Vinnie Colaiuta. I ‘posti’ in cui Frank e Vinnie andavano durante le sezioni di improvvisazione provenivano da un altro pianeta.
    In realtà, John Bonham è il mio batterista preferito di tutti i tempi. Quando mi chiedono chi sono i miei batteristi preferiti, rispondo ‘John Bonham e poi tutti i batteristi di Frank Zappa’ che avevano qualcosa di speciale”. (Joe Travers, Modern Drummer, febbraio 2008)

    Joe Travers assolo di batteria al Royal Albert Hall (2006)

    https://www.youtube.com/watch?v=dTZoOGb1reI

  • Frank Zappa, Live Palasport Rome, August 31, 1973: his handwritten message

    Frank Zappa, Live Palasport Rome, August 31, 1973: his handwritten message

    Concerto al Palasport di Roma, 31 agosto 1973

    Messaggio scritto a mano in prima pagina da Frank Zappa:
    “Questo concerto a Roma è stato finora il migliore del nostro tour in Europa e saremo lieti di tornare presto per ripeterlo. Grazie al grande pubblico per aver reso il nostro primo concerto qui un tale successo”.
    (Super Sound, 17 settembre 1973)

    Esattamente un anno dopo il leggendario concerto ai Palasport del 31 agosto 1973, Zappa tornò a Roma e tenne un altro concerto al Palasport il 6 settembre.

    La sera del 6 settembre 1974 ha preso il via la seconda tournée italiana di Frank Zappa. Il Palasport romano, riempito solo a metà, l’ha accolto trionfalmente. Lo spettacolo ha entusiasmato fin dalle prime battute.
    Lo spirito di Zappa è rimasto intatto e questo suo giro intorno al mondo tende a celebrare il decimo anno di attività dagli esordi di Freak Out. L’altra sera l’abbiamo visto dirigere nuovamente le sue Mothers of Invention con l’inventiva e la genialità di un autentico compositore moderno.
    La politica, il mito della Tv, del baseball e dei western di John Ford rivivono in chiave comica e satirica attraverso la musica magica di Zappa. Il suo spettacolo romano è stato meno teatrale del solito. Il grande blues americano ha vissuto il suo momento di gloria grazie agli assoli pieni di tecnica e maestria che solo Zappa ha portato in Italia. Quest’anno Frank ci è parso meno estroso del solito, più teso a creare della buona musica piuttosto che a propinarci satiriche storie parlate e recitate in uno slang californiano ai limiti del comprensibile.
    Spesso Zappa si fermava per dirigere la sua piccola e indiavolata orchestra ascoltando con piacere il lavoro strumentale svolto da George Duke e Ruth Underwood. Abbiamo visto sul palco un musicista serio, geniale e calcolatore in ogni sua smorfia e nota. L’artista ha eseguito due volte la nostra tradizionale Arrivederci Roma invitando i 15.000 presenti ad un coro spontaneo che non aveva niente di costruito o di smitizzante.
    Zappa non ha perso la grinta degli anni passati né la sua genialità; forse quello che è mancato è stata l’ambiguità del suo personaggio. Rifiutando certi schemi spettacolari ‘da circo’ presenti altre volte, ha preferito presentarsi come artista incredibilmente produttivo e prolifico. Le sue macchiette e i suoi personaggi di furbo clown hanno soltanto coronato lo spettacolo carico di feeling e vibrazioni. L’eco della sua protesta musicale e delle sue denunce contro il qualunquismo della civiltà americana può giungere anche a noi, specialmente quando Zappa è lì davanti a noi tutto teso a dimostrarci le contraddizioni e le ambiguità culturali del Paese più ricco del mondo.
    (Sergio D’Alesio, Super Sound, 16 settembre 1974)

    Lo show è durato due ore e dieci minuti. Il repertorio era semplice e privo di pretese, le esecuzioni meno rigorose e calcolate, basate non tanto sull’improvvisazione collettiva quanto sulla voglia di suonare una musica poco impegnativa con le solite caratteristiche della musica di Zappa che prevede stacchi, pause, entrate a sorpresa di vari strumenti e altre trovate geniali.
    Del resto, anche i momenti di improvvisazione vengono diretti e coordinati da Frank che mediante cenni o gesti prestabiliti, cambia la tonalità, il tempo e tutte le caratteristiche di quello che sta suonando in quel momento. Ci sono stati momenti jazzistici, di rhythm & blues, hard-rock e rock’n’roll.
    Magnifico il solo di piano elettrico di George Duke, verso la metà del concerto, che si inseriva su un tempo molto jazzistico. Zappa è risultato sempre lacerante e selvaggio nei suoi interventi con il wah-wah.
    (Fabrizio Cecca, Super Sound, 16 settembre 1974)

    Frank Zappa – guitar
    Jean-Luc Ponty – violin
    Ian Underwood – woodwinds, synthesizer
    George Duke – keyboards
    Bruce Fowler – trombone
    Ruth Underwood – percussion
    Tom Fowler – bass
    Ralph Humphrey – drums

    Frank Zappa & the Mothers of Invention, RDNZL, Palazzo dello Sport, Roma, 31 agosto 1973

    Dallo show del 31 agosto 1973 al Palasport di Roma:
    Intro
    Eric Dolphy Memorial Barbecue
    Kung Fu
    Penguin In Bondage
    Dog Meat
    RDNZL
    Montana
    Duke Improvisations and Dupree’s Paradise
    Village Of The Sun
    Echidna’s Arf
    Don’t You Ever Wash That Thing?
    Cosmik Debris
    Arrivederci Roma
    Brown Shoes Don’t Make It
    Arrivederci Roma
    Mr Green Genes, King Kong
    Be-Bop Tango, Cucamonga

    Messaggio scritto a mano in prima pagina da Frank Zappa

    Un anno dopo il leggendario concerto al Palasport del 31 agosto 1973, Zappa torna a Roma per un nuovo concerto al Palasport il 6 settembre 1974.

    (Super Sound, 16 settembre 1974)

  • Frank Zappa, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (part 3) Return of the son: interviews, review

    Frank Zappa, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (part 3) Return of the son: interviews, review

    Return Of The Son Of Shut Up ‘N Play Yer Guitar (1981)
    Return Of The Son Of Shut Up ‘n Play Yer Guitar (Live Hammersmith Odeon 1979)

    “La mia idea di divertimento consiste in una canzone molto semplice seguita da qualcosa che va oltre per poi tornare alla semplicità e di nuovo ‘fuori’. Un modo non del tutto complesso e non completamente semplice, ma una combinazione di entrambi. Mi piace anche avere una traccia bonk, bonk, bonk con cose complicate e viceversa: una traccia complicata con melodie molto semplici e dai toni lunghi. La varietà mantiene vivo l’interesse. Devi avere un indizio da cui partire per il pubblico, prima che possa capire quanto siano fantastiche le altre cose. Se non c’è un tempo di base, se non c’è un impulso di base non penso che il pezzo possa funzionare bene”.
    (Guitar Player, maggio 1983)

    Shut Up ‘n Play Yer Guitar è un album live di Frank Zappa pubblicato originariamente in triplo vinile nel 1981 e ripubblicato su CD nel 1986 e 1995. Contiene materiale registrato dal vivo tra febbraio 1976 e dicembre 1980, tranne l’ultima traccia – Canard du Jour – un duetto tra Frank Zappa al bouzouki e Jean-Luc Ponty al violino baritono, registrata nel 1973.

    Fin dal suo ingresso onorario nella Rock & Roll Hall of Fame con il suo album di debutto del 1967, Freak Out, il nome Frank Zappa è stato associato all’irriverenza. La sua discografia fino ad oggi può benissimo essere collocata accanto alle opere raccolte di famosi cinici e commentatori sociali come Mark Twain, George Bernard Shaw e HL Mencken.
    Zappa sembra orgoglioso della sua vena cinica. Sebbene preferisca pensare al suo atteggiamento come realismo del buon senso, ammette: “Non penso che essere cinico sia necessariamente una cosa negativa. Devi sederti e valutare ciò che le persone ti dicono. Devi leggere tra le righe e ci sono molte righe tra cui leggere”.
    Negli ultimi 15 anni, ha fatto proprio questo ma la sua schiettezza ha bollato Zappa come indesiderabile in certi ambienti, è finito nella lista nera.
    “Non vorrei dirlo senza mezzi termini ma ci sono emittenti che non sopportano l’idea di mandare in onda i miei brani” confida Zappa.
    Viene espulso. Il suo materiale è ritenuto troppo controverso o troppo cerebrale o in qualche modo troppo pericoloso per l’esposizione radiofonica; una triste realtà che si riflette nell’amarezza della sua voce mentre spiega le macchinazioni politiche che lavorano per annullarlo.
    “Oggi la radio non è più come una volta. La maggior parte delle stazioni che contano sono programmate da cinque persone che non si trovano nemmeno nella stessa città da cui trasmettono le stazioni radio. Alcune emittenti mi hanno chiesto di fare il DJ per annunciare dischi diversi dai miei. Non lo farei mai”.
    Non c’è spazio per Frank Zappa nelle trasmissioni radiofoniche al di fuori di New York, Long Island e Connecticut. “Secondo la ‘saggezza’ di chi programma le stazioni radiofoniche, un brano che va oltre l’idea di droghe, sesso, rock ‘n roll o rapporto tra ragazzo e ragazza non va in onda”.
    Così, Zappa è entrato in azione. Ha creato la sua etichetta, la Barking Pumpkin Records, escogitando un nuovo schema di marketing per evitare qualsiasi dipendenza dalle trasmissioni radiofoniche.
    Ha inserito una pubblicità sulla copertina interna dell’album You Are What You Is facendo sapere a chi ha già acquistato i suoi precedenti lavori che erano disponibili solo su ordine postale tre album speciali contenenti esclusivamente assoli di Zappa. Nessun testo che possa disturbare qualcuno, solo musica strumentale inedita per chitarristi o fanatici della chitarra, album da collezione.
    La campagna di Zappa solo per posta è un modo astuto per evitare i fastidi della burocrazia delle case discografiche e della politica radiofonica.
    La risposta dei fans è stata ottima: in due settimane dall’arrivo dei primi ordini, l’album You Are What You Is si è ripagato da solo. I tre LP strumentali sono Shut Up ‘n Play Yer Guitar, Shut Up ‘n Play Yer Guitar Some More e Return of The Son of Shut Up ‘n Play Yer Guitar.
    “In Europa apprezzano la musica strumentale e il fatto che non ci siano testi è un vantaggio perché non ci sono problemi di lingua”.
    “Non voglio chinarmi. Non ho mai voluto chinarmi. Non ho alcun desiderio di chinarmi. Non piegarti!!”.
    (Good Times, 1-14 dicembre 1981)

  • Frank Zappa, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (part 2) Some More: interviews, review

    Frank Zappa, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (part 2) Some More: interviews, review

    Shut Up ‘N Play Yer Guitar Some More (1981)

    Il triplo album Shut Up And Play Yer Guitar è uscito l’11 maggio 1981: contiene materiale live registrato tra il 1976 e il 1980. E’ stato pensato e realizzato in risposta al commento di un giornalista il quale credeva che Frank fosse un cattivo chitarrista.

    I tuoi assoli sono basati su progressioni lineari o schemi squadrati?
    “Devi capire che non mi alleno, non sono preciso e suono solo quello che immagino nel momento in cui sto facendo l’assolo. Voglio dire, ora ascolto “Shut Up ‘N Play Yer Guitar” e posso sentire dove ho perso alcune delle note che crescono, ma hai un’idea musicale di come dovrebbe essere. Ti mostra un tipo di architettura musicale, sta disegnando un’immagine. Sale e un’altra parte di essa che scende. Ti sta disegnando l’immagine di qualcosa”.

    Ti dà fastidio se perdi una nota?
    “Beh, non ho intenzione di suicidarmi per questo. Sono sicuro che da qualche parte ci sono chitarristi perfetti, ma ti garantisco che non suoneranno così. Uscirò con un arto musicale; esco e provo. Perché no? Cosa ho da perdere? Non sono famoso, sono un chitarrista sconosciuto. Posso rischiare. Gli altri ragazzi che hanno una grande reputazione devono sempre suonare esattamente nel loro stile e farlo bene, assicurarsi che sia perfetto! Quello che faccio suona come il disco ma, di solito, ciò che ottieni in altre esibizioni di materiale per chitarra su dischi è qualcosa che manca. Si rischia e si provano cose che la società educata probabilmente preferirebbe ignorare”.

    Qual era la base per l’assolo in “Hog Heaven” (Shut Up ‘N Play Yer Guitar , Barking Pumpkin, BPR 1111)?
    “È soltanto un’improvvisazione. È la comunicazione tra me, il batterista e il bassista. È in modalità E lydian”.

    In genere, pensi in termini di modalità?
    “No. E’ semplicemente successo in una modalità. La tonalità è E lydian, anche se ci sono alcune deviazioni”.

    Che tipo di modalità hai usato in “Shut Up ‘N Play Yer Guitar”?
    “Fondamentalmente, è C lydian. Stavo interpretando ciò che era nella mia immaginazione nel momento in cui accadeva. Non avevo affatto elaborato una parte rigorosa. Non pratico assoli o cose del genere. Li suono e basta”.

    I tuoi assoli sono spesso costruiti su vamps (figure musicali ripetute o accompagnamenti).
    “Giusto. Non mi piacciono i cambi di accordi. Mi piace avere un centro tonale che rimane lì o, possibilmente, con un secondo accordo che varia dal centro tonale principale. E poi ci gioco intorno. Non so se ascolti mai musica indiana – non ci sono cambi di accordi in essa, ma puoi sentire le implicazioni di tutti i tipi di altri cambi di accordi e linee che vengono suonate l’una contro l’altra. Questo è il modo in cui mi piace lavorare. C’è un piccolo vamp di quattro note in “Treacherous Cretins” (Shut Up `N Play Yer Guitar) che implica accordi di RE e LA. Crea un clima armonico. Non li considero un cambio di accordi. Guardo invece il tutto come un clima armonico o un atteggiamento armonico che crea uno stato d’animo – la combinazione dell’alternanza di questi due accordi. Quindi, gioco all’interno di quell’atteggiamento”.

    Pensi ai due accordi come entità separate o come un accordo massiccio che contiene tutte le note dei due accordi?
    “Entrambi i modi. Puoi suonare contro di essi in entrambi i modi perché si alternano: non accadono mai nello stesso momento. Ma puoi suonare linee che includono le note di entrambi gli accordi. Puoi suonare do diesis e do naturali in quel modo.
    (Guitar Player, dicembre 1982)

    La modalità Lydian è un suono arioso, edificante, ben utilizzato nei temi delle colonne sonore dei film e dei musical, tra cui Westside Story (Maria) e Star Wars: The Phantom Menace (Anakin’s Theme). La modalità Lydian è anche un suono comunemente sentito nella musica del leggendario compositore e influente icona della chitarra Frank Zappa. Ascoltate la title track tratta da Shut Up ‘N’ Play Yer Guitar (1981) per l’uso caratteristico di Frank della modalità Lydian durante l’improvvisazione.
    (Guitar Techniques, maggio 2018)

    “Abbiamo un sacco di emiole in quei tre album (Shut Up ‘N Play Yer Guitar, Shut Up ‘N Play Yer Guitar Some More e Return Of The Son Of Shut Up ‘N Play Yer Guitar). Ma un’altra cosa che devi capire è che lo stile che ho suonato in quegli album è stato fortemente influenzato dal fatto che Vinnie Colaiuta è il batterista di quei nastri. Può fare tutte quelle cose e puoi fare affidamento su di lui e sapere che sa dove si trova e sa dove sta andando, sai che tornerà. Non sta semplicemente suonando. Non otterrai lo stesso effetto con un batterista che non capisce quel tipo di ritmo e non sa allungarlo al massimo. Non si tratta solo di ignorare il downbeat; sta andando intenzionalmente e consapevolmente verso cose diverse. Sto suonando in un modo completamente diverso ora che ho un altro batterista nella band”.
    (Guitar Player, gennaio 1983)

    continua nella terza parte

    https://www.youtube.com/watch?v=JFPjjthW59A

  • Frank Zappa, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (part 1): interview 1982

    Frank Zappa, Shut Up ‘N Play Yer Guitar (part 1): interview 1982

    Shut Up ‘N Play Yer Guitar (1981)

    Seppure tutti gli album di Frank Zappa contengano una notevole quantità di lavoro per chitarra, il triplo LP del 1981 Shut Up ‘N Play Yer Guitar, Shut Up ‘N Play Yer Guitar Some More e Return Of The Son Of Shut Up ‘N Play Yer Guitar contiene assoli, brani specificamente orientati alla chitarra.
    Come ha realizzato questa serie e con quali tecniche soliste? Le trascrizioni dei brani di Zappa sono fornite da Steve Vai.

    Perché hai deciso di fare la serie Shut Up ‘N Play Yer Guitar?
    “Abbiamo ricevuto molte richieste da un certo gruppo di fan per un album contenente esclusivamente assoli di chitarra. Anche se suono da cinque a otto assoli estesi durante un concerto, lo stile di base dello spettacolo che portiamo in viaggio non è orientato esclusivamente verso la chitarra. Ad alcune persone piace davvero quella roba. Quindi per accontentarli, ho pensato ad una raccolta”.

    Perché hai scelto materiale registrato in un periodo di quattro anni, piuttosto che registrare nuove canzoni appositamente per questo progetto?
    “Per una buona ragione. Prima di tutto, trovo molto difficile suonare in studio: non credo di aver mai suonato un buon assolo di qualsiasi tipo in studio di registrazione. Non è come ‘sentirlo’ sul palco. Finché non ho avuto il mio studio, ho lavorato in quelli commerciali dove devi pagare da cento a duecento dollari l’ora. Lì non puoi permetterti il lusso di sederti e perfezionare ciò che suonerai, mentre se hai una collezione di nastri realizzati nell’arco di pochi anni – cosa che faccio io – puoi passare attraverso quella roba e trovare esempi musicali che raggiungano l’obiettivo estetico prefissato. Quindi, li raccogli e ne trai le migliori performance possibili”.

    Come hai scelto i brani? C’è uno schema?
    “Ho selezionato esempi di diversi tipi di cose che suono, pur avendo uno stile di base. Gran parte delle selezioni sono state fatte sulla mia reazione istintiva all’ascolto dei nastri, scegliendo l’assolo che mi piaceva, scartando altro, cercando di trovare cose che si adattassero tra loro”.

    La tua musica presenta in primo piano ritmi e sincopi insoliti. Un buon esempio è “Five Five Five” (Shut Up ‘N Play Yer Guitar). Che tipo di schema metrico è stato utilizzato?
    “È in 5/8, 5/8, 5/4. Lo conti così: uno due uno due tre, uno due uno due tre, uno e due e tre e quattro e cinque”.

    In un pezzo come “Five Five Five”, in cui ti trovi in un metro che sarebbe generalmente considerato strano per il rock o il jazz mainstream, come potrebbe qualcuno avvicinarsi a questo senza sentirsi come se avesse due piedi sinistri?
    “È un pezzo molto orientato alla chitarra per il modo in cui usa la corda aperta. Quindi è una cosa abbastanza facile da imparare con la chitarra, nonostante il ritmo strano. Non lasciarti spaventare dai numeri. Non preoccuparti dei numeri, devi solo preoccuparti delle sensazioni che trasmettono. Quando ho scritto quella particolare canzone, non mi sono mai nemmeno fermato a capire quale fosse il tempo in chiave. Non me ne preoccupo se lo suono con la chitarra. Se lo scrivo per un’orchestra, allora lo faccio. Ma non calcolo come appariranno sulla carta le cose che invento sulla chitarra o come saranno alla fine. Suono e poi scopro cos’è, ma solo più tardi, dopo averlo registrato.
    In altre parole, la mia teoria è che la musica scritta non assicura in alcun modo il pedigree della qualità musicale di ciò che viene suonato. Solo perché è sulla carta non lo rende migliore o peggiore di qualsiasi altro tipo di musica. La musica su carta è solo un modo conveniente per mostrare idee musicali da una persona all’altra senza doverlo canticchiare. Quando ottieni cose complicate, canticchiarle richiede molto tempo”.

    Sulla copertina interna dei tuoi album Shut Up c’è la musica di “The Black Page”. Ci sono figure come una terzina con raggruppamenti di tre, cinque e sette contenuti all’interno. Come fai a contare una parte così intricata?
    “Beh, a meno che tu non sia veramente abile nella lettura a prima vista di quel tipo di materiale, devi iniziare leggendolo lentamente. Quindi penso che tu ti riferisca alla battuta 15 di “The Black Page”. E’ una barra difficile da suonare ma può essere suonata ed è stata suonata più e più volte da molti musicisti diversi dentro e fuori la band. E’ un buon punto di partenza se vuoi entrare in un confronto diretto”.
    (Guitar Player, novembre 1982)

    continua nella seconda parte
    https://www.youtube.com/watch?v=rbz3_Lutd78

  • Frank Zappa, Conehead (5 versions + guitar solo): review, meaning

    Frank Zappa, Conehead (5 versions + guitar solo): review, meaning

    Live Halloween 28-10-1977 primo show
    Guitar Solo Live NY Halloween 1977
    Live Boston 1977
    Live Capitol Theatre Passaic, NJ 13-10-1978
    Live Knebworth (England) Festival 09-09-1978
    Poughkeepsie (Smokin’)

    Alla fine del 1977, Frank Zappa fu ospite di un’edizione del programma televisivo Saturday Night Live. E’ apparso in uno sketch di Conehead. I Coneheads (creati dal comico Dan Akroyd) rappresentavano alieni del pianeta Remulak che cercavano di adattarsi alle abitudini degli esseri umani. La loro principale caratteristica fisica era la testa: aveva la forma di un cono.
    In quel periodo Zappa era in tournée (questa apparizione televisiva coincise con una serie di concerti a New York). Scrisse la canzone “Conehead” dopo la fine del tour del 1977 (che in realtà terminò nel febbraio 1978) e la presentò in anteprima al primo spettacolo del tour 1978-1979, il 1°luglio. La musica non era sconosciuta ai fan sfegatati di Zappa: il riff era stato usato un paio di volte nell’ottobre del 1977 come accompagnamento strumentale. La canzone venne proposta regolarmente per alcuni mesi e di solito seguiva a “Bobby Brown” nella scaletta.
    Zappa ripropose il brano nel tour del 1980. Conehead proviene dall’album “You are what you is”.

    Frank Zappa è apparso come ospite in Saturday Night Live, commedia e varietà televisiva americana trasmessa dalla NBC il sabato sera dall’11 ottobre 1975.
    E’ apparso in due occasioni con il comico John Belushi l’11 dicembre 1976 e il 21 ottobre 1978. Alla fine, è stato bandito dallo spettacolo a causa di un suo atteggiamento aggressivo davanti alla telecamera.
    “Il primo giorno in cui sono andato lì per incontrarmi con loro non gli è piaciuto e volevano sbarazzarsi di me. Avevano scritto dei dialoghi per me, non mi permettevano di scrivere nessuna delle mie cose”.
    (Frank Zappa, Stereo Review, aprile 1979)

    “Stavamo girando la scena di Coneheads, che Frank adorava. Eravamo tutti nella posizione di farlo quando Frank disse: ‘Cosa dovrei fare? Leggere queste carte?’. E’ stato terribile. Forse pensava di essere al di sopra di tutto o era nervoso o non gli piaceva la sceneggiatura. Forse pensava di essere divertente ma in realtà il pubblico ha avuto una sorta di sussulto”.
    (Dan Aykroyd, intervistato da Playboy agosto 1993)

    I Coneheads apparvero per la prima volta in Saturday Night Live (SNL) nell’episodio del 15 gennaio 1977 condotto da Ralph Nader.
    Nel “Satuday Night Live” del 21 ottobre 1978, c’è il primo sketch – Conehead At Home – in cui Frank interpreta il ruolo di un umanoide che invita la figlia di una famiglia di teste di cono a uscire la sera. Ansioso di conformarsi alle buone maniere dei genitori, ingurgita contemporaneamente confezioni di birra e pacchetti di patatine, accasciandosi sul divano. Alla fine, offre il suo ultimo album – Studio Tan – che i genitori, inizialmente incuriositi, finiscono per divorare avidamente. In “The Freak Mountain”, Frank è condannato a stare seduto ad ascoltare gli stupidi discorsi di un piccolo impresario. In seguito, perso tra le montagne, cerca rifugio in un castello popolato da vecchi Freak strafatti e nostalgici del glorioso ‘Freak Out!’. Tutti cercheranno di offrire varie droghe all’eroe, che rifiuterà ostinatamente, suscitando ilarità e stupore.

    Negli sketch di Saturday Night Live, i Coneheads rappresentavano extraterrestri provenienti dal pianeta Remulak che si stabilirono negli Stati Uniti.
    La frase ripetuta “Conehead non è stupido ma ha una testa di cono” fa pensare a qualcuno che può sembrare strano o eccentrico. La menzione di ‘briciolo di patatine sul suo viso’ può essere interpretata come una metafora rivolta a qualcuno impegnato in attività insignificanti, banali oppure ad un gesto di disprezzo per le etichette e le aspettative sociali. Un’immagine che crea un senso di disordine e di mancanza di autoconsapevolezza. Zappa chiede se c’è altra birra nascosta suggerendo che la ‘testa di cono’ potrebbe tendere a comportamenti eccessivi o di evasione.
    Il protagonista della canzone, ‘conehead’, è un personaggio immaginario che potrebbe rappresentare un tipo non convenzionale, molto distante dalla società mainstream. La frase ‘E’ una specie di ragazza, di ragazzo’ suggerisce elementi di ambiguità di genere.
    Il riferimento al padre di Connie che lavora in una scuola guida e indossa un ‘cappello stupido’ punta il dito su certe occupazioni insignificanti e sullo sforzo di certe persone nel mantenere le apparenze. Il verso “Se sapessero che è veramente di Remulak” enfatizza il tema della diversità o dell’essere non convenzionali, anzi unici.
    Zappa, una volta di più, rifiuta il conformismo e incoraggia l’espressione di sé, l’identità unica di ognuno di noi.

    Per Zappa, alla fine la TV era la TV- indegna del suo rispetto – indipendentemente da chi la facesse” (Rolling Stone)

    Perché il Saturday Night Live ha bandito Frank Zappa per sempre?
    Scopritelo qui

    https://www.youtube.com/watch?v=8hXQ_3vtzXw

  • Frank Zappa, Rubber Shirt (xenochrony): review

    Frank Zappa, Rubber Shirt (xenochrony): review

    Rubber Shirt (dall’album Sheik Yerbouti, 1979)

    Sfidare l’autorità e mettere in discussione le norme sociali è un classico dei testi di Frank Zappa.
    Il titolo di Rubber Shirt (brano strumentale che fa parte dell’album Sheik Yerbouti, 1979) fa pensare ad una metafora delle lotte e delle sfide affrontate dalle persone nel conformarsi alle norme sociali.
    La ‘maglietta di gomma’ è vista come un simbolo delle pressioni e richieste imposte dalla società che soffocano il nostro vero Sé. E’ una critica al cieco conformismo e alla soppressione dell’individualità.
    Rubber Shirt può anche essere visto come un commento satirico sulla superficialità e assurdità della cultura contemporanea. Del resto, Zappa raramente dava spiegazioni chiare ed esplicite sul significato delle sue canzoni (titoli o testi) durante le interviste. Preferiva lasciare che gli ascoltatori interpretassero le sue composizioni a modo loro, il che alimentava anche discussioni intriganti tra i fan. La bellezza del lavoro di Zappa risiede anche nella sua capacità di stimolare pensieri, evocare emozioni e trascendere i confini.
    La canzone presenta armonie complesse che ne aumentano il fascino e la profondità.
    Le esibizioni live di Rubber Shirt spesso prevedevano estesi assoli strumentali.

    https://www.youtube.com/watch?v=poU4p_sodzs

    Nel booklet del CD “Sheik Yerbouti”, Zappa ha spiegato come è stato creato il brano “Rubber Shirt” applicando quella che chiamava xenocronia (termine da lui stesso coniato). La traccia di basso e quella di batteria sono state registrate separatamente. Sono stati messi uno sopra l’altro utilizzando una tecnica di risincronizzazione, creando l’illusione di essere suonati insieme. Afferma anche che ciò è stato fatto durante “Friendly little finger” e “Yo ‘mama”. È noto che abbia applicato intensamente questa tecnica nell’album “Joe’s Garage”. In questo caso, c’è un sample tratto da “On the bus” in questo studio, dove si può effettivamente vedere su carta come funzionava la xenocronia. Un altro è “Outside now (original solo)” sovrapposto al vamp di “Keep it greasy”, anch’esso incluso in questo studio.
    Nel caso di “Rubber Shirt”, il risultato non doveva avere un metro costante. La parte di basso originale di Patrick O’Hearn è in 4/4, mentre la parte di batteria di Terry Bozzio è in 11/4. La manipolazione delle tracce rende il ritmo di “Rubber Shirt” piuttosto libero, senza limiti.
    Il risultato musicale di “Rubber Shirt” è unico. E’ impossibile avere due persone che improvvisano in questo modo con metri e ritmi irregolari o cambiare il tempo rimanendo comunque spesso uguali. In un vero duetto è necessario che uno conosca le basi di ciò che sta facendo l’altro, è necessaria una qualche forma di stabilità.
    (zappa-analysis.com)

    Si trovano ‘strane sincronizzazioni’ in “Rubber Shirt”: è il risultato di due musicisti che non si sono mai incontrati nella stessa stanza contemporaneamente e che suonano a due ritmi diversi, con due stati d’animo diversi, per due scopi diversi, il tutto mescolato insieme.

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    FZ nelle note di copertina di Shek Yerbouti: “La parte di basso è estratta da un master a quattro tracce di una performance tenutasi a Goteborg, in Svezia, nel 1974, che ho fatto sovraincidere da Patrick O’Hearn su una traccia di assolo di chitarra con tempo medio in 4/4. Le note scelte venivano più o meno specificate durante la sessione di sovraincisione, quindi non si trattava del tutto di un “assolo di basso” improvvisato. Un anno e mezzo dopo, la traccia del basso è stata separata dal master svedese e trasferita su una traccia di un altro master in studio a 24 tracce per una canzone lenta in 11/4. Il risultato di questa risincronizzazione sperimentale (la stessa tecnica è stata utilizzata nell’album Zoot Allures in Friendly Little Finger) è il pezzo che stai ascoltando. Tutta l’interazione sensibile e interessante tra il basso e la batteria non è mai realmente avvenuta…”.
    La traccia di basso di O’Hearn è nata come sovraincisione sull’assolo di FZ da Inca Roads (Goteborg, 1974). FZ ha trasmesso questa versione di Inca Roads con le sovraincisioni di O’Heran su WSOU FM nel 1978.
    La traccia di batteria di Bozzio ha origine da una registrazione in studio di un pezzo intitolato Number 9 che è una versione del motivo Outside Now in 11/4 a cui FZ fa riferimento nelle note di copertina di Sheik Yerbouti come “una canzone lenta in 11/4”.
    (Zappa Wiki Jawaka)

    L’ultima immagine del video riporta il commento di Frank Zappa dall’album originale Sheik Yerbouti.

  • Frank Zappa & Synclavier Secrets: G numbers transformed into notes, ‘digital dust’

    Frank Zappa & Synclavier Secrets: G numbers transformed into notes, ‘digital dust’

    The Girl In The Magnesium Dress (dall’album Boulez Conducts Zappa: The Perfect Stranger, 1984)
    Put A Motor In Yourself (dall’album Civilization Phaze III, 1994)
    Night School (dall’album Jazz From Hell, 1986)

    Con il Synclavier, Zappa (lo ‘scienziato del ritmo’) aveva potuto risolvere tutte le sue esigenze compositive rendendosi autonomo sia dai musicisti rock che da quelli classici per la messa a punto e la diffusione della sua opera.
    “Senza il computer – ha dichiarato – sarei ancora sotto il giogo dei musicisti per realizzare la mia musica. Sarei anche sotto il giogo del governo e delle strutture civiche che organizzano i concerti”.
    Le prime applicazioni erano state inserite fin dai vari album da lui pubblicati nella seconda metà del 1984, inclusi quelli rock (il brano Be in My Video o The Crabb-Grass Baby, ad esempio), oltre che nell’intero album Francesco Zappa e in The Perfect Stranger. In particolare, The Girl in the Magnesium Dress è emblematica dell’ingegnosità compositiva di Zappa, essendo stata realizzata sfruttando la macchina con un uso improprio.
    Il compositore ha spiegato che:
    “il brano fu fatto con la ‘polvere digitale’ del Synclavier. Quando si guarda alla pagina G del Synclavier, si vedono nomi di note e numeri, ma questo non è tutto quanto vive nella traccia. C’è dell’informazione sotterranea che può essere visualizzata solo se si esce dalla parte della macchina normalmente disponibile all’utente e si entra nel mondo misterioso della programmazione XPL. Lì si possono vedere cose che vivono nella traccia dando segrete istruzioni alla macchina e dicendole cosa deve fare. Sono i cosiddetti ‘numeri G’ che Zappa e i suoi collaboratori riuscirono a trasformare in note: “dunque abbiamo convertito questa polvere in qualcosa che poi posso editare in altezza, mentre la polvere indica un ritmo. Ho preso il ritmo della polvere e vi ho imposto dati di altezza introducendo così l’inudibile numero-G nel mondo dell’udibilità tramite il nome di un’altezza”. Il risultato sonoro di questa ulteriore, imprevedibile realizzazione aleatoria è, manco a dirlo, di grandissimo interesse ritmico.
    Ma le più ardite soluzioni timbrico-ritmiche si spalancarono al talento di Zappa quando il Synclavier fu abilitato all’uso del sampling. Insoddisfatto del rumore ambientale sui campionamenti forniti dalla casa, Zappa cominciò a realizzarli nel proprio studio registrando ad esempio, in stereo, ogni singolo tamburo e piatto, isolati dal resto della batteria e con una ripresa sonora sia secca che in vari ambienti: la loro combinazione, quando li adoperava suonandoli dalla tastiera, produceva a suo dire “qualcosa di surrealmente pulito e perfetto”. Secondo le esigenze di ciascuna composizione, Zappa costruiva coi campionamenti vari tipi di patches per ottenere suoni percussivi inesistenti nelle strumentazioni convenzionali: “nello stesso patch puoi mescolare percussioni orchestrali con rumori industriali come trapani, martelli, seghe, taniche vuote e cose del genere. Combinandoli assieme si possono creare cose meravigliose”. Per spazializzare i suoni percussivi campionati, Zappa non usava i suoi Lexicon digitali ma una semplice camera d’eco, onde evitare di estenderne artificialmente la durata”.
    Con l’enorme vocabolario timbrico-percussivo così raccolto e continuamente rinnovato, Zappa si è dedicato durante i suoi ultimi anni a forzare continuamente le soglie della ricerca metrico-ritmica, mirando preferibilmente a superare i confini delle possibilità esecutive umane.
    “Una delle cose più intriganti nel lavoro col Synclavier è quanto ti consente di fare col ritmo, che è sempre stato uno dei miei campi di investigazione preferiti. E’ possibile ottenere accurate esecuzioni delle combinazioni ritmiche più pazzesche” (Frank Zappa).
    Nell’album Jazz from Hell, fin dall’iniziale Night School, troviamo esempi della surreale batteria campionata e programmata da Zappa in sonorità e figurazioni ‘umanamente impossibili’ ma dalle singolari affinità con lo stile di Colaiuta, specie nelle figure cassa/rullante.
    E’ la realizzazione di una teoria che Zappa coltivava da decenni: quella da lui stesso designata come ‘armonia percussiva’. Per lui il ritmo ha un’importanza analoga se non superiore a quella assunta dall’armonia in secoli di storia della musica occidentale. Riteneva infatti che i concetti di consonanza e dissonanza sussistano anche nell’ambito del ritmo e della sua percezione. Autentico manifesto di uno stile basato sulla dialettica tra consonanze e dissonanze ritmiche è Civilization Phaze III, il risultato più avanzato della sua ricerca sinfonica e timbrico-ritmica sul Synclavier.
    (tratto da libro “Frank Zappa Domani” di Gianfranco Salvatore)

    Frank Zappa ha suonato una composizione elettronica utilizzando suoni al di fuori della frequenza dell’udito umano. Ha anche usato selezioni dall’album della Columbia, “The World of Harry Partch”. Partch scrive musica di 32 toni per ottava. (Billboard, 12 luglio 1969)

  • Blues just smells funny – xenocronia Frank Zappa, Charles Mingus, Thelonious Monk e Archie Shepp

    Blues just smells funny – xenocronia Frank Zappa, Charles Mingus, Thelonious Monk e Archie Shepp

    Xenocronia realizzata da Roxa con musiche di Frank Zappa, Charlie Mingus, Thelonious Monk e Archie Shepp

    FAIR USE

    https://www.youtube.com/playlist?list=PLNIorVgbZlD1eJlE31TCypMf1eLhjcfBc

    Compositori jazz preferiti?
    “Charlie Mingus e Thelonious Monk”.
    (Frank Zappa, Iconoclast, 15-22 marzo 1974)

    “Mingus aveva le palle” (Frank Zappa, intervista di Dan Forte per Musician n. 19, agosto 1979)

    In oltre 60 album, Zappa ha prodotto “un imponente corpus di opere che è probabilmente l’equivalente della musica rock più vicino all’eredità di Duke Ellington”, secondo la Guinness Encyclopaedia of Popular Music.
    (Hot Press, 7 aprile 1993)

    “L’idea del titolo dell’album Hot Rats mi venne in mente perché in Europa avevo comprato un disco dove c’era The Shadow of Your Smile con il sax di Archie Shepp. Lui prendeva l’assolo che mi diede subito l’impressione di un esercito di topi surriscaldati che uscivano squittendo dal suo strumento. Il suono era quello. Quando uscì, credo fosse il disco più sovrainciso della storia. Forse solo Les Paul aveva fatto qualcosa di simile ai suoi tempi” (Frank Zappa).

    Nel 1967, Zappa aveva sviluppato un notevole interesse per Archie Shepp che, tra il ’67 e il ’66, aveva pubblicato Fire Music, On this night e Mama Too Tight, i suoi dischi più rivoluzionari.
    In un annuncio pubblicitario apparso sul Los Angeles Free Press del 3 febbraio 1967 si citava – facendo riferimento al repertorio dei Mothers – un brano intitolato Archie’s Time commentato così: “Cosa accadrebbe se Archie Shepp sapesse suonare il fagotto elettrico?”.
    Forse era questo il pezzo che Zappa al Garrick Theatre fece suonare ai Mothers mentre incitava i tre marines ad urlare “Kill! Kill!” nel microfono. “Una cosa alla Archie Shepp” come egli stesso raccontò, “una follia con accordi dissonanti e tutto il resto”.
    Questi Mothers del ’67, dunque, erano il primo gruppo della storia del rock ad ispirarsi solisticamente, con cognizione di causa, alle punte più avanzate delle avanguardie jazzistiche.
    (tratto da libro “Frank Zappa Domani” di Gianfranco Salvatore)

    Zappa non si considera un appassionato di jazz. Tuttavia, non nasconde la sua simpatia per un certo gruppo di musicisti jazz come Eric Dolphy, Wes Montgomery, Charles Mingus, George Russell e Albert Ayler.
    Il flirt jazz inizia già dai primi album, in particolare “Uncle Meat” del 1968, dove Zappa cerca di penetrare il linguaggio del free jazz (riferimenti ad Aylrey e Dolphy); momenti simili si ritrovano anche in “Weasels Ripped My Flesh”.
    Zappa non prova a suonare jazz; privandolo (forse deliberatamente) di un certo tipo di emozione, tratta il jazz piuttosto come uno stimolo artistico, un materiale o un tipo di espressione musicale desiderato in un certo momento. (Jazz Forum, dicembre 1993)

    La sua musica non è pop, non è beat, “è per i boyscout” pare abbia detto Frank. Non è nemmeno jazz: “il jazz è troppo etico”. La sua musica è un’altra invenzione.
    Accanto a questo leggendario compositore e musicista, si sono alternati alcuni dei migliori strumentisti jazz, rock e blues. (Interviu 8-14 marzo 1979)

    Il pubblico jazz, abituato ad ascoltare prima di saltare alle conclusioni, ha lodato Zappa come il più interessante compositore e arrangiatore rock. (High Times, marzo 1980)

    “Non chiamatela musica jazz: la stampa rock ci ha attribuito l’etichetta jazz ma non è mai stata concepita come jazz né è mai stata eseguita come jazz”.
    Non cercate fan del jazz ai suoi concerti. “Non credo siamo ben accolti dalla comunità jazz”.
    (City Life, 25 luglio 1984)

    In una recensione del recente concerto, ho detto che i MOI costituivano la prima band di jazz elettrico. Ciò non significa, tuttavia, che Zappa utilizzi un tempo costante o uno schema ritmico come fa la maggior parte del jazz. È incline, come Miles Davis, a spezzare i passaggi oscillanti dopo un po’, spostare il tempo, utilizzare accelerazioni e rallentamenti e cambiare tutto in termini di schema e ritmo.
    (Datebook, 8 dicembre 1968)

    Il rock con Zappa non è mai stato più vicino al jazz: non è un caso che Hot Rats, album pubblicato nell’ottobre 1969, sia considerato da molti una sorta di anticipatore del jazz rock.
    (Classix n.21 – marzo aprile 2009)

    Zappa creò quella che fu chiamata “Air Sculpture”. Aveva la capacità di suonare qualsiasi nota (tutti i dodici toni / scala cromatica) sulla chitarra, su qualsiasi tasto. Questo stile di improvvisazione era usato anche dai chitarristi jazz (senza dubbio cervelloni dall’udito immacolato, barbe e banjo…). Il trucco sta nel sapere in quale ordine suonare le note. (Sun Zoom Spark, gennaio 1994)

    “Un musicista jazz che improvvisa prende il flusso delle armonie e inventa una linea melodica per accompagnarlo. Nel nostro caso abbiamo a che fare con i suoni stessi, come materia prima per così dire. Di conseguenza, alcune improvvisazioni non riguardano le note, ma le variazioni dei suoni che possono essere prodotte sui singoli strumenti. (Frank Zappa, Journal Frankfurt n. 19, settembre 1992)