La dolce signora bionda si avvicinò nervosamente al microfono nella parte anteriore del palco ed iniziò a cantare “Penelope wants to – the sea”. I Mothers Of Invention hanno subito ripreso la melodia e si sono uniti a lei, a Joni Mitchell.
Sicuramente solo Frank Zappa poteva far emergere un tale lato di Joni in pubblico.
“Quando abbiamo suonato al Fillmore la scorsa settimana – racconta Frank – Joni Mitchell era nel nostro camerino e le ho chiesto se voleva salire sul palco e cantare con noi“.
“È molto timida e alla fine abbiamo dovuto guidarla. Le ho detto ‘Guarda, non suoniamo nessuna delle tue canzoni e tu non canti nessuna delle nostre, quindi inventa dei testi e noi ti seguiremo”.
“Quando ha cantato quella prima riga, ha lasciato a bocca aperta tutti. Non riuscivamo a credere che provenisse da lei. Si è lanciata in una canzone che suonava un po’ come “Duke of Earl” e abbiamo finito per fare quella. La notte successiva, Grace Slick non avrebbe cantato, ha insistito per dirigere le Madri con un camice bianco, visibilmente incinta”.
(New Musical Express, 5 dicembre 1970)
La cantautrice canadese Joni Mitchell viveva a Laurel Canyon accanto a Frank Zappa, il quale detestava profondamente gli hippie e i figli dei fiori.
Zappa aveva una moglie e una famiglia, motivo per cui visitava raramente i suoi famosi vicini, ma era anche notoriamente volubile e poteva essere piuttosto acerbo. Non era particolarmente amato da gran parte dei residenti hippie, tra cui Joni Mitchell.
“La mia sala da pranzo si affacciava sullo stagno delle anatre di Frank Zappa e una volta, mentre mia madre era in visita, tre ragazze nude galleggiavano su una zattera nello stagno” ha ricordato Mitchell a Vanity Fair nel 2015. “Mia madre era inorridita dal mio quartiere”.
Erano casi bizzarri come questo che rendevano Mitchell e Zappa vicini occasionalmente combattivi. Fortunatamente, entrambi erano spesso in viaggio.
In risposta al Festival di Woodstock, l’Europa organizzò dal 24 al 28 ottobre 1969 il Festival d’Amougies (Belgio) promosso dalla rivista francese Actuel. Tra i vari nomi chiamati a partecipare al Festival d’Amougies troviamo band prog, jazz, blues, psichedeliche e rock (Yes, Soft Machine, Ten Tears After, Archie Shepp, Nice, Art Ensemble of Chicago, Gong, Pierre Lattès, ecc.). Ci sono anche i Pink Floyd, che da poco avevano perso Syd Barrett.
In occasione del Festival d’Amougies, venne affidato a Frank Zappa il ruolo di maestro di cerimonie. Roger Waters e gli altri componenti della band salgono sul palco per esibirsi in 4 canzoni: “Set the controls of the heart of the sun”, “Green is the colour”, “Careful with that axe, Eugene” e “Interstellar overdrive”. Quando la band si prepara per intonare le note di “Interstellar overdrive”, sale sul palco Frank Zappa che si unisce ai Pink Floyd per una jam leggendaria. Nel 1973, il batterista dei Pink Floyd Nick Mason ricordando la jam dichiarò: “Frank Zappa è davvero uno di quei pochi musicisti che possono suonare con noi. Quel poco che ha fatto ad Amougies, l’ha fatto con il piglio giusto. Per la nostra musica e per il modo in cui ci comportiamo sul palco, è davvero difficile improvvisare con noi”. A novembre 2016, il video dell’esibizione dei Pink Floyd con Frank Zappa è stato incluso in un dvd contenuto all’interno del mastodontico box “The early years 1965-1972” della band di Waters e Gilmour.
Estratto dal documentario realizzato da Jérôme Laperrousaz e Jean-Noël Roy (Actuel Amougies Festival 24-28 ottobre 1969, Belgio)
Il primo Actuel Paris Music Festival è stata una rivoluzione musicale, ha incluso tutti i generi musicali che coinvolgono nuovi musicisti e compositori di oggi. Il festival è stato un progetto audace fin dall’inizio, concepito con ottimismo ed eseguito con successo nonostante le notevoli difficoltà per gli sponsor, i partecipanti al festival, lo staff tecnico e il pubblico – a causa del brutto tempo di fine ottobre nei freddi e umidi boschi di Kluisberg in Belgio. Il fatto che sia stato un successo (oltre 75.000 presenze in 5 giorni) dimostra che il pubblico è pronto ad ascoltare questo tipo di musica e, come le masse di Woodstock, è disposto a fare sacrifici per entrare in un ambiente musicale veramente rappresentativo del loro gusto. Il pubblico era venuto principalmente per ascoltare i gruppi heavy rock, ma ha abbracciato i gruppi jazz e jazz rock con crescente entusiasmo.
L’Actuel Music Festival of Jazz, Rock e New Music era originariamente previsto a Les Halles di Parigi. Sarebbe stato il primo festival del genere a Parigi e tutti i contratti di pubblicità anticipata e di esecuzione erano stati stipulati con Parigi come sede del festival. Poi, la polizia di Parigi ha posto il veto alla capitale francese come sede del festival. La polizia non è stata certamente scoraggiata dall’adottare questa misura energica dai vari promotori locali affermati, case discografiche e corporazioni televisive che non erano particolarmente ansiosi di vedere “happening” competitivi né desideravano che nuova linfa entrasse nel tradizionale ambiente dello spettacolo piuttosto chiuso a Parigi.
Il primo Actuel Paris Music Festival si è svolto in esilio, in una tenda vicino alla cittadina di campagna belga di Amougies. Questa cittadina di confine franco-belga, solitamente tranquilla, ha conquistato un posto fisso negli annali della stampa europea e nella mente dei giovani giunti da tutto il continente per partecipare alla maratona musicale di cinque giorni. A causa di circostanze fuori controllo, il festival si è evoluto in una sorta di Woodstock continentale, con alcune modifiche molto importanti.
La gente proveniva da Inghilterra, Olanda, Belgio ed altri paesi assortiti. Provate ad immaginare automobili, autobus e veicoli d’ogni genere che trasportano gruppi rock e i loro cumuli di attrezzature che sobbalzano per tutta la campagna; automobilisti che chiedono, in molte lingue, la strada per Tournai, in Belgio, e poi scoprono, una volta arrivati, che il festival si trova ancora più lontano, ad Amougies.
Fin dall’inizio, il festival è stato uno sforzo enorme, quasi impossibile da produrre anche in condizioni ideali. Era prevista l’apparizione di oltre 50 gruppi, con spettacoli di luci, in cinque giorni, con un costo di ingresso di circa 10 franchi (meno di $ 2) per spettacolo. Una quasi cancellazione del festival è avvenuta appena cinque giorni prima dell’apertura, rendendo necessario il trasferimento all’ultimo minuto di tutto nella sede in Belgio.
Se si poteva dire che un singolo individuo rappresentasse lo spirito di coloro che partecipavano al Festival, questo era il suo co-conduttore, Frank Zappa. Trasudando intelligenza, arguzia e ironia, Zappa sfrecciava in giro affascinando chiunque lo vedesse e diventando amico di tutti. Era in macchina, accompagnava il sassofonista Roland Alexander a Bruxelles al suo arrivo in Europa. Zappa ascoltava il jazz d’avanguardia con lo stesso rapito interesse del rock e con innocenza infantile sedeva nel gruppo di Archie Shepp. Era seriamente interessato a chiunque lo avvicinasse con domande.
Nessuno capisce il ritmo” si lamentò Zappa in un rap con Burton Greene sul bus della band. “La maggior parte delle persone non sa cosa sta ascoltando e alcuni musicisti non sanno cosa stanno suonando”. Burton acconsentì, e poi aggiunse: “Quando suono, sono io quello che incasina i miei arrangiamenti”.
Frank fece amicizia con molti musicisti jazz. “Ragazzi, suonerete stasera?” interrogò Dave Burrell e Clifford Thornton, tremando nella tenda della musica non riscaldata una mattina. “Sì… qualche volta” risposero. Zappa ha restituito uno sguardo saggio e comprensivo. “Sì” disse dolcemente prima di andarsene.
La maggior parte delle persone che si sono prese la briga di arrivare a questo festival sono venute per un unico scopo: la musica. E c’era molta musica, ce n’era anche troppa (circa 12 ore a notte) – molta, fortunatamente ottima.
I gruppi rock più famosi sono stati probabilmente i Pink Floyd e sicuramente i Colosseum con il forte accompagnamento e l’assolo alla batteria di John Hiseman. Hanno dimostrato di essere uno dei gruppi più forti in circolazione e il loro debutto negli Stati Uniti programmato all’inizio di quest’anno è stato qualcosa di super atteso.
Dog Meat, DowBeat Award Ceremony Ballet extravaganza (Auditorium Theater di Chicago, 16 maggio 1973)
Probabilmente, è stata una delle premiazioni più insolite e tristi nella storia recente di questo tipo di eventi.
La “cerimonia” di premiazione prevedeva la consegna da parte del caporedattore James P. Schaffer del premio ‘Musicista pop dell’anno’ a Frank Zappa e del premio ‘Miglior violinista’ a Jean-Luc Ponty.
Tuttavia, Zappa non aveva alcuna intenzione di partecipare ad una cerimonia ordinaria.
Il 16 maggio 1973, quando Schaffer salì sul palco dell’Auditorium Theater di Chicago, Zappa e le Mothers of Invention (mentre si preparavano ad un concerto di 3 ore) improvvisarono ciò che si potrebbe definire “musica per ricevere targhe”.
Invitando il caporedattore depresso a ballare un po’, Zappa e i Mothers crearono effetti sonori elettronici offrendo melodie banali per accompagnare la presentazione di Schaffer.
Per inciso, Schaffer contribuì con uno ‘shuffle’ e qualche piegamento delle ginocchia.
La band dei Mothers (pura dinamite) era composta da:
Frank Zappa (chitarra, voce);
Jean-Luc Ponty (violino);
Ian Underwood (fiati, sintetizzatore);
Ruth Underwood (percussioni – marimba e vibrafono);
Ralph Humphrey (batteria);
Sal Marquez (tromba, voce);
George Duke (sintetizzatore e tastiere);
Tom Fowler (basso);
Bruce Fowler (trombone).
Di seguito, la scaletta del concerto che ha avuto luogo il 16 maggio 1973:
1. Exercise #4
2. The Dog Breath Variations
3. Uncle Meat
4. Down Beat Award Ceremony Ballet Extravaganza
5. RDNZL
6. Don’t Eat the Yellow Snow
7. Nanook Rubs It
8. St. Alfonzo’s Pancake Breakfast
9. Father O’Blivion
10. Farther O’Blivion
11. Montana
12. Dupree’s Paradise
13. The Demise of Catherine the Great Extravaganza
14. Eat That Question
15. Mr. Green Genes
16. King Kong
17. Chunga’s Revenge
(DownBeat, 19 luglio 1973, Zappa Improvisation by Herb Nolan)
Tra le varie foto ‘simboliche’ del 1973 utilizzate per questo video (non avendo foto del concerto in questione) ho scelto alcune immagini del concerto di Halloween 73 che ha avuto luogo proprio all’Auditorium Theater di Chicago.
A proposito di Chicago…
Orchestra preferita di Frank Zappa: Chicago Symphony (Capitol, 1° aprile 1984)
“La Chicago Symphony è generalmente considerata la migliore al mondo. Suonano bene e suonano come se lo volessero davvero, mentre la maggior parte delle altre orchestre negli Stati Uniti non è seriamente intenzionata a farlo. Voglio dire, solo perché indossi uno smoking non significa che ti interessi qualcosa”. (Frank Zappa, Modern Recording & Music, agosto 1984)
Zappa portò l’interesse di Varèse per gli strumenti elettrici un po’ più in là nel regno della modifica elettronica del suono. Ad esempio, alterava la frequenza dei suoni dei clarinetti per farli suonare come trombe o come nessuno strumento mai sentito prima. (The Chronicle, 20 ottobre 1975)
Frank Zappa ha unito la musica colta a quella popolare. Nel mondo di Zappa i confini tra musica colta e popolare sono completamente aboliti nel nome di un’assoluta libertà creativa.
Zappa è stato il primo musicista a portare un orientamento classico nel mondo rock producendo brani che certamente potrebbero essere considerati rhythm and blues sinfonici.
Con il suo gruppo, The Mothers of Invention, nell’estate del 1967 Frank Zappa portò una teatralità brutale e spontanea sul palco rock del Garrick Theatre, molto prima che lo facesse chiunque altro.
Da allora ha ampliato ulteriormente la sua visione nei regni della musica classica, rock, jazz e R&B.
(In Their Own Words, aprile 1975)
Quando ha fatto suonare la London Symphony Orchestra, FZ ha messo un microfono sotto la sedia di ogni strumentista e, con tecnologia digitale, li ha registrati praticamente uno per uno. Poi, li ha messi assieme in modo che si sentisse una sola nota. Una meganota, fatta dalla somma delle note che ogni strumento stava suonando. Il tutto è più della somma delle parti. Da quella integrazione, viene fuori la bellezza. Andatela a cercare. (Ferdinando Boero, Rolling Stone dicembre 2013)
“Quando compongo, la mia idea principale spesso parte da varie teorie musicali e mi chiedo cosa succede se faccio questo o quello, quali sono i limiti fisici di ciò che un ascoltatore può comprendere in termini di ritmo. Quanto è grande l’”universo dei dati” che le persone possono assorbire e percepire ancora come una composizione musicale? Questa è la direzione in cui sto andando con il Synclavier”.
(Sound On Sound, febbraio 1987)
“Ho iniziato suonando lick blues nei miei assoli, ma sono più interessato alle cose melodiche. Penso che la sfida più grande quando vai a suonare un assolo sia cercare di inventare una melodia al momento. Penso anche che un chitarrista possa suonare bene quanto la band che lo accompagna. Se le persone che ti sostengono sono sensibili a ciò che stai suonando suonerai alla grande; se sono solo ‘schiaccia-note’ allora suonerai in modo banale”.
“Ho sempre lavorato con musicisti capaci nella sezione ritmica, ma non posso dire se siano sempre stati entusiasti di ciò che stavo suonando, se lo comprendessero bene o se si siano davvero divertiti. Se una persona viene dal mondo jazz suonerà un mucchio di notine, sciami di pentatoniche che, in realtà, non valgono un cazzo. Oppure se vengono dal mondo blues vogliono qualcuno che prenda tre note e faccia squirm-squirm-squirm. È difficile spiegare ai ragazzi appena entrati nella band il mio concetto ritmico: si basa su idee di equilibrio metrico: eventi lunghi e sostenuti contro gruppi con molte note su un battito come numerose sestine, settimine e cose del genere. Diverse volte suonerò tredici note su due quarti e cercherò di distanziare in modo uniforme affinché tutto scorra. Tutto questo è un po’ contrario al rock and roll dove tutto è in binario o ternario, dritto su e giù, in modo da battere costantemente il piede su di esso. Preferisco una sezione consapevole della pulsazione ritmica in grado di creare una base che non si muova, per darmi modo di fluire sopra di essa. È difficile da fare, è difficile convincere le persone a farlo ed è anche difficile convincere i musicisti a lasciare un po’ di spazio per le note veloci. I musicisti della sezione ritmica hanno la tendenza a copiare: se sentono qualcun altro suonare frasi veloci iniziano a suonare frasi veloci anche loro e, alla fine, non si sente più nessuna frase veloce. Scompare il contrasto, quando i musicisti si “copiano” l’un l’altro. Ho sempre avuto un buon rapporto ritmico con Aynsley Dunbar, penso sia davvero bravo con la batteria. Terry Bozzio, il batterista dell’attuale gruppo, è eccellente. Ha la tendenza a dare di matto, ma immagino sia solo perché è di San Francisco”. (FZ, Guitar Player, gennaio 1977)
Loops / I am the Walrus – Illinois Enema Bandit (live Le Zenith, Parigi, 20 maggio 1988)
Loops / Sofa (live Le Summum, Grenoble, 19 maggio 1988)
Frank Zappa – chitarra solista, voce
Mike Keneally – chitarra ritmica, sintetizzatore, voce
Ike Willis – chitarra ritmica, voce
Robert Martin – tastiere, voce
Walt Fowler – tromba, flicorno, sintetizzatore
Bruce Fowler – trombone
Kurt McGettrick – sax baritono, sax basso, clarinetto contrabbasso
Albert Wing – sax tenore
Paul Carman – sax alto, sax soprano, sax baritono
Ed Mann – vibrafono, marimba, percussioni elettroniche
Scott Thunes – basso elettrico, Minimoog
Chad Wackerman – batteria, percussioni elettroniche
Tra i pionieri del looping, negli anni Settanta, troviamo Frank Zappa, Jimi Hendrix, Beatles e Pink Floyd.
Frank Zappa fu influenzato da Halim El-Dabh: utilizzò i tape loop per formare il suono unico della sua band, i Mothers of Invention.
Il suono di Zappa era un mashup di vari generi, dalla musique concrete all’R&B, al jazz e al primo rock n’ roll, che combinava suoni di chitarra elettrica con frammenti di commenti politici e filmati di performance dal vivo.
Ha usato il nastro non solo come formato di registrazione e come strumento pratico in studio, ma anche come strumento in sé. La sua musica è stata fonte di ispirazione per molti artisti di oggi, dai Kraftwerk ai Primus a Bobby Sanabria, abbracciando una vasta gamma di generi e stili musicali.
Cos’è il looping?
La tecnica chiamata looping permette di riprodurre sempre lo stesso suono o la stessa parte di un brano.
Tanto nella musica elettronica quanto nell’hip-hop o nel pop molti dei suoni e dei campioni più belli vengono usati per i loop.
Per il looping, vengono utilizzati dispositivi looper, pedali o plugin.
Il termine looping è nato con le macchine a nastro a bobina, prima dell’avvento dell’audio digitale. Quando il nastro analogico rappresentava il formato standard, occorreva tagliare fisicamente il nastro con una lama di rasoio e ricollegarlo con il nastro per effettuare qualsiasi modifica.
Il looping è nato prima degli anni ’70, con il movimento della musica elettroacustica degli anni Quaranta. Musicisti come Pierre Schaeffer e Halim El-Dabh, tra gli altri, iniziarono a fare musica combinando strumenti acustici con suoni elettronici. Il risultato era una sorta di collage musicale.
El-Dabh utilizzò per la prima volta un filo magnetico per registrare, anziché un nastro magnetico. Utilizzando un concetto simile a quello del nastro magnetico, un filo magnetico veniva tirato attraverso una testina di registrazione, che crea un segnale audio utilizzando i campi magnetici. El-Dabh tagliò il filo magnetico e successivamente il nastro magnetico per incollare insieme vari brani musicali.
L’artista d’avanguardia John Cage ha tagliato 600 suoni diversi per il suo pezzo “The Williams Mix”. Li ha poi riassemblati su nuove tracce di nastro.
Con l’evoluzione e il miglioramento della tecnologia di registrazione, i musicisti iniziarono a portare il formato del nastro magnetico in un nuovo territorio, unendo la testa e la coda del nastro e riproducendo il loop ripetutamente, doppiandolo su una nuova traccia. Questo stile di composizione fu molto utilizzato da artisti dub come King Tubby e più tardi, negli anni Settanta, da artisti hip-hop come Grandmaster Flash.
Nel 1963 il compositore Terry Riley iniziò a creare “musica ostinata”, ovvero musica basata su loop. Costruì uno strumento hardware per eseguire loop su nastro utilizzando due macchine a nastro sincronizzate tra loro. Lo chiamò Time Lag Accumulator e lo utilizzò per registrare il trombettista jazz Chet Baker, oltre a vari loop di organi e altri strumenti. Questo è essenzialmente un esempio di uno dei primi casi di campionamento e il Time Lag Accumulator è stato uno dei primi looper hardware.
(estratto da un articolo di Julian Blackmore, 6 settembre 2022)
Quando è entrato in scena il wah-wah?
“Dopo il fuzztone, intorno al 1966 o 1967. Sono stato uno dei primi ad usarne uno, l’ho adorato. Nell’ultimo tour, però, non ho usato nessun wah-wah. Ho utilizzato tre DDL [delay digitali] per diverse funzioni: uno per darmi un leggero ritardo con un po’ di pitch shift in modo da creare un vibrato e addensare il suono, e gli altri due per passaggi che riproduciamo più e più volte, come per registrare loop”.
(Down Beat, febbraio 1983)
Zappa col supporto dei suoi nuovi computer sta creando nuova musica: l’ultimo esempio è “Porn Wars”, il suo musique concrete pastiche che presenta le voci dei senatori Danforth, Hollings, Gore, Tribel ed Exon, insieme al reverendo Jeff Ling e anche Tipper Gore, in infiniti loop di nastro, a testimoniare la loro inclinazione per il rock.
È passato da Lumpy Gravy e Valley Girls al Senato degli Stati Uniti.
(Music Connection, 9 dicembre 1985)
