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Insieme alla sua massiccia produzione di rock & roll, Zappa ha continuamente scritto brani sinfonici contemporanei, che solo ora iniziano ad essere eseguiti dalle orchestre. 

Pierre Boulez ha incaricato Frank di comporre musica per il suo ensemble, che dovrebbe essere eseguito a Parigi all’inizio del 1984. A gennaio, la London Symphony Orchestra ha eseguito un programma della musica di Zappa, diretto dal 31enne Kent Nagano, direttore d’orchestra delle sinfonie di Berkeley e Oakland, California. Zappa ha anche prodotto e progettato un album in studio della LSO eseguendo le sue composizioni, che sarà presto pubblicato su Barking Pumpkin. 

Kent Nagano, uno dei massimi paladini della nuova musica, dichiara: “Come compositore, lo classifico al pari degli altri grandi maestri del secolo. È stato uno dei progetti più emozionanti su cui abbia mai lavorato”.

A febbraio, Zappa ha condiviso il testimone con il maestro Jean-Louis LeRoux per una celebrazione del 100° anniversario della musica di Varèse e Anton Webern, eseguita dai San Francisco Contemporary Music Players al War Memorial Opera House della città. Sebbene il concerto sia stato un vero successo, Zappa ha ammesso in seguito: “Era la prima volta che dirigevo composizioni di qualcun altro, abbiamo fatto solo due prove. Non sapevo nemmeno se sarei stato abbastanza bravo da fare Integrales perché è molto più difficile di Ionisation”.

Produrre e progettare un’orchestra sinfonica deve essere drasticamente diverso dagli album che hai prodotto con musicisti rock, strumenti elettrici e sovraincisioni.

“Ci siamo esibiti nella nuova sala permanente della London Symphony Orchestra, il Barbican – un enorme, gigantesco complesso culturale multimilionario, in stile inglese. Una vera sala di merda. L’acustica non è eccezionale e varia drasticamente da un sedile all’altro. Il palco è troppo piccolo per una produzione importante. Era così stretto per il nostro setup che abbiamo dovuto lasciare due viole fuori dall’orchestra perché non c’era posto. Le due sale di Londra dove le orchestre di solito registrano, con una buona acustica, erano entrambe prenotate, quindi abbiamo finito per registrare in un luogo chiamato Twickenham Studios Stage One, che è il palcoscenico di un film. Un’acustica davvero scadente, che all’inizio pensavo sarebbe stato un disastro. Ma dopo aver recuperato il nastro e aver scoperto cosa posso fare con diversi tipi di riverbero aggiunti a sezioni diverse, è risultato migliore rispetto ad una sala dal vivo. Quindi l’abbiamo microfonato con i PZM, il 90% dell’orchestra, inoltre avevamo un [n Edcor] Calrec [microfono] sopra la testa del direttore. I microfoni erano 62. Ho usato 24 tracce digitali per fare il montaggio nel mio studio, un sogno: il Sony PCM 3324”.

Registreresti mai la tua band in digitale?

“Sì, se mai potessi permettermi una di quelle macchine, che costano 150.000 dollari”.

Il problema è che il nastro digitale suona alla grande, ma quando lo trasferisci su un supporto analogico ottieni un suono completamente diverso.

“Ottieni cose diverse perché la gamma dinamica del nastro digitale è di 90 dB e la gamma dinamica di un disco è di circa 45-50 dB. Quindi, non puoi lasciare che tutti i picchi vadano dove andrebbero normalmente: devi comprimere. Ma se hai intenzione di pianificare per il futuro, penso che alla fine i dischi verranno pubblicati su compact disc, piccoli dischi laser da 90 dB. C’è un modo per farlo. Compenserò per averlo su un pezzo di vinile e in digitale”.

Questa è stata la prima volta che hai ascoltato la maggior parte dei tuoi pezzi eseguiti. Qualche sorpresa?

“Poche sorprese. Le sorprese sono arrivate in termini di cose che pensavo fossero facili da interpretare, in realtà è stata una tortura per i musicisti. Non voglio essere critico nei confronti della LSO, perché hanno davvero dato il massimo e hanno lottato valorosamente con i problemi che ci sono stati. Ma c’era una certa irregolarità da una sezione all’altra, in termini di qualità e stile dei musicisti della sezione. Gli archi erano generalmente abbastanza buoni, specialmente per quanto riguarda l’insieme. Buon violinista, fiati grandiosi tranne il primo flauto, hanno avuto enormi problemi con Mo ‘n’ Herb’s Vacation. Ma a parte questo, è stato meraviglioso. Negli ottoni, un piccolo problema con le trombe. Bene con tromboni e corni francesi, percussioni (tranne un ragazzo), pianoforte fantastico, arpa grandiosa. Quando Kent è andato a togliere tutto, alcune cose sono state eseguite più lentamente di quanto mi sarebbe piaciuto solo per convincere le persone a recitare le parti. C’era questa corsa in Mo ‘n’ Herb’s Vacation che stava facendo impazzire il suonatore di flauto”.

Quanto sono diversi i processi creativi per scrivere un pezzo orchestrale rispetto a una melodia per la band?

“Sei di uno, mezza dozzina dell’altro. Alcuni sono così semplici, basta canticchiarli a tutti. Certo, per un pezzo orchestrato non hai il tempo di canticchiarlo a cento ragazzi e non lo ricorderanno comunque. Sono tutti composti in modi diversi. Faccio schizzi di alcune cose mentre aspetto in un aeroporto e torno da un tour, ho una valigetta piena di schizzi. Il testo di “Dumb All Over” è stato scritto su un volo Lufthansa di ritorno dall’Europa. La marcia alla fine di “Sad Jane” è un’ambientazione orchestrale di una trascrizione di un assolo di chitarra dallo Shrine Auditorium nel 1968, trascritto da Ian Underwood”.

Quindi un’intera orchestra sta suonando il tuo assolo di chitarra improvvisato.

“Sì, ma armonizzato e orchestrato. Non sapresti mai che è uscito da una chitarra. Il motivo per cui l’ho scelto è che suonava così composto. Il terzo movimento di “Sinister Footwear” è una trascrizione esatta di un assolo (trascritta da Steve Vai). È diabolicamente difficile, probabilmente la cosa più difficile su carta che ho”.

Una cosa che manca nella maggior parte degli artisti rock è pensare in modo astratto.

“Il mio segreto è che so quello che sto facendo. Ero in grado di proiettare le cose in modo astratto già da adolescente”.

Questo ha causato qualche stranezza nei primi gruppi rock in cui hai suonato?

“Beh, è ​​un po’ difficile convincere la gente che una marimba può avere un posto in una band rhythm and blues. Nella mia band al liceo, ero il suonatore di marimba. Ho sempre pensato che quel tipo di suono sarebbe stato buono per le chitarre boogie e così via. Un approccio non tradizionale”.

Sei uno dei pochi artisti che assorbe praticamente tutti i costi di produzione per tutti i tuoi progetti, invece di essere sovvenzionato da un’etichetta o da qualcuno.

“Lo faccio per una giusta causa, per l’intrattenimento speciale. Nessun altro investirà in questo, sono tutti troppo stupidi e spaventati. Ora, se ho soldi da investire in qualcosa, pensi che mi divertirei ad investire in un dannato condominio da qualche parte, come fanno gli altri? Non voglio possedere un condominio né essere un partner in un centro commerciale. Se guadagno dei soldi, mi giro e li reinvesto nel lavoro che faccio. Non ho condomini né azioni: ho progetti incompiuti dappertutto, ecco quello che ho. Ho anche una moglie con un grande senso dell’umorismo”.

(Mix, giugno 1983)