Frank Zappa ha celebrato il decimo anniversario dei Mothers of Invention facendo tappa a Chicago per uno spettacolo speciale.
Mormoro qualcosa sul fatto che “Freakout” sia un album definitivo con una distorsione temporale, incentrato sulla vita negli anni ’60.
“Se è così che erano gli anni ’60, siamo nei guai – dice Frank – Il principale punto debole era il ritmo: era sciatto e sbilenco. Ora stiamo suonando tutto più forte e quei brani suonano meglio dei primi 40″.
La band attuale è molto lontana dai primi Mothers, tanto che hanno dovuto imparare i numeri dai vecchi dischi.
Zappa ha commentato: “Quelle canzoni sono tutte così facili rispetto a quello che abbiamo fatto di recente. Durante le prove ne abbiamo imparate due o tre al giorno: quando abbiamo pubblicato per la prima volta “Freakout” ci sono volute settimane solo per ottenere una canzone giusta. Nessuno sapeva come suonare i propri strumenti.
“Oggi ‘Freakout’ suona come un mucchio di demo per me. C’è da considerare che i nostri primi tre album sono stati registrati su una macchina a quattro tracce. Allora non c’erano 16 tracce. L’amplificatore più grande che potevi ottenere era il Vox Superbeatle: non avevano nemmeno i Marshall!”.
Di Frank Zappa devi ammirare la capacità dell’uomo di portare a termine ogni cosa.
Ogni musicista dovrebbe avere un buon senso degli affari anche solo per accettare o meno i capricci del suo manager o per trovarne uno decente.
Immagina il giovane Frank Zappa che cercava di convincere le etichette a firmare i Mothers of Invention nel 1964. Non solo lo fece, ma riuscì a far pubblicare il primo doppio album rock concettuale come suo primo lp. Come ci è riuscito?
“Non è stato facile. Ho solo parlato come un figlio di puttana. Prima che se ne accorgessero avevano due dischi nel mucchio”.
Questo è Zappa. Fa solo cose che molti trovano impossibili e poi va avanti. Lo stesso vale per la sua musica.
Un video sull’evoluzione degli arrangiamenti di “Inca Roads” di Frank Zappa.
Questo video mostra come le strade di Inca siano passate da un breve strumentale ad una ballata e ad un’epopea in più parti completamente formata in un anno e mezzo.
Head è un film d’avventura musicale satirico americano del 1968 scritto e prodotto da Jack Nicholson e Bob Rafelson, diretto da Rafelson, con il gruppo rock televisivo The Monkees, distribuito da Columbia Pictures.
Il film presentava Victor Mature nei panni di “The Big Victor” e apparizioni cameo di Nicholson, Teri Garr, Carol Doda, Frank Zappa (nel ruolo di critico), Annette Funicello, Sonny Liston, Timothy Carey, Percy Helton e Ray Nitschke.
Head inizia con l’inaugurazione del Gerald Desmond Bridge a Long Beach, in California.
Mentre un politico locale lotta con il suo microfono durante il discorso di dedicazione, i Monkees (Micky Dolenz, Davy Jones, Peter Tork e Michael Nesmith) interrompono improvvisamente la cerimonia correndo tra i funzionari riuniti al suono di vari clacson e sirene. Micky poi salta giù dal ponte nell’acqua sottostante. Fluttua in giro, privo di sensi, mentre diverse sirene tentano di rianimarlo.
La scena poi passa nel soggiorno di casa dei Monkees, in cui i Monkees stanno facendo una gara di baci con una giovane donna che senza entusiasmo li pronuncia tutti “pari”. Quindi viene riprodotta una versione satirica della sigla dei Monkees mentre lo schermo si riempie di immagini dell’intero film, terminando con l’esecuzione di Nguyen Van Lem e una donna che urla per l’eccitazione mentre i Monkees stanno per salire sul palco. Quando i Monkees arrivano, guidano la folla ad applaudire “Guerra!” che porta a un breve film di guerra, per poi tornare sul palco del concerto dove il gruppo esegue la canzone “Circle Sky” intervallata da filmati della guerra del Vietnam. Dopo la canzone, vengono fatti a pezzi da un’ondata di fan, ma diventa subito chiaro che i Monkees sono semplicemente manichini.
Ogni membro dei Monkees si trova a turno sotto i riflettori, sperimentando confusione e insoddisfazione per la sua situazione. Insieme, si ritrovano ripetutamente intrappolati in una qualche forma di recinzione, da un’aspirapolvere a una grande scatola nera che secondo Micky rappresenta il loro universo. Quando sono intrappolati, sono soli e trascorrono il loro tempo cercando di trovare una via d’uscita, ma ogni volta che scappano hanno poco controllo sulle situazioni in cui si trovano. Qualsiasi iniziativa che intraprendono è invariabilmente di breve durata.
Il principale antagonista del film è il Grande Vincitore. Sembra esistere al di fuori dell’universo del film e, quando interagisce con esso, non è limitato dai suoi limiti fisici. Il Grande Vincitore appare sporadicamente nel corso del film e ogni personaggio che lo vede lo guarda con stupore e paura.
Alla fine, Peter scopre uno swami che crede abbia “la risposta”, ma quando Peter condivide la sua illuminazione con il resto del gruppo, Davy si arrabbia per la conclusione di Peter: “Non so nulla”. Davy poi va su tutte le furie attraverso lo studio, il lotto e le scene precedenti del film, riportando infine il gruppo all’interno della scatola nera, che viene poi volata nel deserto. Quando la scatola si apre, si ritrovano circondati da tutti gli avversari che hanno affrontato nel corso del film.
I Monkees fuggono a piedi, finendo presso la dedica del ponte mostrata all’inizio del film. Questa volta, tutte e quattro saltano dal ponte, ancora inseguiti dai loro nemici. Quando ognuno di loro atterra nell’acqua sottostante, inizia a nuotare mentre suona di nuovo la “Canzone della focena”. Tuttavia, scoprono presto di essere in realtà intrappolati all’interno di un acquario sul retro di un camion, che se ne va con un compiaciuto Big Victor al seguito mentre scorrono i titoli di coda.
La trama e i momenti di punta del film sono stati scritti in un resort di Ojai, in California, dove i Monkees, Rafelson e Nicholson hanno fatto un brainstorming su un registratore, secondo quanto riferito, con l’aiuto di una quantità di marijuana. Jack Nicholson prese poi i nastri e li usò come base per la sua sceneggiatura, che secondo Rafelson ha strutturato sotto l’effetto dell’LSD. Quando la band venne a sapere che non sarebbe stato loro permesso di dirigere se stessi o di ricevere crediti come sceneggiatori, Dolenz, Jones e Nesmith organizzarono uno sciopero di un giorno, lasciando Tork l’unico Monkee sul set il primo giorno. Lo sciopero si è concluso dopo il primo giorno in cui lo studio ha accettato una quota percentuale maggiore della rete del film per il gruppo, ma l’incidente ha danneggiato il rapporto dei Monkees con Rafelson e Bert Schneider e avrebbe effettivamente posto fine al loro rapporto professionale con i produttori.
Head è stato uno dei primi film ad essere pubblicizzato con una classificazione MPAA , con annunci sui giornali sui quotidiani di New York il 1 ° novembre 1968, che mostravano una classificazione G.
I Monkees vengono definiti i “Pre-Fab Four” per il semplice fatto che erano una copia televisiva dei Beatles, reclutati da una pubblicità di Variety.
Zappa ha fatto non una, ma due apparizioni in Tv e al cinema con i Monkees:
– la prima in un segmento TV (“The Monkees Blow Their Minds”) in cui Mike Nesmith fingeva di essere Frank e viceversa (il che sicuramente prefigurava il ritratto di Zappa di Ringo Starr in 200 Motels ) prima che distruggessero un’auto con una mazza sulle note di “Mother People”;
– la seconda in un breve cameo in Head (“The Critic”).
Nel cameo in Head Zappa offre a Davy Jones alcuni consigli “materni” sulla sua musica “piuttosto bianca” mentre accompagna una mucca nello studio di Screen Gems. La canzone a cui si riferisce è “Daddy’s Song” di Harry Nilsson, che è… piuttosto bianca.
Michael Nesmith interpreta Frank Zappa, Frank Zappa interpreta Mike Nesmith in un episodio di The Monkees del 1968.
Nel 1967, Frank Zappa apparve alla fine di un episodio di “Monkees” cantando “Mother People”.
Venne scelto da Mike Nesmith come suo musicista preferito.
Nella scena, durante la canzone, ha distrutto questa auto con una mazza. Il titolo dell’episodio è “Monkees Blow Their Minds”.
14 luglio 1982 – Stadio “La Favorita”, oggi noto come Renzo Barbera (Palermo).
Frank si trova in tour in Italia, una folla di fans lo attende con ansia da mesi.
Colpito dalla gente del posto che ripete costantemente la parola ‘minchia’ nei suoi discorsi, chiede all’amico Massimo Bassoli di scrivere un testo per una canzone contenente questo termine in ogni strofa.
Nella fase di soundcheck nasce, quasi per caso, questo testo dadaista.
Il concerto, come ricorda Salvo Cuccia nel documentario “Summer ’82: when Zappa came to Sicily”, venne interrotto per disordini.
Frank ha raccolto una quantità incredibile di materiale registrato e catalogato. Materiale che veniva registrato dal vivo. “I miei gruppi provano per mesi, 10 ore al giorno; quando siamo in tour, loro sono in grado di eseguire perfettamente tutto quello che hanno imparato. Perché dovrei spendere altro denaro per riportarli in studio ed eseguire tutto ciò che hanno suonato per oltre un anno?“. Dal 1970 in poi, gran parte dei dischi di Zappa aveva basi estrapolate da concerti live, anche se sembravano realizzati a studio. Gran parte delle uscite postume sono recuperi di incisioni catalogate.
E’ impossibile descrivere l’Arte di Zappa. O apprendi d’istinto la sua musica o non l’apprendi affatto.
E’ una specie di linguaggio segreto che alcuni riescono a decriptare mentre, per altri, resta ignoto e incomprensibile.
L’universo zappiano è una mentalità, è osservare il mondo con occhi e orecchie diversi. E’ sapere che per ogni tour e per ogni serata tutto cambia a dispetto di chi pretende ai concerti la riproduzione esatta dell’assolo registrato in sala.
Ogni concerto è speciale, irripetibile, irriproducibile, la musica si muove, evolve di continuo.
Zappa non ha mai suonato due volte lo stesso assolo: lo stesso hanno fatto i suoi musicisti.
Esisteva una continuità concettuale di Zappa? Una logica zappiana?
Probabilmente, con Civilization Phase III, ha cercato la sua continuità musicale.
(estratto da un articolo scritto da Giancarlo Trombetti l’8 febbraio 2021)
La musica di Zappa ha un linguaggio unico, sfugge a qualsiasi riferimento. Quando sembra che stai ascoltando qualcosa, l’attimo dopo resti travolto dall’inatteso che spezza l’immagine che stavi creando.
Frank non può essere capito e vissuto da chi apprezza metriche orecchiabili, esecuzioni lineari, utilizzo convenzionale degli strumenti. C’è da aspettarsi di tutto.
Zappa ha cambiato i suoi interpreti usandoli come strumenti di un’orchestra legata a triplo filo ai suoi umori: li ha resi immortali. Ha avuto i più grandi strumentisti al mondo, prima che al mondo fosse noto il loro talento. I racconti sulle audizioni di Zappa hanno del mitologico…
In cosa consistono le audizioni?
Consistono in una combinazione. Di solito, le più difficili sono le audizioni di batteria. L’ultima volta, avevamo quaranta concorrenti per il provino della batteria e venticinque per quello del basso. Chad Wackerman è una favolosa scoperta della batteria, Scott Thunes è un buon bassista. Vinnie Colaiuta e Terry Bozzio sono stati provini leggendari, lo stesso vale per Arthur Barrow. Sono facili da individuare. Devi solo aspettare: quando senti il ragazzo giusto, sporge come un pollice dolorante. Arthur Barrow è entrato e ha suonato “St. Alphonso’s Breakfast” al basso, poi ha completato il tutto conoscendo il 75% delle canzoni di tutto il mio repertorio. Era sinceramente interessato a suonare quella musica. Ora lavora con Giorgio Moroder.
Colaiuta è stato fantastico. Qualunque cosa gli chiedessi di suonare, poteva suonarla. “Tredici in una mano, undici con l’altra, fai qualcos’altro con i tuoi piedi”. Apprezzavo la sua naturalezza. Per i poliritmi, non ho mai visto nessuno che avesse quel tipo di comprensione animalesca di come dovrebbero suonare i poliritmi. È un peccato che abbia finito per fare cose in studio che gli hanno tolto la possibilità di essere il maniaco che è veramente. So che ci sono musicisti favolosi là fuori, persone che amano la musica e preferiscono fare musica piuttosto che qualsiasi altra cosa. Sfortunatamente, non tutti sembrano abbastanza buoni per MTV, quindi avranno problemi ovunque nel firmare un contratto discografico. L’industria discografica è troppo legata al mezzo visivo. Alla fine chi lega il suo prodotto al mezzo visivo, chi si lega a MTV scoprirà che sta trascurando la maggior parte dei consumatori americani a cui piace la musica. Il video impedisce di ascoltare la musica”.
